События 18-31 марта
KOMAR & MELAMID
22.03.2019 - 09.06.2019
ММОМА (Петровка, 25)
Московский музей современного искусства и Международный культурный фонд BREUS Foundation представляют выставку основоположников соц-арта Виталия Комара и Александра Меламида. Проект станет их первой в России ретроспективой. В экспозицию включены работы, созданные художниками после своего объединения в творческий дуэт, который они именуют, по словам куратора выставки Андрея Ерофеева, «персонажем Komar & Melamid». Из них более 20 программных произведений предоставлены фондом BREUS Foundation. Все сделанное авторами до 1972 года, когда возник их союз, и после 2003 года, когда он распался, не входит в рамки выставочного проекта в ММОМА.
«Komar & Melamid» по жанру напоминает сборник цитат — произведений и документов, извлеченных из ключевых и самых известных проектов художников. Например, знаменитая серия соц-арта, давшая жизнь одному из главных направлений российского искусства, показана публике впервые практически во всей полноте именно так, как она была собрана на московской квартирной выставке 1974 года. Часть крупных и многосоставных проектов, среди которых, например, «Выбор народа» (1994-1995 гг.), представляющая любимые и нелюбимые картины разных наций и континентов, показаны на выставке в ММОМА эскизно, ограниченным количеством экспонатов. Сгруппированные по темам, эти фрагменты раскрывают общий смысл творческих усилий Komar & Melamid. Персонаж Komar & Melamid возник в искусстве, чтобы разрушить в СССР монополию соцреализма, в Западном мире — дискредитировать модернизм, и на обломках обеих ветвей искусства ХХ столетия наметить контуры нового интернационального стиля, отличительным свойством которого стала бы эстетическая и философская эклектика. Демонстрация этой программы стала ядром концепции выставки, разработанной Андреем Ерофеевым при участии Иосифа Бакштейна.
Масштабная экспозиция в 16 залов, занимающая весь второй этаж музея на Петровке 25, поделена на два раздела — советский период деятельности художников и американский. Ее выразительный дизайн не случайно наводит зрителя на мысли о театре: «режиссеры экспозиции» Ирина Корина и Илья Вознесенский старались проявить в визуальном окружении произведений те исходные контексты, которые, оставляя в уме, обыгрывали в объектах Komar & Melamid. Инсталляционный подход в показе объектов призван облегчить восприятие современного зрителя, который сегодня, в 2019 году, далек от реалий 1970-80-х годов или не знаком с ними.
Траектория осмотра выставки едина: она помогает зрителю не потеряться в лабиринте залов советского блока, отсылающих к клетушкам коммуналок, «красных уголков» и вещевых рынков Москвы прошлого столетия. Каждому залу соответствует отдельный проект, дополненный с искусствоведческой и философской точек зрения в брошюре-путеводителе. В первых залах раскрываются особенности творческого метода Komar & Melamid — программный эклектизм, установка на «плохое искусство», приверженность коммуникативной эстетике. Далее в экспозиции чередуются проекты, относящиеся к двум главным тематическим блокам всего творчества Komar & Melamid. Это работы с визуальными языками массовой коммуникации, с государственным стилем (серия «Ностальгический соцреализм», 1981-1983 гг.), с одной стороны, с китчем и низовой визуальной культурой, с другой. Игра с образами власти раскрывается как основной принцип соц-арта, а также в его многочисленных трансформациях и вариантах.
Своего рода транзитной зоной между двумя блоками является небольшой зал с работой «Transstate» (1977 г., из коллекции Центра Помпиду, Париж). Он отсылает к периоду ожидания Комаром и Меламидом разрешения на их выезд из СССР и повествует о выдуманном художниками государстве со своей Конституцией, Декларацией независимости и валютой — Транс-Стейт.
Второй тематический блок произведений Komar & Melamid связан с дискредитацией искусства модернизма (проект «Живопись слонов», 1995 г.; «Transstate»), пародированию его стилей, осмеянию порожденных им мифов и культа художника-гения, порождающего шлейф социальных махинаций и мистификаций. В этой критике, дополненной частичной реабилитацией неоакадемизма («Дискобол», 1983 г.; «Девушка перед зеркалом», 1981-1982 гг.), искусства тоталитарных диктатур и возвращением в культурный оборот правого консервативного дискурса относительно искусства, Komar & Melamid стали непосредственными предвестниками и участниками общемирового культурного феномена «постмодернизма».
Заключительным аккордом соц-арта на выставке является последний совместный проект Komar & Melamid «Монументальная пропаганда» (1992 г.), в котором неутомимые борцы с идеологическими памятниками встают на их защиту в атмосфере разгула вандализма, разыгравшегося после распада СССР.
Посещение выставки «Komar & Melamid» станет еще увлекательней для тех посетителей, кто не представляет свою жизнь без музыки. Специально к выставке ММОМА совместно с Яндекс.Музыка разработали и составили плейлист коллективного автора Комара и Меламида. В нем найдутся отсылки как к произведениям и акциям художников, так и к конкретным периодам и эпизодам из их жизни. Послушать плейлист «Komar & Melamid» можно на основной странице Яндекс. Музыка и в приложении.
В рамках серии научно-популярных монографий о современных российских художниках «НОВЫЕ КЛАССИКИ» издательского проекта BREUS Publishing к выставке будет издана монография о творческом дуэте Komar & Melamid, написанная искусствоведом и куратором Кириллом Светляковым. Книгу можно будет приобрести в книжном магазине музея ММОМА ART BOOK SHOP.
Ретроспектива продолжит программу Московского музея современного искусства по проведению выставок ключевых отечественных авторов. В рамках проекта пройдут образовательные мероприятия, экскурсионные туры
JUMBO LOVE© ГЕНРИХ ХУДЯКОВ
22.03.2019 - 19.05.2019
ММОМА (Петровка, 25)
Московский музей современного искусства совместно с Tabakman collection представляют первую в России персональную выставку Генриха Худякова (1930 — 2019) «Jumbo Love© Генрих Худяков». Ретроспектива наполнена разнообразными свидетельствами творчества художника: объектами, авторскими книгами, перформативными практиками, видеоинтервью, документами и фотографиями, созданными им в течение всей жизни. Выставка в ММОМА станет путешествием по маршруту, состоящему из художественных актов, произведений и событий, имеющих ключевое значение в судьбе Генриха Худякова.
Свои творческие эксперименты Генрих Худяков начал еще в СССР, когда в 1959 году, заканчивая филологический факультет Ленинградского университета, он стал теоретически осмыслять свои визуальные поиски в исследованиях словесности. Отрезанные от официальных каналов публикаций, его рукописные и напечатанные на машинке тексты существовали в самиздате за пределами советской печати как уникальные книги, в которых социальный запрет превращался в творческий акт.
В 1974 году художник эмигрирует из СССР в США, где работает в области визуальносмысловой культуры и экспериментальной поэзии, объединяя разные виды искусств. Атмосфера нью-йоркской художественной сцены 70-х годов, главную роль в которой определяли движения East Village, создала естественную почву для дальнейшей эволюции творчества Генриха Худякова. Соединившая в себе битников, перформансистов и рокеров, энергию Флуксуса, открывшая таких знаменитостей как Джефф Кунс, Кит Харинг и Мишель Баския, она стала невероятно близкой художнику.
Постепенно в технологии художника появились «найденные объекты» с улиц Нью-Йорка, которые он использовал при создании пиджаков, рубашек, галстуков, обуви, ставших образными «манифестами» его идеального мира. В работах Генриха Худякова бытовые вещи обретали новую поверхность, кожу, фактуру, созданную из бутылочных крышек, фольги, наклеек, стразов, коктейльных трубочек, губок и мягких игрушек, и превращались в драгоценные артефакты нашего времени, открывая новую подлинность и новое зрение.
Выставка демонстрирует историю жизни поэта и художника, соединяя в единое целое и одновременно снимая различия между такими явлениями, как перформанс и визуально-поэтическая речь, эксперимент и полнота традиции, поп-арт объект и свободная абстракция. Особое место в проекте занимают видеоинтервью и записи чтения Генрихом собственных стихов, в которых реализуется новая форма художественного высказывания — акустический перформанс. Парадоксальная речь Генриха рифмовалась с хриплым голосом Боба Дилана и с манифестами Аллена Гинзберга, призывавшего читать Шелли и Эмили Дикинсон.
Свобода формы, которая является основой мировидения художника, означает для Генриха Худякова, прежде всего, духовную свободу человека, открываемую в созданных им пластических формулах. Эти формулы, приближенные к языку пиктографии, и погруженные в пластический текст, перестают быть изображениями какого-то объекта — они сами становятся объектами, содержащими собственную энергию и собственную волю к творчеству. Сегодня эту поэтическую систему координат можно рассматривать как манифест, драматургию и итог парадоксальной жизни Генриха Худякова.
Избранное
15.03.2019 -31.03.2019
Выставка "Избранное" включает в себя лучшие картины, созданные художником Виолеттой Нечаевой на протяжении многих лет творчества. Это красочная, линейно-ритмическая, эмоциональная живопись на тему дальних стран и экзотических персонажей. Однако в работах художника нет реальности и конкретики, - есть лица, формы, фактуры, пространство, обозначающие различные настроения и вызывающие самые разные эмоции. Каждая линия, каждый мазок проникнуты идущей от внутреннего состояния художника вибрацией.
ПТИЦА - ТРОЙКА И ЕЕ ПАССАЖИРЫ
19.03.3019-18.08.2019
Музей AZ представляет выставку «Птица-тройка и ее пассажиры». Новый проект (а это уже восьмая выставка в доме на 2-й Тверской-Ямской) объединяет графические произведения Анатолия Зверева, офорты классика европейского модернизма Марка Шагала и скульптурный объект одного из ведущих мастеров современности Вадима Космачева.
Творческие поиски столь разных художников ХХ века сходятся в одной точке – в какойто момент источником их вдохновения оказались «Мертвые души» Николая Гоголя. Каждый из них ощутил потребность окунуться в безграничный мир гоголевской поэмы и увидеть в ней образы, созвучные их стилю и времени. В свою очередь куратор проекта Полина Лобачевская в качестве ключа к экспозиции предложила универсальную метафору - пассажиры, мчащиеся на птице-тройке – расширяющую круг произведений и адресующую их зрителям XXI века.
Анатолий Зверев (1931-1986) иллюстрировал Гоголя всю свою жизнь. Музей AZ уже представлял на выставках и публиковал его рисунки к различным гоголевским повестям. К «Мертвым душам» Зверев подступался неоднократно - первые наброски датируются концом 1950-х годов, когда молодой художник буквально ворвался на московскую артсцену, некоторые графические листы, хранящиеся в различных коллекциях, относятся к позднему периоду творчества художника. Обстоятельства не позволили Звереву создать развернутый и законченный цикл. Однако те работы, которые сегодня удалось собрать (кроме коллекции Музея АZ, в проекте представлены произведения из Российского государственного архива литературы искусства (РГАЛИ), а также частных собраний А. Орлова, С. Александрова, И. Кардашиди и др.), говорят об остроумном и оригинальном замысле. Многие из них выставляются впервые.
Не менее интересна и драматична судьба офортов Марка Шагала (1887-1985). В 1923 году Амбруаз Воллар, французский меценат и книгоиздатель, обратился к художнику с предложением создать livre d’artist (особое коллекционное издание) на основе какого-либо литературного произведения. Выбор Шагала пал на произведение Гоголя. В течение двух лет художник создает 96 офортов с изображением персонажей и сцен поэмы «Мертвые души». Тираж с листами художника был набран в 1927 году, но долгое время книга оставалась в забвении. Лишь в 1948 году произведение наконец публикуется другим, не менее известным издателем – Эженом Терьяда - и получает Гран-при на международной биеннале в Венеции. Для выставки «Птица-тройка и ее пассажиры» работы всемирно известного художника предоставил коллекционер Борис Фридман, один из лучших знатоков и собирателей livre d’artist. По признанию Бориса Михайловича, это будет едва ли не первая музейная выставка, на которой офорты Шагала покажут зрителям в столь масштабном объеме вне печатного издания.
Турагентство "Ноумен". Часть I
26.03.2019-10.04.2019
26 марта в пространстве ЦТИ Фабрика открывается выставка "Турагентство “Ноумен“. Глобализация и неведомое". Молодые художники, учащиеся московского Института современного искусства, обращаются к актуальному для наших дней вопросу о роли неизвестного, непознаваемого и невыразимого в процессах становления глобального сетевого общества. Представленные работы – это результаты исследований и наблюдений авторов за неявными и скрытыми аспектами социальной жизни вещей, образов и нарративов. В каждом случае художественный смысл возникает из пересечения или столкновения контекстов. Близкое и далекое, повседневное и запредельное, внутреннее и внешнее, обыденное и фантастическое меняются местами, мерцают и переливаются в сумерках глобальных коммуникаций. Этот непростой исторический момент таит множество возможностей для художника. «На наших глазах появляются и рассеиваются самые разные формы жизни и мысли, обладающие еще не раскрытым художественным потенциалом. Именно они и оказываются в фокусе внимания участниц и участников выставки», - куратор выставки Станислав Шурипа.
Участники: Well Known (Кирилл Стефанов), Александра Киселёва, Александра Кузнецова, Анна Кондратьева, Валентина Макарова, Валерия Мордашова, Группа Pomidor (Полина Егорушкина и Мария Саркисянц) , Дарья Тихомирова, Денис Уранов, Дишон Юлдаш, Евгения Мельникова, Екатерина Ост, Иван Карамнов, Кристина Циан, Марина Федосова, Мария Черткова, Слава Нестеров, Снежана Данис, Эля Хасанова, Эмма Байер.
Выставка открыта до 10 апреля 2019 года в зале "Оливье".
В гостях у Валеры
23.03.2019-14.04.2019
Валера – домашний каучуконосный фикус, которому не чужды модные веяния и любовь к современному искусству. В Cube.Moscow Валера воссоздает свою идеальную комнату, где он окружен живописью, керамикой и другими комнатными растениями.
На стенах - работы Миши Никатина, чья выставка в феврале этого года успешно прошла в галерее @betweenwindows.
В комнате – керамические книги берлинского художника Дэниэля Топка и рвущиеся ввысь вазы Даниила Антропова. Все это в окружении комнатных растений, которые друзья и поклонники Валеры принесли специально на выставку.
Валера приглашает зрителей присесть в кресло iollo, прочесть несколько книг или просто подумать о том, чего вам не хватает в жизни и что для вас счастье. Побыть в спокойствии, полить растения. Любой желающий может узнать о том, как ухаживать за растениями у гуру в этой области Кати Ярмаховой.
Следить за выставкой, ее новостями, и советами от гуру по уходу за растениями можно в инстаграме @atvaleras.
Преодолевая беспечность
19.03.2010-14.05.2019
Abramova Gallery (СПб)
С 19 марта по 14 мая в пространстве Abramova Gallery в центре дизайна Artplay на Красногвардейской площади пройдет персональная выставка Андрея Ноды «Преодолевая беспечность». На ней будет представлено более 30 работ одного из самых известных художников Казахстана.
Живопись Андрея Ноды, собранная на выставке под названием «Преодолевая беспечность» — это воплощение осознанного отношения к впечатлениям от жизни. Полотна художника преподносят неуловимые полутона эмоциональных состояний, которые обычно оказываются незамеченными в ежедневной рутине.
В обаятельных пейзажах и портретах Нода концентрируется на переживаниях, на которые человека провоцирует сама жизнь: беззаботная расслабленность знойным днем, возбуждение от желанной встречи, творческая решительность или упоение меланхолией.
Эта живопись рождается из умения ограждать себя от внешней суеты и нырять в мир своих настроений и жизненных впечатлений. Студия Ноды находится в отдалении от города: у подножия гор в ущелье Талгар, в часе езды от Алма-Аты. Художник работает в окружении природы, и суматоха мегаполиса обходит его стороной.
Я тебя тоже не узнал
23.03.2019-14.04.2019
Выставка «Я тебя тоже не узнал» Валерия Чтака и Кирилла Кто от галереи Syntax - это диалог двух часто сопоставляемых, но совершенно не сопоставимых художников одного поколения. В контексте проекта художники выстраивают диалог или некий нарратив о принципиальной невозможности диалога, Валерий Чтак – с помощью зашифрованных иронических посланий на разных языках, Кирилл Кто – подкупающими искренностью парадоксальными высказываниями. Экспозиция объединит произведения различных жанров и техник, большинство из которых будет сделано непосредственно на месте. Выставку можно рассмотреть как взаимодействие двух различных практик: уличного искусства, вторгающегося на территорию традиционной художественной экспозиции, и современной живописи, мимикрирующей под уличные стратегии.
Природа вещей
22.03.2019-21.04.2019
ММОМА (Гоголевский бульвар, 10)
Московский музей современного искусства и Школа современного искусства «Свободные мастерские» представляют персональный проект Дарьи Неретиной «Природа вещей». Выставка проходит в рамках программы поддержки молодого искусства MMOMA .
Исследуя природу возникновения растительной жизни, Дарья Неретина проводит собственную лабораторную работу, в которой последовательно воссоздает все ботанические стадии — от семени до зрелого плода. Для автора подобный процесс оказывается точной и емкой метафорой собственно творчества: от идеи к воплощению, в котором художник сравнивается с алхимиком в лаборатории.
В стремлении запечатлеть течение естественной истории, человечество с давних времен прибегало к разного рода её воспроизведениям: от многочисленных энциклопедий, графических альбомов и до детальных справочников. Наибольшее распространение среди них получил жанр «ботанической иллюстрации» — досконально точное изображение растений, к которому обращается Дарья Неретина, даже несмотря на то, что современные технологии позволяют детально рассмотреть мельчайший живой организм.
Проект в ММОМА является тотальной инсталляцией и сочетает в себе различные техники: скульптурные объекты из фарфора, основного медиума, с которым работает автор, графику и реди-мейды, созданные в период с 2015 по 2019 годы. Часть объектов состоят из природных материалов, таких как грунт, гербарий, бумага и дерево.
Что дано
21.03.2019-24.05.2019
Пионер русского видеоарта, Дмитрий Булныгин, представит проект «Что дано», который сформировался благодаря двум сериям работ – коллажной «Вспомнить всё» и скульптурной «Термитрики-2». «Вспомнить всё» возникла благодаря коллекции старых советских обоев, которые автор использовал в своих видеоработах. Называя обои «отчуждённым материалом», Булныгин при помощи коллажа воспроизводит в работах образы, навеянные собственными воспоминаниями.
«Так, мотив с парижскими бездомными возник из ежедневного созерцания лежащих на мостовых тел, ремейки гобеленов связаны с посещением музея Клюни, а азиатские пещеры и контуры Будд, видимо, – воспоминания о путешествиях».
Присутствие на выставке двух работ из серии «Терминитки-2» не случайно. Шелуху семечек, из которых были созданы новые объекты, автор так же интерпретирует как «антиэстетический» материал.
«Семечки – меланхоличный досуг миллионов, гобеленами которым служила грубая бумага обоев с однообразными узорами. В данном сочетании "Термитники-2" – памятники эпохе коллективного бессознательного».
Санация Вероники
21.03.2019-24.05.2019
Вероника Актанова представит свой проект «Санация Вероники», состоящий из работ серий – «ЖУКИ» и «Ковры». Художница трактует проекты «ЖУКИ» и «Ковры» как два типа взаимодействия с реальным миром: принятие данности установленных правил, либо противодействие им.
«А ещё надо контактировать с людьми или закрыться дома, искать работу или не искать, встраиваться в систему или не встраиваться, делать или забить».
ЖУКИ для художницы это своего рода пассивное принятие жизни, бездействие.
«ЖУКИ - это про беспомощность, зацикленность, растерянность. Все жуки находятся у меня в комнате, как баги в голове (интерьер картинок - это моя комната). Они ёрзают там, где мало воздуха, спариваются, плодятся, а выбраться не могут».
«Ковры» Актанова противопоставляет «ЖУКАМ», как аналог сопротивления сложившейся системе, её разрушение. Таким образом разбитый узор Ковров олицетворяет, по концепции автора, собой сломанную систему.
«Когда ты знаешь правила игры и либо играешь по этим правилам и двигаешься вперед, либо нарушаешь их, чтобы вскрыть систему, обыграть, разбить её узор. Ковры - это то, что могли бы сделать жуки, но не сделали».
FOM
21.03.2019-24.05.2019
Девятилетний Лёва Бородулин (р. 2009) – самый молодой художник с персональной выставкой за всю историю музея АРТ4. Но в этом случае возраст не является критерием в выборе художника. Свобода в линиях, присущая детям, превращается у него не в наивную бессмысленную картинку, а в довольно уверенное высказывание о существовании своего мира, где у каждой линии есть смысл. В процессе рисования Лева в моменте придумывает историю, рассказывая ее в потоке мысли, в которой есть взрослая логическая последовательность. Таким образом получилась серия «FOM». FOM - это выдуманный фирменный знак Лёвы, присутствующий почти во всех рисунках. В некоторым смысле FOM – это название его фантазийного мира, некоей корпорации мутантов, монстров.
Shot List
- что сделано, то не сделано -
27.03.2019-27.05.2019
Идеальный кадр представляется как невозможный, несостоявшийся – по той или иной причине. Именно этот не-удавшийся кадр оказывается в фокусе внимания куратора и в центре рефлексий о нулевом произведении искусства, о разрушении изображения и различных формах бытия отображенной действительности.
Не-удавшийся кадр на экспозиции замещается текстом от лица автора. Фотограф «рассказывает кадр» - описывает то, что не сумел запечатлеть фотоаппарат. Так формируется особое видение и особая образность, скользящие между разными способами репродукции реальности.
куратор: Денис Мустафин
участники: Алена Агаджикова, Елена Аносова, Умида Ахмедова, Артур Бондарь, Людмила Зинченко, Валерий Нистратов, Павел Смертин, Мария Турченкова, Артем Чернов, Сергей Шахиджанян, Оксана Юшко, Григорий Ярошенко
Три путешествия
19.03.2019-3.04.2019
Всякий нормальный отечественный художник – если только он не совсем уж «глубинный» землепашец – стремится ощутить собственную причастность к европейской художественной цивилизации. Только число последователей Поля Сезанна в России, более или менее равномерно распределившихся по всему ХХ столетию на несколько преемственных творческих поколений, заметно превзошло количество представителей этого же «вероисповедания» во Франции и сопредельных ей странах. А ведь там были еще Матисс, Боннар; Пикассо… Брак, наконец (в хорошем смысле) – и все они не остались незамеченными для российских живописцев и рисовальщиков. К тому же, через реки, горы и долины из солнечной Армении российских художников приветствовал Мартирос Сарьян со товарищи, также подливая масла в их живописный огонь.
Всему виной солнце – в общем, не такое уж частое в наших снежных краях. Как это и описано в неплохо известном стихотворении Саши Черного «Желтый дом»: «Восемь месяцев зима, вместо фиников – морошка. Холод, слизь, дожди и тьма – так и тянет из окошка». В таких обстоятельствах каждый действует по-своему. Один, игнорируя бурый пейзаж за окном, механически высветляет палитру и обращается к умозрительной гармонии усиливающих друг друга, положенных рядом дополнительных цветов солнечного же спектра: желтый – синий, красный – зеленый. Другой - срывается в путешествие «ветру и солнцу навстречу» за реальными колористическими впечатлениями. Второй путь все-таки ближе московскому ныне художнику Алексею Ланцеву, экспоненту очередной выставки столичной галереи «Роза Азора». Некогда выпускник художественного училища на юге страны, в Краснодаре (1986), за годы сначала учебы, а позднее – самостоятельного творческого бытования в столице Алексей так и не утратил «южных корней» своей живописи. Тема его нынешнего весеннего показа – движение российского художника к преодолению границ европейского юга.
О предыдущем выступлении в этих же стенах, выставке «Рыба ждет», напоминают сюжеты с рыбаками в Нормандии: сейнеры после трудовой вахты да корабли, отражающиеся в умиротворенных прибрежных водах Пемполя – коммуны в Бретани, с XV столетия славящейся массовым выловом трески. Уходя с каждым разом все дальше от родных берегов, здешние рыбаки осваивали прибрежные воды Исландии и острова Ньюфаундленд. Географические названия – «двадцать пятый кадр» очередной выставки Алексея: слыша или читая на этикетках все эти «Перрос-Гирек», «Уаза», «Набережная Конти», если не достоверно припоминаешь, то как бы во сне узнаешь приметы нездешней – а значит, чужой и счастливой – жизни. Вот, например, скромные и всеобъемлющие названия его работ: «Толедо», «Окрестности Жироны», «Коста Брава»… Что называется, «Андалусия знала, и Валенсия знала», стихи Николая Асеева такие, цитата. «Органон, Гибралтар…» Последний – как раз рядом с Андалусией; описал другой литератор. Его строка «Над седой равниной моря…» - тоже, в общем-то, в тему выставки «передвижника» Ланцева.
Или вот еще Турция. Стамбул: торговая улочка, университетский квартал, мечети и минареты. «Бриллиантовая рука» вспоминается. Между прочим, Турция – не только мечта туриста из России (в целом), но и вдохновение для художника – Алексея Ланцева, в конкретном случае. И тут снова солнце – даже в тени извилистой торговой улочки… Особая тема – портреты; их не было на предыдущей выставке Алексея. А тут – есть. Ланцев рассказывает, что обращение во время его недавних путешествий по Франции, Турции и Испании к еще одному традиционному жанру помогало ему в работе, давая основания сместить фокус панорамного зрения на детали, связанные с тем или иным конкретным персонажем. Это не жанр парадного или просто постановочного портрета: модели Ланцева живут своей жизнью, не позируя художнику и даже, чаще всего, не подозревая о его присутствии где-то рядом. Книга в руках, прическа, рисунок губ – все может стать поводом для того, чтобы дорисовать и домыслить недостающие элементы образа. Дорисовать – и снова обратиться к пейзажу. Мадрид, Компьень, Этрета…
Сергей Сафонов
Евгения Буравлева. Егор Плотников. Живопись. Скульптура
С 22.03.2019
Новая серия живописных холстов и скульптур Егора Плотникова посвящена ландшафтам острова Менорка. Аскетичный безлюдный пейзаж пустырей, холмов, обочин дорог, прибрежной полосы - любимые темы художника.
Серия работ Евгении Буравлевой посвящена свету. Свет и истина связаны друг с другом. Свет, как и истина, может быть ослепляющим, превращаться в белое пятно ничего, если человек не может или не готов воспринять. В этот момент все останавливается, свет замер пустотой, пространство исчезло в белом облаке. И только время-наблюдатель мерно отсчитывает свой ход, давая человеку возможность во всем разобраться.
ПРОЧЬ ИЗ-ПОД ЗЕМЛИ, ЗВОН ИЗ ОБЛАКА
27.03.2019-21.04.2019
Московский музей современного искусства и Музей Вадима Сидура представляют выставку Алексея Таруца «ПРОЧЬ ИЗ-ПОД ЗЕМЛИ, ЗВОН ИЗ ОБЛАКА». В своем новом проекте автор работает с понятиями дистанции, присутствия и события, отказываясь от производства работ и выступая в роли мета-куратора. Таким образом, в пространстве выставки соединяются современные
художники, исторические фигуры, природные материалы, приметы прошлого и футурологические научные сценарии, что позволяет зрителю обнаружить себя в смещенных культурно-исторических шкалах.
Одна из ключевых идей выставки—создание условий для возникновения новых смысловых связей и коллабораций между художниками. Экспозиция включает в себя пейзажную живопись из собрания ММОМА, реконструкцию утраченной довоенной скульптуры неандертальца Вадима Сидура «Охотник на мамонта», настоящий метеорит и образец вулканической лавы, а также объекты из силикона, отсылающие к образу «серой слизи», в которую превратится материя после ее переработки нано-роботами. Кроме того, в рамках выставки представлена совместная работа Александры Сухаревой и Алексея Таруца. В данной работе Сухарева выступает в качестве медиатора групповых ментальных событий, проходящих в известном ландшафтном парке в центре Москвы, помещая слушателя в ситуацию удаленного присутствия.
Особым значением, по мнению Алексея Таруца, наделен упомянутый выше персонаж неандертальца. В рамках проекта он выполняет сразу две роли—образа, существующего лишь в музеях, и тем самым запредельно отдаленного от нашего восприятия действительности. И биологического вида, максимально приближенного к современному человеку, о чем свидетельствуют вкрапления неандертальской ДНК в геноме человека. Таким образом, будучи на первый взгляд дистанцированы от множества прошедших событий и исторических связей, мы одновременно остаемся в состоянии постоянного присутствия.
Помимо проблематизации понятия «присутствия», художник работает с институциональным контекстом Московского музея современного искусства, задействуя как помещение музея Сидура, так и другие площадки ММОМА.
Экспозиция выставки будет доступна посетителям в Музее Вадима Сидура, Новогиреевская 37А.
Фрагменты экспозиции «ПРОЧЬ ИЗ-ПОД ЗЕМЛИ, ЗВОН ИЗ ОБЛАКА» представлены на других площадках ММОМА: Петровка, 25, Гоголевский, 10, Ермолаевский, 17.
Театр Мейерхольда. Императорская сцена
27.03.2019-22.04.2019
Санкт-Петербургская государственная Театральная библиотека
С 27 марта по 22 апреля 2019 года в Санкт-Петербургской государственной Театральной библиотеке пройдет выставка «Театр Мейерхольда. Императорская сцена», приуроченная к 145-летию со дня рождения Всеволода Эмильевича Мейерхольда.
Всеволод Мейерхольд (1874–1940), урожденный Карл Казимир Теодор Мейергольд, – режиссер, актер, педагог, театральный деятель, один из реформаторов театра ХХ века. Он познал огромную прижизненную славу – и принял мученический конец. Театр XX столетия немыслим без Мейерхольда и многим ему обязан.
В 1908 году по приглашению В. Теляковского Мейерхольд стал режиссером Санкт-Петербургских Императорских театров – Александринского и Мариинского. Здесь он проработал до 1917 года. За это время на сцене Александринского театра были поставлены спектакли по произведениям К. Гамсуна, Э. Хардта, Ж.-Б. Мольера, П. Кльдерона, А. Островского, М. Лермонтова и других писателей. В Мариинском театре шли оперы Р. Вагнера, М. Мусоргского, К.-В. Глюка, Р. Штрауса, А. Даргомыжского и балет М. Глинки.
Деятельности режиссера в Императорских театрах посвящена выставка «Театр Мейерхольда. Императорская сцена». На ней представлены эскизы костюмов, бутафории, мебели, париков и грима, выполненные А. Шервашидзе и А. Головиным к драматическим спектаклям «Шут Тантрис» Э. Хардта, «Дон Жуан» Ж.-Б. Мольера, «Стойкий принц» П. Кальдерона, «Маскарад» М. Лермонтова, к операм «Тристан и Изольда» Р. Вагнера, «Орфей и Эвридика» К.-В. Глюка, «Электра» Р. Штрауса, «Каменный гость» А. Даргомыжского и к балету «Арагонская хота» М. Глинки.
Дополняют экспозицию эскизы костюмов, созданные художником Д. Стеллецким к неосуществленному спектаклю «Царь Федор Иоаннович» по пьесе А. К. Толстого.
На выставке также демонстрируются фрагменты статей о назначении Мейерхольда на должность режиссера «казенной труппы» и рецензий на спектакли из периодических изданий 1907–1917 годов.
СЕМЕН ФАЙБИСОВИЧ. РЕТРОСПЕКТИВА
27.03.2019-27.04.2019
Третьяковская галерея открывает выставку произведений Семена Файбисовича, одного из ярких представителей искусства эпохи застоя, перестройки и постсоветского времени. Ретроспективная экспозиция позволяет лучше понять эволюцию мастера и определить его место и роль в развитии российского художественного процесса. Творчество Семена Файбисовича не укладывается в рамки ни одного из направлений отечественного искусства последней четверти XX – начала XXI века. Его нельзя назвать представителем концептуализма, соц-арта и даже фотореализма, хотя на первый взгляд эти связи кажутся очевидными. Сочетание сознательной непроявленности индивидуального живописного стиля, первичная визуальная «неузнаваемость» и одновременно неповторимость смысловых комбинаций, которая сразу указывает на автора, – главная особенность его творческого метода.
-----
-
