События 11-17 февраля
Ю. С. Ушаков. Деревянная архитектура русского Севера
13.02.2019-24.03.2019
Государственный музей архитектуры имени А.В. Щусева
Юрий Сергеевич Ушаков (1928-1996) – доктор архитектуры, профессор, лауреат Государственной премии РСФСР – выдающийся исследователь, посвятивший свою жизнь истории русского деревянного зодчества. Экспедиции 1960-1970-х годов в отдаленные районы русского Севера дали возможность ученому проводить натурное изучение памятников деревянной архитектуры и крупных архитектурных комплексов.
На выставке будут представлены фотографии Ушакова, запечатлевшие несохранившиеся шедевры русского деревянного зодчества, его путевые карандашные зарисовки и акварели, а также иллюстрации, выполненные исследователем для книги «Ансамбль в народном зодчестве русского Севера», макеты храмов Кижского погоста и других деревянных сооружений. Макет недавно сгоревшей шатровой церкви в Кондопоге должен привлечь внимание к судьбе культурного наследия России.
Главными темами выставки станут памятники русской деревянной архитектуры, исторические ландшафты русского Севера, участники экспедиций Ю.С. Ушакова и жители отдаленных деревень, которые были хранителями уже ушедшего традиционного уклада жизни.
Николай Мещерин. Выход из суеты
13.02.2019-19.04.2019
13 февраля 2019 года Музей русского импрессионизма совместно с Государственной Третьяковской галереей представит проект «Николай Мещерин. Выход из суеты» – ретроспективную выставку художника, который был одним из верных последователей философии французского импрессионизма и одним из мастеров, привносивших импрессионистические приемы в русскую живопись рубежа XIX–XX веков. В экспозицию войдут более 100 работ из семнадцати государственных и частных музеев и пяти крупных собраний российских коллекционеров.
В 1897 году другой московский предприниматель, сын основателя Даниловской мануфактуры Николай Мещерин тоже пытается постичь новое искусство, способное запечатлеть мгновение во всей его прелести и красоте – прозрачность воздуха, неуловимость света и передать белый цвет без белой краски. Но Мещерин выбирает иной путь. В 33 года он оставляет успешный семейный бизнес и уезжает подальше от московской суеты в тихую усадьбу Дугино, где сам берется за кисть и посвящает закатные и предрассветные часы работе на пленэре с мольбертом.
В 1890-х годах Клод Моне пишет серию из 30 картин, на каждой изображен Руанский собор в разное время суток. Мастер стремится поймать ускользающий свет, показать его изменяющуюся природу, продемонстрировать, что не только предмет, но и эффекты влияют на наше восприятие и настроение картины.
Практически теми же самыми опытами – поиском света и цвета – увлечен несколько лет спустя в имении Дугино Николай Мещерин. Художник ведет подробный дневник, где делает записи своих наблюдений. Он пишет серии этюдов на закате и рассвете. Впервые собранная вместе серия этюдов будет представлена на выставке.
В 1890-х годах импрессионист Эдгар Дега свое увлечение фотографией сочетает с живописью. Фотография становится важным этапом в поиске более свежей и необычной композиции для его полотен.
Богатый наследник Николай Мещерин тоже мог позволить себе во многом еще диковинное для России увлечение – любительскую фотографию. До сегодняшнего дня дошло 48 подлинных отпечатков. Снимки были сделаны художником в Дугине и окрестностях усадьбы в 1886-1887 годах. Изображения пейзажей, сцен охоты, групповых портретов родных и близких Мещерина были переданы Государственной Третьяковской галерее реставратором Николаем Гагманом более десяти лет назад и до этого момента хранились в запасниках.
Предприниматель и меценат Николай Мещерин поздно взялся за кисть, но даже не окончив художественной академии, смог заслужить уважение коллег и собрать в своем родовом гнезде – подмосковной усадьбе Дугино – талантливых единомышленников: Игоря Грабаря, Исаака Левитана, Алексея Степанова, Василия Переплетчикова и других. Сегодня дом в Дугине практически утратил исторические черты. В советские годы он подвергся серьезной перестройке. Работы известных гостей старинного поместья, датированные началом прошлого века, на выставке окажутся рядом с картинами и этюдами Мещерина. А тематические блоки позволят совершить путешествие во времени через смену сезонов – зиму, весну, лето и осень.
Путешествие по снам
14.02.2019-24.03.2019
Сновидения и фантасмагории, причудливые и парадоксальные миры, образы социального гротеска и наивного художественного восприятия действительности – всё, что не стоит понимать буквально, – таков лейтмотив выставки «Путешествие по снам», которая пройдёт в галерее ARTSTORY с 14 февраля по 24 марта 2019 г. На примере произведений живописи, скульптуры и графики, созданных начиная с 1930 годов вплоть до наших дней, зритель может проследить, как проявляются многозначные образы и мотивы, рождённые фантазией художников и приглашающие в путешествие по неизведанным измерениям.
Сны представителей художественного андеграунда С.Алфёрова, О.Ланга, Б.Кошелохова наполнены абстрактными образами, живые существа здесь действуют наравне с геометрическими фигурами, а цветовые пятна являются полноценными, самодостаточными субъектами. Миры Л.Вороновой, С.Горшкова, А.Карпова, А.Лобанова, В.Любарова, К.Медведевой, А.Петрова, Л.Пурыгина, А.Пыжовой – напротив, населяют конкретные, более или менее тщательно прописанные люди и животные; их сюжеты и фантазии наивны, но совсем не просты. В каждой работе просматривается литературный бэкграунд: это могут быть народные сказки или современный фольклор села и городских окраин. Фантастические персонажи И.Лубенникова, Н.Нестеровой, А.Ишина, И.Исупова ведут зрителя в путешествие сквозь постмодернистскую ткань литературно-живописных реминисценций к образам окружающего нас современного общества.
И другие лица
13.02.2019-24.02.2019
Татьяна Нешумова — филолог, текстолог, поэт — и вообще литератор; «художеству» она никогда не училась. Но вдруг начала им заниматься — и занимается активно, с видимым удовольствием. «Картинки на картонках» (или на оргалите), написанные то маслом, то гуашью или акрилом, не хотят укладываться в жёсткие границы графического или живописного отсеков; можно сказать, что любопытство (неофитское?) к поведению материала заставляет видовые характеристики мигрировать и дребезжать. Точно так же дребезжат привычные иерархии: например, «не у дел» оказывается академическое разделение искусства на профессиональное и — вот какое? — самодеятельное? наивное? Но совсем не вяжется с наивностью минималистский артистизм (наивное сознание всегда стремится заполнить пространство), и самодеятельности не наблюдается, напротив — уверенный штрих, композиционная свобода и безошибочное чувство цвета. Наверное, от природы — но и культурное многознание тоже, вероятно, способно повлиять на технический процесс.
К культуре автор «припадает» наглядно: источниками картин часто служат музейные полотна. Конечно, это можно воспринять как ученический поклон — своего рода «рисование с гипсов»; но рисование вольное, порой радикально перетолковывающее исходную матрицу. Мировое искусство видится не как набор приёмов и правил и не в том смысле, в котором «самодеятельному» предписано цепляться за хвост «профессионального» и ему подражать. Оно просто «работает натурой» — а натура есть материал для действий: её перекраивают, фрагментируют, ей меняют тон. Личный выбор — решить, что в реплике исчезнет, а что останется, и останется ли узнаваемым.
Выставка «И другие лица» — собственно, про то, как мы смотрим на искусство, и кто такие «мы». Портреты людей могли бы оказаться внутри «римейков» — и наоборот: сегодняшнее, живое впечатывается в музейную историю, а её персонажи, напротив, стряхивают с себя патину времени и культурной почтительности. Беглый пианизм манеры уравнивает «героев» в правах — можно сказать, уравнивает в той свободе, которая и есть свобода искусства как такового. Но даже быстрое рисование есть процесс, чья длительность позволяет почти тактильно, через рисуночный жест, сделать чужое — своим. Чья-то фотография, став источником портрета, утрачивает видовую мимолётность; и композиции «старых мастеров» преобразуются сквозь всю историю трансформаций изобразительного языка. В том, как очевидна эта история, отчасти и состоит личный взгляд автора. Очень ясный взгляд.
Галина Ельшевская
Открытый музей-2019
8.02.2019-31.03.2019
8 февраля в галерее «Электромузей» Объединения «Выставочные залы Москвы» в третий раз открывается выставочный проект «Открытый музей».
Выставка «Открытый музей-2019» – продолжение «Антимузея», проекта, стартовавшего в 2016 году, и функционировавшего как свободная площадка для творческого высказывания без жанровых и кураторских ограничений.
Цель проекта – показать актуальные тренды современного медиа- и технологического искусства и смежных пространств творческого высказывания, способствовать их развитию.
На выставке будут показаны все поданные проекты, если они удовлетворяют одному или нескольким из критериев, определяющих современное медийное и технологическое искусство – интерактивные инсталляции и объекты, дополненная реальность, машинимы, видео, аудиовизуальные перформансы, документация интервенций в городской среде, артистические модификации компьютерных игр и программ, 3D глитчи, и другое.
Tranquillitas – Спокойствие
8.02.2019-31.03.2019
8 февраля в галерее Звукового Искусства – SA)) gallery, расположенной в «Электромузее» Объединения «Выставочные залы Москвы» открывается выставка Павла Жагуна» «Tranquillitas – Спокойствие».
Павел Жагун (RU) поэт, саундартист, медиахудожник, автор идеи и куратор ежегодного международного фестиваля современной поэзии и саунд-арта POETRONICA, автор более 30-ти альбомов.
Восьмиканальная звуковая инсталляция «Tranquillitas – Спокойствие» вводит посетителя в пространство математически редуцированных, минимально ритмизованных органических структур, призванных способствовать организации и регуляции эмоционально-ментальной сферы, посредством современного цифрового звукового процесса.
Игра с шедеврами: от Анри Матисса до Марины Абрамович
14.02.2019-14.04.2019
Еврейский музей и центр толерантности
Еврейский музей и центр толерантности представляет выставку «Игра с шедеврами: от Анри Матисса до Марины Абрамович». Выставка покажет шедевры модернизма и современного искусства – от кубизма до видеоарта. Ядро экспозиции составят работы зарубежных и отечественных художников: Казимира Малевича и Фрэнсиса Бэкона, Роя Лихтенштейна и Виктора Пивоварова, Натальи Гончаровой и Марины Абрамович, Альберто Джакометти и Бриджет Райли, Ансельма Кифера и Нико Пиросмани.
«Игра с шедеврами» – прежде всего, семейный проект. Выстроенный как аттракцион, где для знакомства с работами нужно залезть на лестницу, пригнуться, съехать с горки или заглянуть в шкаф, он даст детям и взрослым возможность увидеть работы культовых современных художников вне рамок школ и концепций. В экспозицию войдут избранные произведения XX и XXI века: работы Малевича («Три фигуры в поле»), Бэкона («Набросок головы Джорджа Дайера»), Лихтенштейна («Портрет») Яковлева («Кошка, поймавшая птицу»), Пивоварова («Паше», «Вике»), Гончаровой («Купальщицы»), Кифера («Адальберту Штифтеру»), а также Кандинского, Пиросмани, Абрамович, Пикассо, Матисса, и других известных художников. Всего зрители увидят более 30 работ в разных жанрах: от живописи и фотографии до инсталляции и экспериментальной анимации.
Взрослые часто ощущают себя потерянными на выставках современного искусства — потому что не знают имен и подозревают, что нужны какие-то специальные знания, чтобы все это понять. Дети и вовсе уверены, что все это придумано не для них – хотя бы потому, что картины висят слишком высоко. На выставке «Игра с шедеврами» работы зачастую оказываются на уровне детских глаз, а экспонаты и пояснения помогают детям избавиться от стереотипа о музее как о чем-то скучном и навязанном взрослыми. Взрослые же могут посмотреть на современное искусство без страха его не понять.
Работы разных эпох, школ, стилей и направлений становятся единым высказыванием, цель которого – рассказать об универсальности искусства, вступить с ним в диалог и позволить эмоциональному возобладать над рациональным.
В рамках выставки в Еврейском музее и центре толерантности пройдет программа образовательных мероприятий — лекций об эмоциональном интеллекте, детских воркшопов и междисциплинарных встреч с психологами, историками искусств и телесными практиками.
По ту сторону реальности. Эрик Йоханссон
14.02.2019-12.05.2019
Центр фотографии имени братьев Люмьер
Центр фотографии имени братьев Люмьер впервые открывает российской публике творчество молодого шведского фотографа Эрика Йоханссона, известного своими постановочными сюрреалистическими пейзажами. Каждая его работа состоит из фрагментов множества кадров, тщательно обработанных и ловко объединённых в графическом редакторе. Йоханссон смело вторгается с манипуляциями в изображение, конструируя фантазийные образы и расширяя границы человеческого восприятия.
С ранних лет он беспрестанно рисовал, вдохновляясь работами великих художников-сюрреалистов: Рене Магритта, Сальвадора Дали и графикой Маурица Эшера, пока не обзавелся фотокамерой и не освоил графическую обработку изображений. Поначалу это был лишь увлекательный эксперимент, но совсем скоро Йоханссон полностью посвятил себя фотографии, однако не в классическом её понимании.
Эрик не фиксирует момент, но реализует свои фантазии, используя фотокамеру и полностью конструируя места и ситуации. Совмещая в кадре реально существующие объекты, он стремится к максимальной реалистичности изображения, так что его фантазийные миры кажутся настоящими. «Никто не может сказать, что это не выглядит реалистично, если я действительно запечатлел все это на камеру» – комментирует автор, определяя свой стиль как «фотореалистический сюрреализм».
Весь процесс создания работы у Эрика делится на три стадии. Первая – это рисунок. Автор прорабатывает множество идей, фиксируя их на бумаге. Отобрав самое лучшее, он ищет места, предметы и архитектурные сооружения, которые могут стать частью финального изображения. Эта стадия может растянуться на месяцы и даже годы. Затем он фотографирует найденные объекты и после работает над отснятым материалом на компьютере, соединяя элементы и обрабатывая кадр. Все этапы процесса в равной степени важны для получения финального изображения.
В каждой работе Йоханссона непременно присутствует элемент загадочности и волшебства. Слово «магическое» имеет те же корни, что и немецкое «mögen» – «мочь», «быть способным к чему-то». Магия фотографий Эрика Йоханссона сводится к тому, чтобы захватить невозможное и представить это максимально реалистично. Изображаемые им предметы свободны от связей, существующих между вещами в мире повседневности. В созданной им реальности овечья шерсть превращается в кучевые облака, день приходит на смену ночи, благодаря регулировщику, который подобно греческому богу Хроносу, следит за ходом времени, где бьются руки, но никогда – вазы.
Страсть Эрика к рисованию и его интерес к манипуляции человеческим восприятием реализуются также в проектах в публичных местах. Он создает «уличные иллюзии» в 3D – крупномасштабные рисунки, трансформирующие пространство улицы, завораживая прохожих своей реалистичностью.
Фотографические проекты автора были показаны в разных городах мира, включая Швецию, Чехию и Австралию. В 2011 году он выступал на конференции TED в Лондоне. В начале 2016 года Эрик выпустил свою первую книгу «IMAGINE», в которую вошли фотографии из его личных проектов, созданных за последние 9 лет.
Йоханссон работает и в сфере рекламы. Он сотрудничал с такими мировыми брендами, как Microsoft, Google, Adobe, Volvo, Toyota.
Восточные мотивы в творчестве Сергея Скубко и Людмилы Скубко-Карпас
13.02.2019-24.02.2019
Государственный музей Востока представляет выставку «Восточные мотивы в творчестве Сергея Скубко и Людмилы Скубко-Карпас». Экспозиция позволит зрителям познакомиться с творчеством уже ушедших из жизни членов Союза Художников СССР. На выставке будет представлено около двадцати работ: портреты студентов Российского Университета Дружбы народов, пейзажи, виды города Хивы, натюрморты и другие произведения.
Сергей Скубко (1922-2007 гг.) родился в казачьем селе Сташевка Приморского края, на границе с Китаем. В 1945 году приехал в Москву и поступил в Московский художественный институт имени Сурикова, который окончил в 1951 г. С тех пор работал как профессиональный художник-живописец. Член Московского Союза художников с 1954 года. В 1960-е годы преподавал в Российском Университете Дружбы народов рисунок и живопись и был художественным руководителем клуба. Это позволило художнику найти новые интересные модели для своего творчества и написать серию портретов студентов из стран Африки, Азии и Латинской Америки. В конце 60-х, 70-е и 80-е годы много путешествовал и работал в Средней Азии. Участвовал в многочисленных выставках. В своих работах Сергей Скубко стремился к документальности, реалистической достоверности изображения моделей (в фигурах, лицах, типажах). Художника характеризует внимание к деталям, к культурным особенностям. Он сумел передать свободную пластику, живость и непосредственность африканцев, латиноамериканцев.
Людмила Карпас (1923-2012гг.), родилась в Петрограде, жила в Москве. В 1952 году окончила Московский художественный институт имени Сурикова. Член Московского Союза художников с 1957 г. В юности, до поступления в художественное училище, Людмила Карпас была ученицей замечательного художника, объединившего в своем творчестве развитие русского модерна и авангарда - Роберта Фалька, во многом сформировавшего ее восприятие живописи и взгляд на собственное творчество. В 1990-е гг. уехала в Париж, где продолжала активно работать, в основном в технике пастели. Её работы находятся в частных коллекциях в России и за рубежом, прежде всего во Франции. Художница была продолжателем традиций русского импрессионизма, сохраняя верность заложенной еще в юные годы манере писать и рисовать только с натуры.
В моем конце — мое начало. В моем начале — мой конец
13.02.2019-24.03.2019
ММОМА (Гоголевский бульвар, 10)
Московский музей современного искусства представляет масштабный персональный проект эстонского художника Яана Тоомика «В моем конце — мое начало. В моем начале — мой конец», куратором которого выступает Виктор Мизиано. Название выставки отсылает к рондо французского поэта и композитора XIV века Гийома де Машо (Guillaume de Machaut), которое основано на повторении всей музыки — нота за нотой — в обратном порядке. Тоомик является героем многих своих произведений и при этом наиболее устойчивой формой внутренней организации его работ оказывается мотив повтора. Идея цикличности жизни и сопряженности жизни и смерти — ключевые темы в искусстве Тоомика.
Проект в ММОМА на Гоголевском 10 представит живопись, скульптуры, короткометражные фильмы и видеоработы, созданные в течение последних 20 лет. Тоомик — наиболее известный на международной арт-сцене эстонский художник. Он одновременно живописец, создатель концептуальных инсталляций, видеохудожник, режиссер короткометражных фильмов, перформансист. По словам куратора, именно поэтому произведения выставки сгруппированы не в хронологическом порядке, а выстроены особым инсталляционным образом, в контрасте и в диалоге друг с другом, раскрывая, таким образом, как некоторые темы и мотивы воплощаются у Тоомика в разных художественных форматах — в видео, перформансе, живописи и скульптуре.
Выставку открывает видеоработа «Чайки» (2004), созданная в сотрудничестве с музыкантом-экспериментатором Райнером Янсисом, которая апеллирует к ощущениям, охватывающим человека во время кошмарного сна: страху, беспомощности, физической скованности и в тоже время отчаянному порыву к коммуникации. Именно поэтому эта работа, уже принимавшая в 2011 году участие в в проекте «Невозможное сообщество» (ММОМА), и открывает выставку. Ведь для Тоомика она — еще один «отчаянный порыв к коммуникации».
Многие видеоработы Тоомика — документация его акций и перформансов, которые собственно и были задуманы не столько как сценическое действие, а как предмет для видео документации. Часто они носят личный характер как, например, в одной из самых известных видеоработ «Танцуя с отцом» (2003), где художник танцует на могиле своего рано ушедшего из жизни отца под Джими Хендрикса, стремясь, по словам автора, «преодолев внутренние табу, через танец установить с ним контакт». Поиск коммуникации — один из ведущих мотивов творчества Яана Тоомика. Так, в своей знаковой видеоработе «Отец и сын» (1998 г.), художник обнаженным медитативно ездит на коньках по бескрайнему ледяному полю под аккомпанемент религиозного песнопения в исполнении собственного сына. Образ наготы человека и наготы мира представляет нам бытие в его чистых, универсальных формах. Так, вновь задействуя в своей работе личное, Тоомик переводит его в регистр онтологический.
Важная для художника тема травм — причем не столько коллективных, сколько личных — соседствует у Тоомика со своеобразными освобождающими «ритуалами» и порой доведенными до крайности экспериментами с собственным телом. Проблематике травмы и памяти посвящен и короткометражный игровой фильм художника «Олег» (2010), основанный на реальных событиях из жизни художника. В фильме рассказывается история о неугасающем чувстве вины главного героя, который в 1982 году, будучи рядовым советской армии, узнал о решении своего сослуживца застрелиться, но ничего не сделал, чтобы его остановить. Спустя двадцать пять лет герой приезжает на место службы, отыскивает могилу товарища и разбивает возле нее палатку. Что он будет делать у этой могилы, мы никогда не узнаем.
Выставка «В моем конце — мое начало. В моем начале — мой конец» предоставляет зрителю редкую возможность проследить все этапы творчества Яана Тоомика: от увлечения неоэкспрессионизмом и пост-концептуальной инсталляцией до перформанса и видео-арта, а также наглядно ознакомиться с ключевыми для художника темами жизни и смерти, реальности и сновидений.
Выставки в рамках XI Московской международной фотобиеннале «Мода и стиль в фотографии-2019»
13.02.2018-17.03.2019
ЦВЗ Манеж (Москва)
В рамках XI Московской международной фотобиеннале «Мода и стиль в фотографии-2019», стартующей в конце января, Мультимедиа Арт Музей, Москва представляет выставки таких звезд мировой и отечественной фотографии, как Альберт Уотсон, Альберто Гарсия-Аликс, Андре Кертеш, Стенли Грин, Алекс Прейгер, Аньес Варда Жан Баптист Юин, Франк Орват Витол Красовский, Валери Белен, Михаил Грачев, Игорь Верещагин, Грановский, Юрий Рост, Борис Регистер, Дмитрий Лукьянов Игорь Самолет и др. Всего программа биеннале «Мода и стиль в фотографии 2019» включает около 40 выставок, которые откроются в Мультимедиа Арт Музее, Москва, ЦВЗ Манеж и на других выставочных площадках города.
В 2019 году экспозиции биеннале объединятся вокруг темы «Близкое — далекое». Выставки фотографов позволяют путешествовать во времени и пространстве, знакомя зрителей с визуальными кодами различных культур и субкультур. Прослеживая рельефные нити ландшафтов, трогательные жизненные моменты, пути и вариации человеческих жизней, кураторы создали пуантилистическое полотно множества интерпретаций мира. Каждый фотограф добавляет недостающую деталь в условную карту странствия в поисках духовной и природной красоты.
Контрастные образы, запечатленные на фотоснимках, проведут зрителя по разным мирам, странам, открывая квинтэссенцию эстетической составляющей окружающего пространства. Здесь каждый сможет найти что-то близкое, волнующее, как бы далеко в действительности оно не находилось.
Первые проекты в рамках XI Московской международной биеннале «Мода и стиль в фотографии 2019» открылись 30 января в Мультимедиа Арт Музее. Официальное открытие биеннале состоится 12 февраля в ЦВЗ «Манеж». Выставки в Манеже будут доступны для широкой публики с 13 февраля. Вот они:
Юрий Рост. Люди
Ретроспективная выставка к 80-летию знаменитого фотографа, журналиста, писателя и путешественника, представляющая собой воспоминания человека о своей жизни и жизни других людей.
Дмитрий Лукьянов. Внутреннее путешествие
Результаты психогеографического трипа по России Дмитрия Лукьянова — известного фотографа, участника многочисленных выставок и фестивалей, победителя конкурса «Серебряная камера-2015», обладателя премии «Parmigiani Spirit Award».
Габи Хербштейн. Карнавал Дьяволов
Новый проект известной аргентинской художницы Габи Хербштейн — о народном празднике La Diablada, который ежегодно проводится в провинции Жужуй, на севере Аргентины и длится восемь дней и девять ночей. Этот фестиваль родился в результате причудливого переплетения индейских и испанских культурных традиций, и представляет собой одновременно и карнавал, и религиозную аллегорию.
Пьер Паоло Косс. Glam power
Новый проект итальянского художника — своего рода «глэм-поп-сублимация» пропагандистских элементов тоталитарного режима в Северной Корее.
Этот проект был начат в 1992 году, когда Международный совет по танцу (CID) ЮНЕСКО пригласил Пьер-Паоло Косса принять участие в качестве художника и официального фотографа европейской делегации в Северную Корею в Международной конференции, посвященной хореографическому письму и перформансу, которая проходила в Пхеньяне.
Пьер Паоло Косс. Танец красной звезды
Magnum Photos
11.02.2019-4.03.2019
Фотографы агентства Magnum Photos на протяжении всего проекта Magnum Live Lab/19 исследовали разные уголки столицы, каждый день проходя десятки тысяч метров в поисках нужного ракурса и создавая сотни снимков, которые постепенно заполняли выставочное пространство. Зрители могли наблюдать за каждым этапом творческого процесса и застать проект на различных стадиях готовности — от белых стен с разметкой фотографов до финальных распечатанных снимков. Увидеть итоги работы Magnum Live Lab/19 можно будет c 11 февраля по 4 марта в павильоне «Купол» парка «Зарядье» с 10:00 до 18:00.
Одной из особенностей проекта экспериментальной лаборатории стало то, что фотографам предстояло познакомиться с городом за очень короткий промежуток времени. И восприятие Москвы происходило через восприятие города как театра. Прежде всего, внимание уделялось декорациям — архитектуре Москвы как сюжетам театральных пьес — событиям городской повседневности и действующим лицам — городским типажам, которых мастера выбрали главными героями своих снимков.
ICONS*
*Отображения
15.02.2019-17.03.2019
Московский музей современного искусства и музей Вадима Сидура представляют проект художников Егора Рогалева и Евгении Сусловой Icons. Мультимедийная интерактивная инсталляция предлагает пересмотреть устоявшиеся формы восприятия искусства, музейного пространства и самого посетителя в музее.
Icons Рогалева и Сусловой — своеобразное исследование раскрывающее альтернативные нашему зрению способы взаимодействия с современной реальностью. Пространство экспозиции представляет собой место, где становится возможна особая система связи, возникающая из простейших событий: импульсов и прикосновений, которые способствуют обретению новой формы языка.
Современные когнитивные исследования показывают, что на нейрофизиологическом уровне процессы мышления и ориентирования в пространстве осуществляются схожим образом. Среди прочего, данный факт свидетельствует о биологической обоснованности подходов к реабилитации слепоглухих, разрабатывавшихся в СССР еще с довоенных времен. Наиболее полное выражение эти методики нашли в деятельности Загорского (ныне Сергиево-Посадского) интерната для слепоглухих детей, получившего широкую известность благодаря так называемому «Загорскому эксперименту» — уникальной педагогической программе 1970-х, в ходе которой четверо слепоглухих с детства выпускников интерната поступили в МГУ, успешно получили высшее образование и даже научные степени, доказав тем самым, что отсутствие зрения и слуха не является препятствием к обучению, формированию развитой личности и успешной социализации человека. В конце 1980-х участники эксперимента и воспитанники интерната побывали в мастерской Вадима Сидура и только что созданном музее его творчества.
«Загорский эксперимент», возможно, первый в своем роде, задал одну из главных концептуальных констант самоопределения и развития музея Вадима Сидура. Проект Icons осознанно отсылает к практикам включения людей с нарушениями зрения и слуха, развиваемым в последние годы на этой площадке. Егор Рогалев и Евгения Суслова вновь обращаются к наследию отечественной «культурно-исторической» психологии и дефектологии в контексте исследования режимов восприятия, формируемых новой технологической и информационной реальностью, где актуальный опыт познания все чаще оказывается вытесненным в зоны (как принято считать) когнитивной периферии. Художники ставят вопрос о том, как сегодня возможна работа с фоновыми режимами взаимодействия с действительностью и что происходит с тактильным микроопытом как личным опытом познания и тонкого взаимодействия людей, когда этот опыт становится инструментом идентификации личности.
В рамках предложенной авторами интерпретации метода «совместно-разделенного предметного действия» и благодаря возможности взаимодействия посетителей с элементами инсталляции, все участники выставки образуют некую живую сеть, которая создает и распределяет когнитивные импульсы, воспринимает и воспроизводит знаки, всякий раз, заново собирая собственную внутреннюю структуру.
Лоции
15.02.2019-14.04.2019
14 февраля в галерее «На Шаболовке» Объединения «Выставочные залы Москвы» откроется выставка «Лоции» художника, дизайнера и поэта Евгения Стрелкова. Трёхчастная экспозиция представит книги художника, ленд-арт и медиа-арт-проекты.
Синтез науки и искусства – актуальная тема для галереи и Музея авангарда, находящихся у подножия Шуховской радиобашни. Важна эта тема и для художника Евгения Стрелкова. Он выступает в роли навигатора и натуралиста: метеоролога, энтомолога, систематика, генетика. Предмет его исследования часто необычен для естественных наук: фабричные дымы или портовые краны, рисунок фахверка или силуэты рыбаков. Или необычен метод, с которым художник обращается к классическим объектам науки – берегам рек или ядерным реакциям.
Выставка состоит из трёх слоёв. Верхний – документация ленд-арт-проектов художника, его попыток описать суть места через работу со снегом, деревом, тканью, мелом, угольной пылью и золой. Средний слой – авторские рукодельные и печатные малотиражные книги, связанные с местом и памятью. Тонкий слой – слой медиа: озвученные таблицы и карты, анимационные ролики, препарированная кино- и фотохроника.
Разнообразию форматов соответствует широкий тематический диапазон: от интерпретации народного промысла до визуализации литературной классики, от квазинаучной штудии до настольной игры, от поэтической грёзы до политического памфлета. Всё вместе, – как говорил Хлебников, «сверхповесть... из самостоятельных отрывков, каждый с своим особым богом, особой верой и особым уставом».
Евгений Стрелков (1963) – художник, дизайнер, режиссёр анимации, музейный проектировщик, поэт. Выпускник радиофизического факультета, популяризатор науки, куратор выставок на темы истории медиа и волжского краеведения.
Партнеры проекта: Нижегородская студия «Дирижабль», Политехнический музей, Научно-производственное предприятие «ГИКОМ»
Между мыслями
13.02.2019-10.03.2019
Выставка известного московского художника Михаила Молочникова "Между мыслями" развивает излюбленную автором тему и особый, присущий ему на протяжении многих лет алгоритм взаимодействия с произведением искусства и окружающим миром, где проводником и ретранслятором одного в другое оказывается сам художник.
Новая серия графических листов Михаила Молочникова по своему количеству и принципу экспозиционного показа, более напоминает тотальную графическую инсталляцию.
Автор погружает зрителя в атмосферу особого созерцания, делая акцент на условном, артикулированном автором промежутке «между мыслями», метафорическом пространстве, где возникают многосложные в визуальном «узорочье» рисунки, воспроизводящие развёрнутую панораму живой и очень подвижной органики, очень личностного, наблюдаемого сквозь умозрительный микроскоп космоса.
Вечер классической музыки «АМЕРИКА»
16.02.2019, 19:00
16-го февраля играем американскую музыку. И не только популярных композиторов 20-го века, но и малоизвестных авторов 19-го века. Расскажем о том, почему провалилась опера Гершвина "Порги и Бесс", а "Summer Time" никто не оценил, послушаем Адажио Барбера и узнаем, откуда оно вообще взялось, опишем принцип работы над произведениями Джона Кейджа, а еще познакомимся с творчеством женщины-композитора Эми Бич.
Рассказывает о композиторах и произведениях пианистка и создатель команды Александра Стефанова. Александра разрабатывает программы концертов Школа / Škola Crew. Летом 2018 в МСИ «Гараж» Александра провела авторский курс о классической музыке «Все подряд».
Произведения будут исполнены в сопровождении видеоарта, в том числе от художника waneella. Под этим псевдонимом работает российский художник Валерия Санчилло. Она сотрудничает с такими компаниями, как Viacom (Nikelodeon), WayForward, Союзмультфильм, участвует в крупном фешн-фестивале Premiere Vision Paris, и, как и Вивьен Вествуд, работает в помощь благотворительного фонда War Child. Валерия также является приглашенным артистом крупнейшего токийского пиксель арт-фестиваля Pixel Art Park 5. Билеты тут.
Страна одноразовых вещей
15.02.2019-31.03.3019
С 15 февраля по 31 марта в Музее Москвы пройдет выставка московского художника-графика Ивана Языкова «Страна одноразовых вещей» о проблеме взаимоотношений человека и мира одноразовых вещей. Вместо людей на картинах главные роли играют одноразовые предметы, обретая свое собственное лицо и характер. На выставке зрители впервые смогут увидеть масштабную композицию «Ремонт одноразовых вещей», над которой художник работал с 2014 по 2017г.
Основная цель художника – своими работами обратить внимание на то, как изменялись бытовые привычки и отношение людей к экологии на протяжении поколений. Несколько десятков лет назад, в эпоху тотального дефицита, наши бабушки и дедушки имели в запасе целый арсенал способов сохранения и ремонта вещей. Сегодня жизнь предлагает человеку бесчисленное количество дешевых одноразовых предметов, упрощая, но вместе с тем выхолащивая процесс их использования.
Беречь и ценить – не значит просто аккуратно использовать. Это значит вникать с структуру предметов, уметь разобрать, склеить, отретушировать, а вместе с тем – сделать остановку, сосредоточиться, потратить время, чтобы вернуть предметному миру человеческий, а не штампованно-усредненный облик, а как следствие, вернуть человеческий облик и самим себе. Именно эту идею хотят донести зрителю художник Иван Языков и куратор Евгения Кикодзе.
Центром экспозиции станет премьерный показ картины «Ремонт одноразовых вещей». Над этой композицией размером 1.5 на 2 метра художник работал три года. Также зрители смогут увидеть работы Языкова из серии «ведут» – названных так автором по аналогии с итальянскими картинами XVIII века на городские и бытовые темы. Кроме того, на выставке будет представлен и ряд так называемых микродрам – небольших жанровых иллюстраций.
Бумага. Осознанная бесконечность
14.02.2018-27.02.2019
«Бумага. Осознанная бесконечность», так назвал свою очередную персональную выставку Рафаэль Геворкян. В экспозиции будет представлено около 20 графических работ, выполненных карандашом и пастелью на бумаге. Бумага - один из древнейших и любимых художниками материалов графики. И если работа пастелью - довольно распространена, то карандашом современные художники работают значительно реже. У Рафаэля Геворкяна карандашные композиции неразрывно связаны с общей концепцией его творчества.
Подчиняя белое поле бумаги своему художественному замыслу, художник выбирает начальную точку. Она может быть в любых координатах выбранного формата. Затем, нанося мельчайшие штрихи, художник заполняет весь лист, работая одновременно и над фоном и над фигуративными элементами. Таким образом, он добивается гармонии и целостности, как художественного замысла, так и определенной графической наполненности всего белого листа. Эти отдельные композиционные фигуративные элементы так искусно вплетены в общую композицию, что требуется определенное усилие, чтобы их вычленить и разглядеть. Художник декларирует, что часть и целое являются самодостаточными элементами композиции и в то же время существуют как часть ещё чего-то более целого и бесконечного. «Когда конечность сама по себе ставится под сомнение и открывает себя совсем по-новому, не пугая тебя, а поднимает на новый уровень восприятия. Нет конечности, есть лишь осознанная бесконечность, в которой всякий и всякое имеет своё место и взаимосвязано со всем окружающим по-своему». Эта нерасторжимая связь частного и общего и лежит в основе целостности художественных образов его произведений. Чувствуя бумагу как важную составляющую своих графических листов, художник иногда оставляет белое поле, которое работает столь же выразительно, как карандашные нанесения.
Эстетико-философская подоснова творчества Рафаэля Геворкяна определяет и сюжетный ряд его произведений. Это и мифологические сцены, и религиозные сюжеты, и фантазийные зарисовки. Таковы его графические листы «Вселенная», «Гельвеция», «Сотворение времени», «Поцелуй Иуды», «Омовение Христа», «Троица», «Птица», серия «Времена года». Именно творческий метод и эстетико-философское осознание своего искусства, а также уникальная графическая техника, делают работы Рафаэля Геворкяна столь значительными и уникальными.
Его пастельная серия работ, выделенная в отдельную экспозиционную зону, дает представление о том, как художник работает с плоскостью листа, как он создает композицию и строит пространство, добиваясь этого точно выверенными цветовыми сочетаниями. Минимализм его пастельных серий вмещает в себя целые гармоничные визуальные миры.
Его цветовая палитра носит подчеркнуто индивидуальный характер, а его эмоциональная открытость и прирожденное чувство цвета позволяют ему в этих работах отойти от жанровости, фигуративности и приблизиться к условности.
Работы Рафаэля Геворкяна завораживают, заставляют пристально вглядываться в создаваемые им миры, подчиняться законам их построения и заряжаться их эмоциональным звучанием.
Цифровой Урбанизм
15.02.2019-15.03.2019
Галерея современной фотографии ZERNO (СПб)
Выставка «ЦИФРОВОЙ УРБАНИЗМ» - девять проектов молодых многообещающих авторов, погружающих зрителей в новые пространства привычного окружения – пространства многомиллионных городов. Используя цифровые технологии, Сергей Егоров и Марина Броневич показывают новые грани привычных пейзажей, и заново собирают картину мира. Синергия случайного и неслучайного, разнообразие стилей и … и многое другое будут ждать зрителей с 15 февраля по 15 марта 2019 года.
«Сегодня бесчисленные образы, взывающие к нам с витрин и уличных плакатов, экранов телефонов и ТВ, инсталлируют свою медийную грамматику переживания и проживания реальности. Индивидуальное рассеивается в потоке анонимных взглядов, публичное пространство предстает как сотканное из разномасштабных перспектив, доступных одновременно. Орнаментальный опыт восприятия заново пересобирает весь перцептивный аппарат, понимание механики которого, однако, открыто не каждому. Здесь недостаточно комфортного фланерства в логике Сети, лишь дух эксперимента способен вскрыть изнанку медиареальности.
Для Сергея Егорова и Марины Броневич цифровые медиа и фотография в частности, не просто средство для репрезентации своего бытия в условиях новой действительности, но также инструмент исследования ее структуры, границ и возможностей. Аналитическое препарирование сочетается здесь с чувственными формами художественного познания, что в сумме образует детальную и яркую карту опыта человека эпохи сетей, виртуальных пространств и массивов цифровых данных. Авторам удалось обратить медиум на самого себя, приоткрыть техническое нутро и показать тем самым, из чего собраны наши взгляды.» (Александр Кириллов)
-
