События 22 апреля - 5 мая. Длинный предпраздничный дайджест
HE PROCESS. New Academy
24.04.2019-19.05.2019
ЦСИ Винзавод (Цех белого)
С 24 апреля по 19 мая на Винзаводе в Цехе Белого пройдёт мультимедийная выставка студентов и преподавателей мастерской Айдан Салаховой и Сергея Оссовского «THE PROCESS. New Academy». Проект реализовывается при участии Московского государственного академического художественного института имени В.И. Сурикова, Фонда поддержки современного искусства Винзавод и продюсерского агентства BOKOVFACTORY. Генеральный партнер выставки - фонд поддержки молодого российского искусства Untitled Foundation. Стратегическим партнером проекта выступил профессор МГАХИ им. В.И. Сурикова, архитектор, академик Российской Академии Художеств Сергей Оссовский.
Выставка приурочена к 15-летию знаменитой мастерской. В экспозиции будут представлены дипломные произведения выпускников (среди которых Глеб Скубачевский, Фёдор Петрик, Наталья Гудович), учебные композиции и эскизы к будущим дипломам действующих студентов, а также работы мастеров: Айдан Салаховой, Сергея Оссовского и основоположника «Салаховской школы» Таира Салахова. Понять главные принципы работы мастерской и почувствовать атмосферу, в которой создаются работы ее учеников, помогут кадры видеохроники учебного процесса.
В рамках выставки запланирована также образовательная программа: public talk художника Айдан Салаховой, Софьи Троценко и продюсера Алексея Бокова, мастер-класс Сергея Оссовского и Валерия Улымова, круглый стол о художественном образовании с участием Ирины Романовской и Дмитрия Гайкова, а также открытое занятие по рисунку модели с натуры и копийной практике от студентов мастерской.
THE PROCESS. New Academy – это демонстрация того, каким образом художественная школа создаёт мост между историческими традициями и новым поколением молодых художников, признавая богатство и значимость прошлого и принимая новизну и инновации настоящего.
В случае с «Салаховской школой» мост поколений берет своё начало в преподавательской практике великого советского и российского мастера Таира Салахова, вице-президента Российской академии художеств, который преподавал в МГАХИ им. В.И. Сурикова начиная с 1960-х. В 2002 году собственную мастерскую в МГАХИ открывают его ученики – Айдан Салахова и Сергей Оссовский. Ее приоритетами становятся психологическая и контекстуальная идентичность и ценность каждого студента, которую преподаватели помогают сформулировать и преподнести в соответствии с актуальной ситуацией, при этом сохраняя любовь и внимание к традиции классического рисования.
За годы работы у мастерской сложились тесные связи с институциями и организациями, поддерживающими и развивающими молодое современное искусство. Одна из них – ЦСИ Винзавод, где в течение десяти лет находилась Aidan Studio – активно помогает и в организации этой выставки.
Поддержка молодых художников – часть миссии Винзавода с момента основания в 2007 году. Несколько поколений художников сформировалось благодаря Центру современного искусства Винзавод, галереям на его территории, проектам Винзавода и одноименному Фонду. Для Фонда поддержки современного искусства Винзавод было всегда принципиальным и актуальным сотрудничество с начинающими кураторами, критиками, художниками и всеми участниками арт-системы.
Айдан галерея на Винзаводе была ключевым резидентом и партнером во всех инициативах центра. Закономерным итогом многолетнего сотрудничества стала выставка The Process, представляющая десятилетие студии Айдан. Именно на Винзаводе Айдан поменяла галерейный формат на студийный, и привела первых студентов своей мастерской МГАХИ им. В.И. Сурикова. Винзавод продолжил начинание Айдан и запустил в рамках нового стратегического направления Новые имена в 2018 году проект Открытые студии – мастерские на конкурсной основе для начинающих художников.
Открытые студии Винзавода совмещают формат мастерской и образовательной практики, предоставляя художественной арт-сцене уникальный формат, совмещение нескольких практик на базе инфраструктуры центра.
Юбилей мастерской Айдан Салаховой для Фонда поддержки современного искусства Винзавод не просто цифра. Выставка The Process на Винзаводе не про итоги, а про движение вместе к одной цели – к устойчивости и институализации российского современного искусства.
НОВОЕ РУССКОЕ. Искусство на рубеже 80-х – 90-х годов ХХ века
24.04.2019-12.05.2019
Выставка «Новое русское. Искусство на рубеже 80-х – 90-х годов ХХ века» – ретроспектива крайне важного для российского искусства периода, зрители смогут увидеть работы, большинство из которых были найдены в зарубежных собраниях и аукционных домах. Они составят «паззл» уникального времени. В экспозицию войдут работы из частных собраний Екатерины и Владимира Семенихиных, Елены Куприной-Ляхович и Максима Ляховича, Паруйра Давтяна, семьи Путниковых и других коллекционеров.
Куратор выставки – художник и коллекционер Марина Руденко.
Стиль Оттепели
24.04.2019-9.06.2019
Московский музей современного искусства при поддержке Посольства Италии в Москве и Итальянского института культуры представляет ретроспективную выставку Михаила Кулакова (1933–2015) «Стиль Оттепели». В экспозицию включены произведения из Мастерской Михаила Кулакова в Италии, Государственного Русского музея, Третьяковской галереи, а также из личных собраний коллекционеров Санкт-Петербурга и Москвы. Проект «Стиль Оттепели» является продолжением программы Московского музея современного искусства по осуществлению крупных международных выставок ключевых отечественных авторов. Выставка в ММОМА — результат плодотворного культурного сотрудничества между Россией и Италией. Генеральный партнер проекта — крупнейшая страховая компания Италии The Generali Group.
Яркий художник своего времени, Кулаков в своей практике наиболее полно представил процессы, которые происходили в отечественном искусстве в период открытости и свободы в середине 50-60-х годов ХХ века. Кулаков одним из первых выставил радикальную абстракцию на типичных для того времени квартирных выставках. За нее он подвергся жесткой критике в прессе, опасность ареста побудила его скрыться в Ленинграде, а позже — в Италии, где он провел половину жизни и скончался в 2015 году в возрасте 82 лет.
В московский период Кулаков одним из первых уловил идейные флюиды «Оттепели» и нашел характерные для нее визуальные эквиваленты. Творческий порыв, витальность, интуитивизм, культ случайности и импровизации, существование в разрыве с прошлым — все эти темы были пережиты Кулаковым. В его работах черты культуры данного времени столь наглядны, что сегодня с исторической дистанции они кажутся эталоном стиля оттепельного десятилетия.
«Стиль Оттепели» — масштабная ретроспектива Михаила Кулакова, условно поделенная куратором выставки Андреем Ерофеевым на два раздела — период увлечения художника абстракцией и символизмом. Проект в ММОМА на Гоголевском бульваре представит более 140 работ Кулакова и произведений других российских авторов. В своих живописных работах Михаил Кулаков объединил две тенденции, характерные для культуры «Оттепели».
В некотором смысле я становлюсь ими, а они становятся мной
25.04.2019-16.05.2019
С 25 апреля по 16 июня Государственная Третьяковская галерея совместно с галереей «Триумф» при поддержке Посольства Государства Израиль в Российской Федерации и Израильского культурного центра «Натив» представляют персональную выставку Хаима Сокола «В некотором смысле я становлюсь ими, а они становятся мной», посвященную памяти жертв Холокоста и борцов с нацизмом. Закончив Еврейский университет в Иерусалиме и Институт проблем современного искусства в Москве, художник широко заявил о себе на российской арт-сцене, благодаря чему неоднократно был номинирован на премию «Инновация» и премию Кандинского.
День Катастрофы и героизма европейского еврейства отмечается в Государстве Израиль ежегодно 27 нисана по еврейскому календарю (в этом году – 2 мая). В этот день по всей стране проходят траурные церемонии о 6 миллионах погибших евреев в годы Второй мировой войны и о героизме сопротивления.
В рамках проекта «В некотором смысле я становлюсь ими, а они становятся мной» будет представлена новая серия крупноформатных работ на ткани, а также монументальные инсталляции «Птица» и «Секрет», созданные Соколом специально для выставки. Экспозицию дополнит видеоряд, созданный на основе серии гуашевой графики.
В своем творчестве Хаим Сокол исследует вопросы личной и коллективной памяти и механизмов ее передачи. В новом проекте он обращается к более конкретной теме травматической памяти, связанной прежде всего, но не исключительно, с событиями Второй мировой войны и Холокостом. Художник задается вопросами: может ли память жертвы быть универсальной? Как помнить то, что естественным образом хочется забыть и что нам делать с этой памятью?
Поэтическая трансформация, превращение – одно из ключевых понятий проекта, выступает одновременно как форма избавления и способ передачи непосредственного ощущения травмы на расстоянии и через поколения путем «проживания» трагедии через себя. В своих работах художник балансирует между кафкианским кошмаром насильственного превращения в насекомое и свободной мутацией как формой освобождения. Итогом этой трансформации становится восстание угнетенных, некогда низведенных до животного состояния.
В свете сказанного интересно отметить масштабную работу «Свиток» с изображенным на ней шествием вереницы темных, похожих на тени безличных персонажей, призванных передать не конкретный образ или событие, а лишь его атмосферу. Эти изображенные группы людей могут быть связаны с самыми разными страницами истории: восстанием иудеев в древнем Риме, восстанием в Варшавском гетто или ужасающими акциями нацистов на территории Польши – все это части констелляции, собранной на небосводе истории.
Хаим Сокол: «Как можно говорить про жертву так, чтобы это не было демонстрацией кошмара, о котором более или менее все имеют представление, с одной стороны, а с другой – не было холодным высоколобым предъявлением истории? Для меня это скорее представление себя этими людьми или попытка позволить им стать мной».
Это не лето
24.04.2019-12.05.2019
На выставке представлены работы из серий «Русская равнина» Галины Ерещук и «Вторичный бульон» Вячеслава Ерещука, которые призваны обогатить друг друга не сколько сюжетно ( на уровне буквального синопсиса или более сложного нарратива ), сколько пластически и эстетически взаимодействуя друг с другом. Посредством этого предпринята попытка создать почти кинематографический саспенс: кажущаяся бессюжетность постепенно обретает смысл. Лирический рассказ сменяется тревожностью, которая подпитывается вдруг возникающими в экспозиции персонажами, героями иллюстраций к несуществующим произведениям. Но их формальная литературность, тем не менее, не позволяет зрителю распознать ту сложную гамму чувств, что ими движет. Они навечно застыли за секунду до чего-то необратимого. Мы словно погружаемся в атмосферу межсезонья, и, более того, безвременья. Мы пробираемся к ним через дебри черно-белого леса, и раскручиваем до максимума ресурсы своей апофении, всматриваясь во флюоресцирующие псевдоабстракции...
Сохраняя культуру. Музей Рерихов на ВДНХ
С 27.04.2019
ВДНХ, павильон № 13
Государственный музей Востока открывает масштабную экспозицию «Сохраняя культуру. Музей Рерихов на ВДНХ». Будет экспонировано более 400 произведений, представляющих весь спектр художественного творчества Николая и Святослава Рерихов. В экспозицию войдут живописные полотна Рерихов, произведения восточной скульптуры, тибетские иконы (танки), собранные Николаем Рерихом в период научно-художественной экспедиции в Индию и Центральную Азию, которую художник предпринял в середине 1920-х годов. Открывается экспозиция в Москве, на Выставке достижений народного хозяйства, в павильоне № 13, который был отреставрирован для Музея Востока и впервые откроет свои двери для публики.
Сохранение культуры – главный завет, который семья Рерихов оставила человечеству. Уже на ранних этапах творчества Николай Рерих, путешествуя по России, создавал не только живописные работы, но и выдвинул идею сохранения древностей и памятников зодчества. Эта идея со временем претворилась в международный документ «Пакт Рериха» о защите культурных ценностей во время войн и вооруженных конфликтов. В 1935 году его подписали главы 21 государства Северной и Южной Америк, а в 1954-м документ лег в основу Гаагской конвенции.
Живопись Николая Рериха, представленная в экспозиции, охватывает 45 лет его творческой жизни. Красной нитью проходит тема Древней Руси. Кисти художника принадлежат известные полотна: «Строят ладьи», «Идолы», «Книга голубиная», «Земля Славянская», «Ярослав Мудрый», «Святогор» и так называемая «архитектурная серия» (41 этюд). Серия относится к раннему периоду и дает представление о русском зодчестве. В экспозиции представлены знаменитые шедевры, среди них – «Ангел последний», «Чудо», «Армагеддон», а также множество работ из серии «Гималаи».
Сын Николая Рериха, Святослав Рерих, в своем творчестве обратился к Востоку, он жил и работал в Индии. Его живопись посвящена быту индийской деревни; жанровые сценки наполнены глубоким философским звучанием. Гималайские пейзажи взывают к вечной жизни и красоте. Экспонируются картины: «Весна», «Мы тоже ищем», «Канченджанга», «Священная флейта», «Молчание». Одним из самых ярких дарований Святослава Рериха является портретное искусство, оно представлено портретами отца, известной киноактрисы Девики Рани Рерих (жены художника), индийских знаменитостей, политических деятелей и святых подвижников. Огромный интерес вызывают редко выставляемые полотна на евангельские сюжеты: «Как в старые времена», «Добрый самаритянин», «Христос с учениками», «Пиета».
Кухня
25.04.2019-19.05..2019
Кухня — главное место в доме. Здесь едят и пьют, выпивают и закусывают. Здесь место для своих — собирается семья, сидят друзья. Официальных гостей принимают в столовой.
На кухне говорят. Мы помним советские кухни, которые были и политическими клубами, и литературными салонами, и концертными залами.
Ещё кухня — это лаборатория. Здесь готовят. Здесь огонь и вода, ножи, молотки, тёрки и ступки. Здесь разрезают, дробят, мелют, ошпаривают. Маленький ад с горячими сковородками и маленький рай с кисельными берегами.
Дизайн кухни продумывают тщательнее, чем любого другого места в доме. Вымеряют сантиметры, вычерчивают схемы, изучают прототипы и аналоги. Средневековая французская кухня с очагом-островом, модернистская кухня франкфуртской школы со встроенной мебелью, пять квадратных метров в хрущёвке «всемером ютимся на стуле».
И ещё кухня — это «как сделано». Наброски, заготовки, размышления. Процесс, который бывает важней результата.
Марина Колдобская
ЖИВЯ ЗДЕСЬ, ТЫ БЫЛ БЫ ДОМА
26.04.2019-23.05.2019
Галерея «Триумф» совместно с Фондом Рии Кебурия представляет одиннадцатою выставку в рамках проекта EXTENSION: «EXTENSION.GE: Живя здесь, ты был бы дома». Десять современных художников из Грузии — принадлежащих к разным поколениям, работающих с разными медиа и исследующих разные темы — опираясь на общий интерес к национальному наследию и культурной памяти, объединились в рамках совместной выставки, продолжающую серию EXTENSION, миссия которой заключается в более близком знакомстве российской публики с художественными традициями разных стран мира.
Участники:
Тато Ахалкацишвили
Ута Бекая
Тамара Квеситадзе
Лука Лазар
Леван Миндиашвили
Даро Сулакаури
Русудан Хизанишвили
Леван Челидзе
Нино Чубинишвили
Гиоргий Чхеидзе
Кураторы:
Дарья Кравчук
Рия Кебурия
Грузия всегда находилась на своеобразном международном перепутье от существования в качестве приграничной территории Российской Империи вплоть до нынешнего положения страны в роли туристического центра. Но даже сквозь многие годы миграционных процессов, смен государственных режимов, экономической нестабильности Грузия успешно пронесла и сохранила свое национальное наследие, избежав распространенной судьбы «плавильного котла» и смешения разных культур. Глубина и богатство национальной культуры явным образом прослеживается в работах современных художников Грузии, которые, несмотря на то, что работают в самых разных городах по всему миру, продолжают исследовать глубинные связи с национальной и культурной памятью.
Такой интерес к наследию объединяет всех художников новой выставки проекта EXTENSION. Среди участников представлены разные творческие пути: от художников, изначально выбравших путь художественного поиска, до нетривиальных молодых художников, пришедших в мир искусства из медицины или права. Экспозиция беспрецедентна по своему диапазону. В части картин, например, глубокие, задумчивые холсты, такие как «Молитва» Левана Челидзе, чередуются с сюрреалистическими акриловыми работами Русудан Кхизанишвили и гипнотическими «Перемещающимися кадрами» Луки Лазара. Также представлена скульптура и инсталляция: чарующая и самобытная работа «Никогда не спрашивай меня, что я делаю на крыше дома» автора Тато Алкхалкатишвили. А также инсталляция «5-ая комната» Нино Чубинишвили (Чубика), в которой запечатлен момент многомерных мечтательных взаимоотношений в абстрактной среде.
На EXTENSION.GE будут представлены работы ряда грузинских художниц, которые знаменуют собой движение к равноправию в еще одной сфере жизни, где традиционно доминировали мужчины: например, Даро Сулакаури, чьи фотографии грузинского быта могут и глубоко тронуть, и удивить. Отдельного упоминания заслуживает художник Леван Миндиашвили, чья инсталляция, созданная в смешанной технике, дала название выставке. Художник использует строительные материалы и современные элементы освещения, но результат при этом напоминает традиционные грузинские настенные гобелены.
Инсталляция Уты Бекайя «Здесь - так далеко» была создана в резиденции Риа Кебурия. Тотальная инсталляция была вдохновлена воспоминаниями Бекайи о начале 80-х годов, когда его семья должна была отправиться на летние каникулы в пещеры на Новом Афоне в Абхазии - месте празднования природы, которое в дальнейшем было связано с противоречивым историческим развитием нашей цивилизации. Картины Русудан Кхизанишвили также были созданы и в резиденции Риа Кебурия.
Левее левизны: грузинский авангард в книге
24.04.2019-30.06.2019
Проект посвящен книжному авангарду Тбилиси 1920-1930-х годов. Его цель – осветить региональный феномен раннесоветского грузинского книжного дизайна и показать, что, несмотря на малую изученность, он являлся одним из самых узнаваемых национальных авангардных течений того времени.
Шрифтовой дизайн, идеи дадаизма и конструктивизма, споры об идеологической принадлежности Нико Пиросмани, дистанционное участие Родченко и Маяковского – всё это проявляется через книжную культуру республики и позволяет взглянуть на Тбилиси как на один из важных центров раннесоветского искусства.
Название выставки отсылает нас к спору между грузинскими художниками и писателями о том, кто «левее» и ближе к идеям конструктивизма – ЛЕФ или Пролетарские писатели. Формулировка «левее левизны» прозвучала в книге Лео Эсакиа с критикой грузинской версии журнала ЛЕФ.
На выставке будет представлено более ста книг на грузинском языке, а также плакаты и графика. Большинство предметов коллекции будут экспонироваться впервые.
Время, вперед!
1.05.2019-23.05.2019
30 апреля открывается пятый проект HSE ART Gallery — выставка «Время, вперед». Нейронное караоке, шейминг-симулятор, цифровые цветы, музыка из космоса – новая выставка представит интерактивные проекты студентов Школы дизайна НИУ ВШЭ, иронично рассматривающие сценарии будущего, далекого от утопии. Утрата исторической памяти, коллективный паралич воли, размывание общечеловеческих ценностей и технологии-суррогаты, которые постараются возместить нам все, что мы потеряем на пути прогресса, – таким видят себе будущее участники выставки. Выставка состоит из инсталляций с использованием VR и AR технологий, анимации, игр, аудиоинсталляций и графики.
Собранные на выставке проекты предлагают взглянуть на мир, к которому мы приближаемся. Марта Амбарцумян создала прототип устройства, которое помогает ненавязчиво транслировать ваше настроение окружающим, частично избавляя их от необходимости эмпатии и сопереживания. Проект Shortcut Екатерины Чумаченко — это лабиринт, который наглядно демонстрирует, как много мы упускаем из вида, пользуясь быстрыми способами перемещений в пространстве. Шейминг-симулятор Екатерины Балакиной позволит примерить на себя роль человека, подвергающегося стигматизации за несоответствие общепринятым нормам. Мария Шуванова задается вопросами различия естественного и искусственного и нашего к нему отношения.
Преодоление искусства
1.05.2019-23.06.2019
ММОМА (Гоголевский бульвар, 10)
Московский музей современного искусства при поддержке Французского института при Посольстве Франции представит выставку «Преодоление искусства», вторую часть проекта, посвященного переосмыслению событий Мая 1968 г. в Париже. Первая часть проекта «Запрещено запрещать», акцент которой был сделан на социальном и культурном аспекте парижских событий, проходила в Образовательном центре ММОМА с 12 декабря 2018 г. по 24 марта 2019 г. Вторая часть выставки продолжит основную тему проекта, но захватит более широкий период, начиная с 1950-х годов, и расскажет о связи политики и искусства.
На выставке будут представлены афиши 1968 года, журналы и издания, ставшие знаковыми для современного искусства, такие как легендарные ROBO и Opus International, интерактивные инсталляции Хулио Ле Парка и Ивараля, а также работы художников, никогда ранее не выставлявшихся в России: Жерара Фроманже, Исидора Изу, Жиля Вольмана, Даниеля Бюрена.
Название выставки «Преодоление искусства» отсылает к одному из пяти слоганов Ги Дебора, представленных в виде пяти холстов на выставке в 1963 году в Дании, где вместо изображения представлен текст. Спустя пять лет граффити с этими директивами появились на стенах Парижа. К этому моменту уже были выпущены и трактат Рауля Ванейгема «Об умении жить для молодых поколений» и «Общество спектакля» Ги Дебора. Главной идеей документов этой эпохи стало соединение искусства и политики на всех стадиях развития. Именно в эти годы художники начинают выходить на улицы, а Жерар Фроманже, один из основателей знаменитого «Народного ателье афиш», выдувает свое «Дыхание» из красного пластика альтюгласа и выходит вместе с ним на улицы и площади Парижа. За эти скульптуры он и его сообщники — режиссер Жан-Люк Годар и актер Пьер Клеманти — были задержаны. На выставке в ММОМА можно будет увидеть легендарные красные сферы Фроманже, а также фотодокументацию демонстраций с их участием в 1968 году.
Желание «преодолеть» искусство, подвергнуть радикальной критике все привычные его характеристики возникает гораздо раньше, еще в леттризме Исидора Изу. Леттристы считали необходимым деконструировать искусство и язык в его простейшей форме: буквы, символы и звуки. Среди работ, представленных в ММОМА, иллюстрации эротического романа Изу «Посвящение в высшее сладострастие», а также гиперграфические картины написанные не только обычными буквами и словами, но и при помощи разнообразных символов, комиксов, рисунков.
Значительная часть выставки посвящена ключевой фигуре леттристского движения Жилю Вольману. Здесь представлен самый известный пример леттристского киноманифеста «Антиконцепт» (1951), звуковая дорожка которого состоит исключительно из фонетической поэзии Вольмана. Затем следуют произведения в стиле «скотч-арт», а также работы, связанные с «разделением», которое придумал Вольман в 1977 году. В поисках простоты («чем проще, тем прекраснее», — говорил он), он делил объекты на две части.
Все способы выражения в 1960-е гг. бросали вызов традиционным представлениям об искусстве. Так, французский художник-концептуалист Даниель Бюрен считал, что произведения искусства могут существовать лишь в определенном контексте и обязательно с учетом места, где они будут демонстрироваться. Основной пластической составляющей его творчества являются чередующиесся белые и цветные полоски равной ширины. За эту необычную творческую стратегию поклонники прозвали француза «любителем полосок». Фотографии его экспериментов с пространством и оптической иллюзией также будут представлены на выставке.
И, наконец, искусство не только выходит на улицы, но и приглашает зрителей к действию, как в интерактивных объектах движения GRAV, Хулио Ле Парка, Ивараля и других художников. На выставке представлены объекты, вынесенные художниками на улицы Парижа 19 апреля 1966 г. Среди них знаменитая инсталляция Хулио Ле Парка «Нестабильный пол», где зрителю предстоит пройти по ряду подвижных блоков и попытаться достать надувной резиновый шар, свисающий с потолка. Участники движения GRAV считали, что единичный художник больше не эффективен, они были нацелены на коллективную активность во взаимодействии с публикой и ставили своей целью воздействовать на ее поведение, например, через использование интерактивных инсталляций.
Время пить чай/It`s Always Tea-Time
27.04.2019-16.06.2019
Выставка была подготовлена в 2015 году к 150-летию выхода в свет книги Льюиса Кэрролла «Алиса в стране чудес».
Основной сюжет выставки – сцена чаепития, которую каждый автор интерпретирует по-своему. Все работы были созданы художниками специально для этой выставки, которая экспонировалась в Эстонии, Латвии, Финляндии, Польше, Германии, Венгрии и Великобритании.
Куратор проекта Вийве Ноор (Эстония) объединила художников из разных стран. Среди авторов – ведущие иллюстраторы, широко известные в своих странах и за их пределами, а также художники, которые до сих пор не занимались иллюстрацией, но представляли свое государство на крупнейших международных выставках (Венецианская биеннале, Таллинская триеннале иллюстрации).
В экспозиции представлены графика и иллюстрация, авторская кукла, арт-объекты. Участники проекта – более 80 авторов из 19 стран мира.
Между красным и чёрным
30.04.2019-20.05.2019
Музей петербургского авангарда (СПб)
30 апреля 2019 года в 16.00 в Музее петербургского авангарда (ул. проф. Попова, 10) открывается выставка работ Александра Носова «Между красным и черным». Экспозиция представляет избранные живописные работы художника, созданные в период с 1990-х годов по настоящее время.
Творчество Александра Носова лежит в русле традиций русского авангарда, школ М. В. Матюшина и К. С. Малевича, воспринятых от В. В. Стерлигова, в круг учеников которого художник входил в 1960-1970-е годы.
Искусствовед Ирина Карасик о творчестве художника: «В искусстве Александра Носова — иная тональность мировосприятия. Его темпераментной пластической речи не чужды патетические интонации. Густота пространства, испытывающего непонятное давление, искривляющегося под напором непреодолимого движения, стремительные перепады планов, разрывы живописной материи, наращивающиеся объемы, мощные аккорды цвета… Энергия живописного состояния многих образов Носова такова, что они кажутся пластической метафорой страсти. Жизнь природы предстает у него как вечная драма рождения, мучительный процесс обретения формы. Ему важны полнота природного самоосуществления, наглядность созидающего усилия. Не случайно излюбленный мотив художника — горы. Символ разрешившегося напряжения, предел оформленности, результат, хранящий память о пути к вершине».
Александр Кириллович Носов родился в 1947 г. в Ленинграде. В 1975 г. окончил отделение керамики и стекла Ленинградского высшего художественно-промышленного училища им. В. И. Мухиной. С 1991 г. член Союз художников России, с 1992 г. — Международной федерации художников (IFA). Участник многочисленных персональных и групповых выставок. Живет и работает в Санкт-Петербурге.
И тени детства схлынут…
27.04.2019-16.06.2019
«И тени детства схлынут в поцелуях», - эту фразу из стихотворения Б. Пастернака куратор и автор многих российских и международных проектов Виталий Пацюков использует как образ прощания с детством и одновременно возвращения в него как в точку отсчета будущего.
На выставке рассматривается присутствие куратора, переживающего свое детство с одной стороны, и, рефлексирующего на рождение взрослых форм художественного сознания, с другой. Экспозиция располагается в пограничной зоне между жизнью куратора и тем искусством, которое определило его творческую эволюцию.
В этой интегральной модели равноценно сосуществуют живопись, графика, фотография, видео, книги, связанные с личностью куратора, с его взрослением.
-
