Разбудить душевность. Интервью с куратором проекта “Обычные вещи” Александрой Омининой

Беседовала Анна Крылова

Фотографии предоставлены "ДК Громов"

Петербургское арт-пространство “ДК Громов” представляет новый выставочный проект “Обычные вещи”. Куратором выступила Александра Оминина. Её в культурной столице знают не только как куратора, но как художника и преподавателя. АRT Узлу Александра рассказала о том, как и зачем она совмещает все эти роли и о работе над проектом. Выставка получилась трогательная, дающая возможность отключиться на время просмотра от информационного потока. Увидеть проект можно до 14 февраля.

А.У. - Арт Узел

А.О. - Александра Оминина

А.У.: Кто вы в первую очередь — куратор? Художник? Преподаватель?

А.О.: В первую очередь я — художник, окончила Академию Штиглица, осталась там учиться в аспирантуре, а потом уже преподавать. Работая со студентами, я поняла, что они нуждаются в помощи. В помощи куратора. Кураторство в Европе предполагает, что куратор приходит и смотрит, что происходит в академиях искусств, смотрит проекты, отбирает художников, с которыми будет работать, по крайней мере, пробовать работать. В нашей системе, так как мы только проходим путь формирования, это не происходит. Куратору смотреть на учебные работы (даже очень талантливых в будущем художников) довольно сложно. Академии сейчас не учат современному искусству, а сосредоточены на классическом. Хотя многие выпускники наших классических художественных вузов стали заниматься современным искусством. И многие сейчас хорошо представляют Россию на международном уровне, но это работает только как отдельные имена, не системно. Российское искусство в европейском пространстве сейчас воспринимается даже не вторичным, к сожалению, и точно не первичным. Хотелось бы думать, что мы на пути развития.

А.У.: Раньше было расхожее мнение, что разрыв между Россией и Западом — 20 лет… Сейчас видимо ничего не изменилось?

А.О.: Тут нет скоростных соревнований — невозможно нагнать. В России как с экономикой, так и современным искусством — мы идём своим путём. Мы на пути развития. Тут два контекста, что происходит у нас в стране и что происходит с нами в контексте мирового процесса. Многие наши художники представлены за рубежом. Представлены художники из России, как часть Восточной Европы. Внутри страны много очень хороших художников, которые мыслят и работают не с отрывом в 20 лет. Всегда так было! Для меня было важным, чтобы этот процесс не останавливался. Ежегодно в академиях огромный конкурс, со всей страны приезжают учиться. Например, Академия Штиглица, в которой я проработала последние 13 лет, не ставит перед собой задачу учить искусству, в первую очередь учит качественному ремеслу художника — композиции, владению материалами, работе с пространством. Эти базовые навыки даются на хорошем уровне, и они тоже очень нужны современному художнику. В классических академиях не хватает более качественного образования по новейшей истории искусств 20-21 веков, ничего не говорится о кураторстве, о современном пути развития карьеры. В какой-то степени в этих вопросах студенты предоставлены самим себе. Чтобы как-то раскачать ситуацию, когда я еще работала в Академии (ушла в прошлом году), устраивала творческие встречи в рамках проекта "Завязался разговор" с деятелями современного искусства. К нам приходили и искусствоведы, и кураторы, и художники, которые живут и работают в России, представляют страну на международном уровне. Важно было, чтобы студенты заразились этой энергией, желанием заниматься искусством, но также и получили какие-то представления, как дальше двигаться. В России с арт-рынком, да и вообще с устройством художественных процессов довольно трудно. С одной стороны, заниматься искусством — это выбор трудный для жизни, но с другой стороны, если ты жить без этого не можешь, то лучше увидеть, что ты не один, что есть другие люди, которые также горят, работают и делают карьеру.  Это важно для дальнейшего будущего российского искусства.

А.У.: Последние несколько лет студенты Академий стали очень активны и заметны на петербургском горизонте! И выставок стало больше.

А.О.: Стало больше информации, она стала доступнее. Во-первых, интернет. Разные виды коммуникации стали намного проще, проще что-то увидеть, что-то показать. Во-вторых, стало чуть проще съездить и посмотреть искусство. Во многом эта активность происходит от художников, от кураторов, этот видимый процесс держится исключительно на людях, на их личной заинтересованности и инициативе. В каких-то случаях с поддержкой меценатов, но это тоже частная инициатива. К сожалению. В Петербурге сейчас есть места, где есть процесс, где художники могут показывать свои проекты максимально искренние. К примеру, галерея «ЛЮДА»! Её вновь открыл Петр Белый (прим.ред. читайте на АУ интервью с Петром Белым о реинкарнации “ЛЮДЫ”), галерея FFTN. Художники собирают арт-группы, ищут самостоятельные способы существования. Я также заинтересована в развитии молодых художников. В будущем мы можем получить талантливое поколение. У меня есть кураторский проект — я сотрудничаю с пространством «Склад-17», оно в самом центре города — периодически в нем мы делаем выставки. Я показываю малоизвестных молодых художников, которые приходят с интересными идеями. Для меня важно, чтобы человек был ищущим, думающим. Меня этот процесс поддержки молодых так захватил, что мы со студентами создали арт-группировку, сделали несколько совместных проектов и поучаствовали в программе фестиваля ГАММА. Если не заниматься теми, кто интересуется, мы не получим дальше ничего, никакого процесса развития! Ещё одна моя кураторская работа, одна из выставок в «Benua Art Garden» в зимнем сезоне, там я также показываю проект, где участвуют и известные художники и начинающие. Для молодых это возможность войти в контекст петербургского искусства, быть увиденными. Здесь есть такая тенденция — не замечать. Молодым художникам надо как-то начинать, они не могут себе позволить сходу персональную выставку по объективным причинам. А в групповые не особо зовут, там сложившиеся отношения. Это замкнутый круг. Начинаешь показывать художника в одном месте, в другом, третьем… Потом уже они сами начинают творческий путь. В Москве несколько школ современного искусства, в Петербурге основная точка — это «Школа молодого художника» ПРО АРТЕ.  Приходилось помогать студентам по Штиглица, подготавливать портфолио — в итоге они проходили конкурсный отбор. После этого они успешно продолжают творческое развитие самостоятельно. В Петербурге много талантливых ребят. Если посмотреть в целом на многих представителей современного искусства в Петербурге, то получается, что есть рецепт — одна из классических академий + «ПРО Арте».

А.У.: В «ПРО АРТЕ» есть еще 10%, которые приходят из других сфер и профессий, и они тоже интересные ребята. В городе стало открываться много самоорганизованных пространств… Галерея FFTN, например.

А.О.: Любой проект требует усилий. Например, моя работа со «Складом-17» совершенно безвозмездна, мне хочется, чтобы молодых видели. Это закладка на будущее. Чем больше будет открываться пространств и возможностей, где могут показывать проекты художники, тем качественнее будет развитие. Это призыв к меценатству, если у кого-то есть какие-то возможности, пространства, дайте знать)))… В Европе есть такая практика работы с девелоперами, в еще недостроенном, незаселенном помещении, на первых этажах в пространствах показывают современное искусство. Конечно в этом процессе участник и государство, за такую деятельность снижают налоги. У нас такое еще не распространено, но мы стараемся привлечь внимание всех. Я пытаюсь привлекать людей, которые занимаются бизнесом к меценатству. Независимость — это призрачная эвфемерия. Прекрасно было бы, чтобы кто-то соглашался тратить деньги и не замечал, что там происходит. Но так не бывает! Например, я сотрудничаю со «Складом-17»... Чтобы для художника всё было бесплатно, моя кураторская работа тоже бесплатна, это мое вложение в дело. У пространства есть возможность зарабатывать на кофе-поинте, на лектории и каких-то событиях. Это даёт художнику свободу. Это бизнес совсем не гигантский, даже совсем небольшой. Этим могут заниматься не только большие игроки бизнеса. Нужно объединять усилия.

А.У.: Кем все же вы себя чувствуете сегодня в большей степени?

А.О.: Преподавательскую деятельность я оставила. Когда ты преподаешь, ты не можешь выбрать определенных людей, ты работаешь со всеми, приходится тянуть тех, кто не очень хочет. Я решила, что хочу сотрудничать только с теми, кто этого действительно хочет. Это возможно в кураторстве. Кураторство для меня, художника — это близко к художественной, творческой работе тоже, ты создаешь огромную тотальную композицию с помощью художественных проектов и работ художников. Для меня важно, чтобы кураторский проект был, как пластически, так и идейно и идеологически собран в общую, единую смысловую композицию.

А.У.: Давайте поговорим теперь про «Обычные вещи», выставку, на которой мы с вами сейчас находимся.

А.О.: Проект в “ДК Громов” в каком-то смысле тоже меценатский. Мне кажется, что было интересно здесь сделать выставку, которой здесь не было давно! Это про вещь в прямом смысле этого слова. В век цифровой жизни, когда мы привыкли, что всё вокруг современное, по последнему слову моды… Мы не можем от этого отстроиться, находимся в состоянии постоянной возгонки. Этой выставкой я хотела показать выход в безвременье. Здесь представлено много художников, которые работают с различными медиа, те кто прежде всего своими работами нас реверсирует в безвременное, чувственное, что-то детское, заставляют думать. Это та плоскость, где не работают механизмы «быстрее», «моднее». Выставка называется в какой-то степени скупым названием — «Обычные вещи». Реди-мейд, воспевание предмета — этому течению сто лет как, но в нём кроется большая искренность. Для каждого художника, который учится композиции, рисовать… У нас много художников, которые учились в художественных вузах и прошли классическую школу — в их образовании не было изучения реди-мейда. Но со временем, потом только, они все самостоятельно к этому пришли. Чистое высказывание через предмет — это искренность, до которой надо дойти, дожить, принять. Это уровень открытости художников. Живут художники не в безвоздушном пространстве, мы ходим по одной земле, живём с ними в одном обществе — в какой-то степени художник отражает действительность, но отражать можно разными средствами... Впрочем бывает  — он ищет определенный мир, состояние. Художник говорит своими работами. Неправда, что художник не хочет быть понятым. Он хочет сложного диалога. Для меня было актуальным собрать выставку из таких художников и работ, которые крайне искренни. Здесь представлены также и молодые художники, которые могли бы нестись за модными тенденциями, но им интересно высказываться в этих техниках и видеть что-то актуальное, нужное, важное, с их помощью высказываться. Тогда (сто лет назад) это было стремление к новой форме, вызов, а сейчас художник творит, используя реди-мейд, в какой-то степени это его заставляет делать смена времени. Да, у нас случился большой скачок в техническом развитии! Ещё в детстве мы слушали радио из транзистора, а теперь из сверкающей коробочки. Человеческое сознание, а мы все родом из детства, не успевает. Наше внутреннее и творческое очень часто имеет параллели с прошлым и детством.

А.У.: А все ли художники из Петербурга?

А.О.: Большинство из Петербурга, есть и гости, например, Вова Марин, Хаим Сокол. Но привязка к месту жительства сегодня очень условна. Большую часть года художник может не быть дома и оставаться при этом петербургским художником или московским.

А.У.: Но у вас не было задачи делать срез петербургского искусства?

А.О.: Да. Важнее для меня была идея. Здесь представлены художники, которым я искренне доверяю. Их работы заряжены безвременностью, ценностью момента, уважением ко времени. Многие проекты этих художников своевременны и актуальны. Например, Петр Белый — это очень опытный и известный художник. Но он видит много нового искусства, сам показывает его как куратор. Его собственное высказывание всегда такое емкое по смыслу, но достигается всегда малыми визуальными средствами, и оно всегда точно. Мне, как художнику, самой близок такой метод. Меня волновали именно конкретные работы конкретных художников. Не то чтобы я звонила и говорила: “Дай-ка мне что-нибудь, что у вас там есть?” Некоторых я даже убеждала, чтобы они мне дали именно ту работу.

А.У.: То есть вы видели в других проектах эти работы?

А.О.: Не все. Некоторые работы были специально созданы для этого проекта. И это самое сложное. Это взаимодействие с художником о продукте, который в итоге будет. Удобно выбрать виденный проект. С другой стороны, у нас есть инсталляция Ивана Плюща, которая была создана специально для Нижнего Новгорода. Он показывал ее в Арсенале Кремля в Нижнем Новгороде на площадке ГЦСИ.. Она была построена Иваном туда, а моей задачей было придумать, как она сядет в это пространство, в этот групповой проект. Я не ездила в Нижний, но по фотографиям и было ясно, что у них более вертикальное пространство. Здесь же зал горизонтальный. Мы получили работу в коробках! И задача была грамотно ее расположить, чтобы состояние, которое она должна вызывать, сохранилось, а то и приумножилось. Состояние “Механизма бессмертия” — оно состоялось и снова получилось. Это важный момент работы куратора с произведением. 

А.У.: Сколько у вас было времени на этот проект?

А.О.: У меня был месяц. Идея эта жила со мной уже давно, я не знала, что меня пригласит “ДК Громов”. Я оценила возможности пространства и сразу предложила эту идею. Этот продукт, который вы сейчас можете видеть в выставочном пространстве, он жил со мной, а здесь он получил свое физическое воплощение.

А.У.: Какие проекты были созданы специально к этой выставке?

А.О.: Анна Мартыненко сделала аудиоинсталляцию. Этот художник работает на стыке технологий — программирования и аудио. Это художественное произведение, композиция. Это технические вещи, которые не несут никакой функции кроме эстетической. Мы видим и слышим. Анна часто так работает. Ей свойственны сайт-специфичные проекты. Мы сюда пришли вместе с художницей, и я говорю: “Знаю, что тебе подойдет. Здесь есть единственная некрашеная стена в пространстве”. Она походила, походила  и согласилась, но это был абсолютно ее выбор — если бы захотела делать работу с полом, то делала бы с полом. В течение месяца мы обсуждали проект, о чем, какими средствами. У нас налажен контакт, мы не первый раз работаем вместе. Я неплохо знаю, что делает этот художник, поэтому очень ждала этот проект, интересно было, что получится. Еще один художник, который сделал специальный проект к выставке — Маша Королёва. Она закончила Академию им. Репина, затем училась в ПРО АРТЕ и стала работать чаще с инсталляцией, объектом. На выставке представлен ее проект “CULTER”, ее живописные навыки сработал при подготовке объекта для него. Это стол, она его специально шкурила. Видно, что получилась абсолютно живописная поверхность. Стол сделан так, что он не имеет прямой перспективы, он имеет всегда обратную, как в иконах. Как на него не посмотри, он не поддается правилам перспективы. На столе лежит некий нож. Человеку свойственно наделять предметы сакральным смыслом. Это нож с двумя лезвиями. Если взять его в руку — на ладони появится еще одна линия судьбы. Вообще это выставка про внимательность художников. Когда у тебя много возможностей визуальных, то есть опасность размыть высказывание. А когда ты используешь минимум средств — смысл оказывается максимально оголен и чист. Мне близок этот принцип. Я выбрала тех художников, которые им же живут. Искренность для них имеет большой смысл.

А.У.: Какое настроение вы бы хотели создать у зрителей?

А.О.: Важно выхватить всех из жизни в гаджетах. Хочется, чтобы зритель вернулся к детскости. В нас всех это есть. Многое тянется из детства. Если банальным языком, чтобы люди были чуть более внимательными к тому, что и кто их окружает. Хочется разбудить душевность. Сегодня душевного трепета стало мало.

А.У.: А как смотрит на эту выставку другое поколение? Можно ли сказать, что ваша выставка — для взрослых!?

А.О.: Нет! Удачные работы заряжены эмоционально. Выразительность на наших детей все равно действует. Здесь есть работа “По воде вилами писано” — это выражение всё ещё встречается в нашей жизни. Вил давно не видел никто. А эта визуализация понятна. Работа Анны Мартыненко связана с фразой “Как горох в стену”. Она говорит про упертость — она озвучивает эту фразу. Мы сами говорим постоянно эту фразу нашим детям. Хотя видели ли они горох? Полина Орлова делает проект “Система отсчета”, в котором она визуализирует процесс. Мы видим, как временной отрезок рисует капельница. Изображение появляется в ходе выставки, появляется постепенно. Здесь представлена также работа Тани Ахметгалиевой “Маленький бумажный домик”. Домик рано или поздно смоет в этом видео волной. Для художника важен момент из детства. Она прямым текстом нам говорит, что ей хочется поделиться тем, что она пережила и любила в своём кемеровском детстве. Сейчас она живёт в Петербурге, в Швейцарии выставляется… Люда Белова — лауреат премии Курехина за проект “Тихие голоса” про Блокаду. Все было выстроено там на нюансах. Ни разу не было сказано слово “смерть”, но всё им дышало. А здесь она показывает проект про дорогу. Точнее даже две работы. Видеоработа “Вынужденный ракурс” показывает три ракурса: что младенец видит из коляски, человек в пробке по дороге на работу, и, наконец, в больнице, когда лежит на каталке. “Вынужденному ракурсу” уже 20 лет, но выглядит работа до сих пор актуально. Все-таки эти отсылки живут за счет сказок и книг, речи и фильмов.

А.У.: Это культурный код?

А.О: Да. Выставка современного искусства — это разговор с современником.

А.У.: Так ли просты “Обычные вещи”?

А.О.: Если подложить обычный гвоздь под колпак и подписать “Этим гвоздем…” и поставить в галерее — восприятие гвоздя меняется. Смотрящий включается. Зритель настроен, внимателен, он готов увидеть “что-то”. Не могу сказать, что петербуржцы подготовлены на все 100%, но зато внимательны.

А.У.: Можно ли подготовиться к походу на эту выставку?

А.О.: Не надо никак готовиться. Важно быть спокойным и не занятым мысленно другим каким-то делом. Это как книжку почитать. Если ты готов к восприятию материала, то от проекта к проекту ты будешь наполняться. 

----

Выставка работает до 14 февраля

АДРЕС: ул. Громова, д. 4, Санкт-Петербург

вторник и четверг с 12:00 до 20:00

среда и пятница с 10:00 до 18:00

суббота с 12:00 до 17:00

понедельник и воскресенье — выходные

ДК ГРОМОВ — петербургское арт-пространство «Дом культуры Громов» было открыто в 2016 году на правом берегу Невы, в районе Малая Охта. Основной специализацией многофункционального культурного центра является выставочная деятельность. В главном фокусе интересов «ДК Громов» — русское актуальное искусство последних десятилетий. «ДК Громов» — своеобразный коллекционерский клуб. Ежегодно на двух этажах выставочного пространства «ДК Громов» проходит масштабная выставка, целиком посвященная представлению работ из частных коллекций.