События 17-23 октября
Студия “Новая реальность” (1958–1991). Трансформация сознания
18.10.2016-15.01.2017
Московский музей современного искусства
Студия «Новая реальность» была создана известным художником, преподавателем и мыслителем Элием Белютиным в 1950-е годы. Она стала своего рода, продуктом своей эпохи. В период, когда общество было вдохновлено великой победой над фашизмом, когда крепла вера в то, что экспериментальный строй – это сила и счастливое будущее, когда открывались лагеря, впервые задул свежий ветер оттепели, страна открыла путь в Космос, постигла глубины атома, вокруг Элия Белютина сформировался круг художников, готовых искать новые формы в искусстве и стремящихся к свободе выражения.
Взамен устаревшей концепции Академии Художеств Белютиным была предложена новая парадигма – воспитать художника с развитой способностью эмоционально и раскованно воспринимать окружающий мир и вследствие этого находить и разрабатывать изобразительные средства для выражения своего переживания. Предложить адекватный современности художественный язык, отражающий стремительно меняющуюся духовную жизнь человека, выработать сознательный подход к проблемам современного искусства.
В процессе преподавания, Белютин разработал, а затем и сформулировал теоретические и методические постулаты, которые в итоге оформились в основном его труде «Теории всеобщей контактности». Занятие в студии строилось по определенной схеме. Начало работы всегда предваряло задание, формулировка которого часто бывала весьма неожиданна. Например, он просил изобразить одним цветом все цвета спектра. Или сосновый лес, за которым находится Освенцим, и характером, формой стволов деревьев и цветом передать трагедию. По словам куратора выставки Анны Каргановой: «Белютин предложил своего рода азбуку или метаязык, как способ изображения эмоций. Например, представить грусть не в банальном образе плачущей женщины, а определенным набором символов, который заставит зрителя понять, что это грусть».
Участники студии «Новая реальность» отмечали, что методический и теоретический подход Элия Белютина к организации занятий настолько увлекал их, что они были готовы день и ночь работать, полностью забывая о какой-либо материальной стороне творчества. По словам Ольги Усковой, «Именно возможность самореализации была основным стимулом для участников студии. Они писали картины не ради продажи или желания прославиться. Творчество составляло основу их жизни. Поэтому у этих работ ни с чем несравнимая энергетика».
Время кино
21.10.2016-29.01.2016
В галерее РОСИЗО (павильон №66 «Культура» на ВДНХ) откроется выставка «Время кино». Мультидисциплинарный проект, который проводится в рамках Года российского кино, объединит фильмы «золотого фонда» отечественного кинематографа с произведениями современных российских художников.
Экспозиция включает пять разделов, каждый из которых служит своеобразным эмоциональным портретом той или иной эпохи: «Время энтузиазма», «Время пропаганды», «Время хрупкости / надежд и потерь», «Время без времени» и «Время хаоса и поиска». В каждом разделе на специальных мультимедийных экранах будут демонстрироваться отрывки из самых известных отечественных фильмов, а также их адаптация к современному формату промороликов и трейлеров. Здесь же будут выставлены произведения художников, передающие образную суть времени языком современного искусства.
Структура экспозиции позволит зрителю увидеть ту или иную эпоху одновременно глазами человека, к которому непосредственно обращались создатели фильма в момент выхода на экран, глазами нашего современника, привыкшего к концентрированному языку промороликов и тизеров, и, наконец, «глазами вечности», которой традиционно адресуют свои произведения художники.
Последовательности состояний
21.10.2016-6.11.2016
Вдохновившись исследованием Мартина Гарднера «От мозаик Пенроуза до надежных шифров» и манифестом Барнетта Ньюмана «Плазматический образ», Ксута поставил перед собой ряд пластических задач и предпринял исследование понятий серийности и последовательности в искусстве.
Практика работы со слоями наносимой краски на плоскость картины
натолкнула художника на мысль о последовательности, как методе. Ксута создает серию живописных полиптихов. Он достигает эффекта, концентрируя внимание зрителя на атмосфере картины, которая, в свою очередь, образуется в результате динамики цвета и принципиального отхода от фигуратива, как это манифестировал Ньюман.
Как и в случае с живописью, в аудиовизуальной инсталляции «Хор» художник выстраивает звуковой ряд из гласных звуков русского языка в соответствии с принципом последовательности – в данном случае – серийным принципом музыкальной композиции, разработанным в первой половине XX века Веберном и Шёнбергом. Двенадцать несинхронизированных мониторов воспроизводят в произвольном порядке эти звуки. Нарушенная последовательность звуков оборачивается полифонической музыкой, имеющей строгую структуру и логику.
Рассматривая последовательность не только как философскую, но как социально-поведенческую структуру, Ксута создал «Атлас» – фотографическое полотно, изображающее движение стрижей по небу. Сделав в течение лета серию снимков их полета, художник задается вопросом: обусловлено ли движение птиц каким-либо общим замыслом, или нет? Получившееся в результате произведение — это своеобразный атлас звездного неба, где в качестве звезд выступают птицы.
Современность и традиции
18.10.2016-28.10.2016
Международная общественная ассоциация "Союз дизайнеров"
В последние годы элементы русского стиля все чаще появляется в современном дизайне по всему миру - от модных показов известных модельеров до проектирования и строительства деревянных домов в национальном стиле.
Древнерусские традиции в современном дизайне - это часть научно-практического проекта Российской Академии Художеств, который реализуется с 2014 года на площадке крупнейшего в России уникального археологического памятника «Городище Старая Рязань».
Основная задача проекта - помочь современным дизайнерам погрузиться в мир древней Руси изучить мастерство и знания наших предков, которые передавались из века в век, и по-прежнему на подсознательном уровне близки и легко воспринимаются сегодняшним поколением. Возрождая национальные традиции и транслируя образы через современный дизайн, у нового поколения появляется возможность получить утерянные знания и восстановить связь времен.
Концерт корейских барабанов группы «МЭК»
19.10.2016, 19:30
Центр современного искусства КГФ
В Центре современного искусства при МПГУ состоится концерт группы «МЭК», играющей на традиционных корейских инструментах – барабанах самульнори.
Концерт проходит в рамках культурной программы к выставке «Воплощение в свете» южнокорейской художницы Пюрюме Хонг. У москвичей есть возможность приобщиться не только к южнокорейской живописи в лице художницы Пюрюме Хонг, но и к музыкальной культуре такой далекой и загадочной Южной Кореи.
Группа «МЭК» о себе: «В некоторых городах России, в частности в Москве, Санкт-Петербурге, Волгограде и Владивостоке корейская культура получила развитие не только в виде ценителей дорам и поклонников к-pop, но и в виде ансамблей традиционных корейских ударных инструментов (самульнори).
Самульнори в переводе с корейского языка означает «игра на четырех инструментах». Эта музыка берет свое начало из традиционных выступлений, шаманских ритуалов и военного искусства. В игре присутствуют 4 барабана – два кожанных барабана - чангу и бук - олицетворяют землю, два латунных гонга - чин (большой) и квенгвари (малый) – небо. Таким образом, барабанная музыка самульнори является гармонией неба и земли, а значит и залогом хорошего урожая.
ПОЛИТИЯ/ ΠΟΛΙΤΕΊΑ
17.10.2016 – 10.11.2016
Термин «Полития» в словаре определяется как власть большинства и используется в качестве синонима для понятия «независимая община». Это понятие часто фигурирует в дискуссиях о формах или типологиях политических систем, в особенности когда нужно классифицировать политические системы в их целостности, а не конкретные институции, внутри того или иного общества. Попытка представить эту целостность в виде не материальной скульптуры и является предметом исследования. Важно отметить, проект не ставит целей подвергнуть марксистской, деколониальной или деконструктивистской критике стихийные народные стремления, а скорее выразить симпатию к частному маленькому человеку, который зачастую оказывается центром Вселенной и двигателем истории. Формат подобного исследования не подразумевает и научный анализ всех источников. Автор пытается уловить интонации языка власти. Так же как у Андрея Платонова появляется оригинальный, не имеющий аналогов в русской литературе «первобытный и нескладный язык», так автор трактует стихийное народное формообразование — в местах слома имперских тисков растут ростки и соцветия народовластия в виде коммун и общин.
В центре экспозиции художник представляет шесть скульптурных объектов, выполненных из металлического прута, каждый объект — «каркас флага» республик: Уральской, Дальневосточной, Крымской Народной, Татарской, Сибирской и Северной Ингрии, «собранных» по тому или иному признаку «отдельничества». Большинство республик, к истории которых обращается Александр Морозов, появились в исторический момент смены формаций, в то время, когда революция в обществе совпала с революцией в искусстве. Например, блестящий эстет и поэт Габриэле д’Аннунцио стал настоящим диктатором республики Фиуме (1920): в её конституции обязательное музыкальное образование провозглашалось фундаментом политического строя государства. В то же время, например, в 1920 году поэт Николай Насимович-Чужак провозгласил во Владивостоке государственный футуризм. Он собрал поэтов и художников авангарда, образовавших в 1920 группу «Творчество», и стал издавать одноименный журнал - «журнал культуры, искусства и социального строительства». Обложки этого журнала можно увидеть на выставке так же, как и исторические документы, связанные с пребыванием во Владивостоке Николая Асеева, Сергея Третьякова и отца русского футуризма — Давида Бурлюка. Также на выставке представлены архивные документы, имеющие отношение к Уральской, Сибирской и Дальневосточной республике.
Комментируя инсталляцию, Александр Морозов отмечает: «Эти объекты – отсылают к произведению «Плот „Медузы“» Теодора Жерико. Известно, что во время работы над картиной Жерико слепил фигурки человечков из воска и, располагая их на модели плота, изучал с разных точек зрения, прибегнув к помощи камеры обскура. Так и мы, словно слепленные из воска истории, ждем спасения, ожидая свой Аргус. Однако спасение зависит только от нас. Сама история этих республик — это попытка эскапизма, и мука рождения, трагедия, в которой насилие и кровь символизируют вечную победу империи». Раз за разом побеждает Реставрация. Организм политического строительства оформляется в музей, живой политический процесс агонизирует и костенеет, из живого цветка высыхает в гербарий.
Studio Visit 17.10
17.10.2016, 18:00
17 октября с 18:00 до 22:00 любой желающий может присоединиться к Studio Visit – прогулке по мастерским фабричных художников: Марины Фоменко, Алексея Румянцева, Марины Руденко, Юлии Ждановой, Людмилы Горловой, Александра Баталова, Дмитрия Ляшенко, Анны Руссовой. С каждым из художников будет проведен artist-talk, на котором посетители смогут узнать волнующие художников темы, поговорить об уже реализованных проектах и обсудить актуальные художественные вопросы.
Открытия выставок – это представление результата долгой и кропотливой работы. Посещение мастерских во время работы художника дает более четкое представление о том, как становится возможным показать проект публике, с какими проблемами сталкивается художник во время подготовки проекта и какие тонкости есть у работы в мастерских.
Онгон: Путешествие в Бурятию
21.10.2016 – 10.11.2016
Летом 2016 года Аврам Броди совместно с фотографом и медиа художником Константином Гузь совершили путешествие в самое сердце Сибири – Бурятию, где художники впервые столкнулись с миром народных легенд и таинством шаманской культуры. Результатом этой встречи станет выставка, в рамках которой художники представят видеоинсталляцию, созданную ими по мотивам путешествия, также Аврам покажет серию перформансов, посвященных сакральному опыту общения с духами предков и взаимодействия музыки и человеческой души.
Аврам Броди – молодой британский художник и профессиональный скрипач, использующий свой музыкальный талант для создания перформансов. Используя игру на скрипке, художник создает очень эмоциональные, пронзительные перформативные сцены, цель которых – вступить в диалог со зрителем, не используя привычные средства коммуникации. За последние два года выставки и перформансы Аврама проходили в таких музеях и галереях, как Pace Gallery (Лондон, Великобритания), фестиваль Sziget (Будапешт, Венгрия), Royal Festival Hall (Лондон, Великобритания), фестиваль Moritzburg (Германия), фестиваль Kristupo (Вильнюс, Литва), Gewandhaus (Лейпциг, Германия), Smetana Hall (Прага, Чехия), Frauenkirche (Дрезден, Германия), Haydnsaal (Вена, Австрия), Barbican Centre (Лондон, Великобритания), Galerija Vartai (Вильнюс, Литва) и др.
Самый знаменитый перформанс Аврама «В присутствии скрипача» (Foundation Beyeler, Базель, Швейцария), созданный художником по мотивам перформанса Марины Абрамович «В присутствии художника» (“The Artist is Present”, 2010), был замечен самой художницей, которая пригласила Авраама осуществить его проект и сама стала его куратором. На протяжении шести часов Броди смотрел в глаза случайным посетителям галереи, а затем начинал играть на скрипке, облачая эмоции и чувства людей в звуки, погружаясь в невербальный диалог со зрителем.
Новый проект художника возник после путешествия в Бурятию, где Аврам и Константин исследовали тайну мистического «онгон» - духов прошлого, ушедших предков, поселившихся в тайных уголках дикой природы. Народ Бурятии верит, что шаманы используют силу своих песен и звуки бубна, чтобы путешествовать между мирами живых и мертвых. Устанавливая связь с «онгон», отдавая себя миру духов, шаманы излечивают людей, становятся наставниками своего народа. Шаманы исполняют свои песни на берегах древних озер и рек, где, по их мнению, живут духи далеких предков.
Недоступно для взрослых
22.10.2016-20.11.2016
Четвертая выставка конкурсного проекта «Взлет» рекомендуется для семейного просмотра. Ее идея родилась у молодого архитектора Анны Козловой, когда она наблюдала за посетителями пространства самолета Як-42. Выяснилось, что главные поклонники самолета – дети в возрасте 5-10 лет. Так возникла идея отдать «взрослое пространство» в распоряжение детей. Пол – самая «детская» плоскость, с нее начинается исследование мира. На полу ребенок чувствует себя наиболее комфортно и защищенно. Автор превратила пол в экспозиционную поверхность. Чтобы заинтересовать юных посетителей Анна предложила добавить элемент игры: в пространство выставки интегрированы «секретики», которые нужно найти по специальной карте. Благодаря интерактивной экспозиции ребята смогут узнать интересные факты о природных достопримечательностях России.
По словам куратора проекта архитектора Сергея Чобана: «Создание экспозиции внутри пространства самолета – задача совершенно особая, во многом уникальная. Ведь у каждого из нас есть свои собственные воспоминания, связанные с самолетами, и при этом у каждого, наверно, хотя бы раз возникало ощущение существования в абсолютно обособленном, оторванном от земли капсульном мире, где действуют другие, неземные законы».
Проект Анны Козловой, победивший в серьезной конкуренции с другими претендентами, впечатлил жюри формированием нового способа поведения, движения в предложенных обстоятельствах. Так, например, ограниченная высота пространства была обращена в его преимущества: салон самолета стал игровой площадкой для детей, которые вместе со взрослыми смогут обжить новый познавательный ландшафт, ощутить себя в парящем над землей летательном аппарате – в первую очередь благодаря расположенным среди игровых поверхностей окнам-иллюминаторам, раскрывающим красоту земной поверхности.
Паша 183 – уличный художник? Беседа с куратором Полиной Борисовой
22.10.2016, 18:00
ВДНХ (павильон "Оптика")
В рамках выставки уличных художников #проект64 Полина Борисова, куратор ретроспективной выставки Паши 183 «Наше дело подвиг!», приглашает поговорить о творчестве одного из самых неоднозначных российских уличных художников, чьё имя по-прежнему окружено завесой домыслов и загадок. Полина Борисова: «Паша всегда был настоящим художником с большой буквы, который в силу жизненных обстоятельств работал на улице».
Павел Пухов (1983–2013), работавший под псевдонимом Паша 183, — знаковая для российского уличного искусства фигура. Не ограничиваясь созданием граффити, с которого в 2002 году началась его творческая карьера, в последние годы жизни художник создал ряд монументальных инсталляций с использованием световых и оптических эффектов.
В 2012 году Паша 183 стал известен всему миру благодаря публикациям о его работе в ряде зарубежных изданий, среди которых были The Guardian, The Huffington Post и The Telegraph. В 2014 году в Московском музее современного искусства состоялась ретроспективная выставка художника «Наше дело подвиг!», которая вошла в шорт-лист премии «Инновация».
-
