События 26 сентября - 2 октября
Геометрия истории
27.09.16 - 17.10.16
Выставка "Геометрия истории", организованная при поддержке Швейцарского Совета по Культуре "Про Гельвеция" и программы "Swiss made in Russia", объединила трех современных художников из Швейцарии, России и Италии. На Фабрике Петер Эршманн (Берн), Дмитрий Булныгин (Москва) и Сильвия Хелл (Милан) представят мультимедийные работы, раскрывающие темы коллективной и личной памяти.
В видео-коллажах медиа художника Петера Эршманна задокументирован его опыт соприкосновения с окружающей средой. Вырванные из контекста персонажи видео существуют вне заданной структуры, постоянно находясь в процессе создания своей индивидуальной геометрии, имеющей место лишь здесь и сейчас. Обреченные вечно скитаться в колесе из циклично повторяющихся событий, делая шаг вперед и снова назад, герои работ художника не оставляют попытку вырваться из замкнутого круга.
В работе "Вспомнить все", созданной при помощи технологии видео-мэппинга, художник Дмитрий Булныгин обращается к советским реалиям. Особый символический маркер - обои на стене, знакомые каждому рожденному в СССР, олицетворяют попытку избавиться от груза прошлого. Это диагноз обществу, застрявшему вне времени. Разрушая привычную форму в видеоработе, художник расчленяет навязчивые мотивы на составные части, но тщетно: форма успешно адаптируется к новой геометрической конфигурации и продолжает быть частью нашей жизни.
Молодая художница из Италии Сильвия Хелл апеллирует к точным историческим данным: взяв за основу размер территории европейских госудаств, она трансформирует привычное восприятие информации. Абстрактные факты обретают новый смысл и форму - они представлены на выставке видеоработами и серией стальных скульптур - до совершенства точных геометрических конструкций.
Пульт управления
27.09.16 - 21.10.16
Проект «Пульт управления» художницы Анны Руссовой был осуществлен в рамках обновленной программы ЦТИ Фабрика – «Фабричные мастерские. Сессия III». На этот раз к участию в конкурсе приглашались художники 1968 – 1980 гг. рождения, то есть те, кто формально уже вышел из возраста «молодого художника» и входит в категорию, называемую по-английски «mid-career artists». В рамках третьей сессии был организован экспертный совет, а также объявлена новая номинация - «Выставка на Фабрике». «Пульт управления» Анны Руссовой стал одним из проектов-победителей конкурса, которые реализуются в пространствах ЦТИ на протяжении 2016 года.
Куратор проекта Александра Данилова отмечает: «В работах художницы забавные куклы и игрушечные механизмы в духе концепции «homo ludens» Йохана Хёйзинга превращаются в повод для размышления о самых актуальных проблемах современной истории, политики, культуры. Пульт управления является одной из самых важных мифологем власти, созданных минувшим столетием. Его вид, мог варьироваться, но смысл всегда оставался неизменен.
С первого взгляда пятиметровая керамическая приборная панель с разноцветными тумблерами, регуляторами, рычажками, индикаторами, датчиками и кнопками, где на каждой кнопке нанесено изображение какого-нибудь продукта питания: клубника, сыр, мясо, яблоки – выглядит подобно гигантской детской игрушке. Тем не менее, в этой работе, как и во многих детских сказках, есть вполне недетский смысл. Войны политические в последние два года сменились войнами продуктовыми: заложниками геополитических интересов стали польские яблоки и греческие маслины, итальянские сыры и литовское молоко, объявленные персонами non grata. Как в известной детской сказке «за решеткой» вновь оказались редиска и лук, тыква и картошка».
Художники / Ассистенты. Студия Роберта Лонго (1983—2016)
1.10.2016-16.10.2016
За последние 10 лет в современной западной арт-системе ассистент художника вновь стал занимать особое место — в некоторых студиях порой трудятся до пятидесяти человек. Выставка «Художники / Ассистенты» объединит работы 25-ти начинающих нью-йоркских художников, которые в течение последних 15 лет работают или работали в студии Роберта Лонго, известного американского художника и скульптора. Творческий путь самого Лонго является главной исторической отсылкой проекта.
В 1977 году после окончания колледжа города Буффало 24-летний Лонго переезжает в Нью-Йорк, где работает ассистентом Вито Аккончи и Денниса Оппенгейма. В том же году он принимает участие в судьбоносной для его карьеры выставке «Pictures» в пространстве Artists Space в Нью-Йорке. Работа «Американский солдат» («The American Soldier», 1977), которую Лонго покажет на этой выставке, станет основой для создания его главной и высоко оцененной критиками серии «Люди в городах» («Men in the Cities», 1979—1983).
Более 35-ти работ в разных техниках и стилях — от работ на бумаге, живописи, фотографий до скульптур и звуковых инсталляций — познакомят московскую аудиторию с искусством нового поколения американских художников. Рассматривая в качестве примера одну группу художников, связанных между собой работой в студии Лонго, проект также стремится раскрыть альтернативное «родословное древо», одновременно исследуя индивидуальный стиль каждого из участников.
В выставку «Художники / Ассистенты» войдет работа самого Лонгo «Этюд для Маленького Лица» («Study for Little Face», 2003) из серии «Монстры» («Monsters», 2000 — наст. время), выполненная в традиционной для художника технике крупноформатного рисунка углем на бумаге. Большинство участников выставки помогали Лонго в работе над этой серией.
Воплощение в свете
27.09.2016-31.10.2016
Центр современного искусства КГФ
Пюрюме Хонг – современная южнокорейская художница, работающая в стиле монохромной графики.
В достаточно юном возрасте Хонг осознала, что хочет посвятить свою жизнь искусству. Начав свое обучение в Национальном Университете Шунгнама, художница продолжила его в Национальном Университете Тайваня, где бережно хранятся по сей день традиции китайской живописи. Во время обучения у Пюрюме Хонг начал складываться свой собственный стиль. Она продолжает развивать его и по сегодняшний день. Хонг работает с традиционными для Китая материалами: рисовой бумагой, каллиграфическими кистями и щетками, тушью.
В своих монохромных работах Пюрюме Хонг стремится не столько изобразить природу, сколько понять ее сущность. Для китайской живописи, в русле которой работает художница, характерно трепетное отношение к линиям и штрихам. Китайская живопись замыкает на линии форму и содержание объекта, а многообразие этих линий позволяет прочувствовать живописность природы. Китайская живопись насыщенна, она стремится замкнуть мир на отдельном его фрагменте. Дать зрителю возможность прикоснуться к гармонии и красоте, этим всеобщим принципам мироздания, через взгляд на отдельный кусочек этого бескрайнего мира – такова основная интенция китайской живописи. Именно здесь Пюрюме Хонг отходит от традиции, в которой она была воспитана. В живописи художницы не найти штриховки, четких контуров и строгих линий. Художница предпочитает работать в технике растушевки. Размытые границы предметов, использование множества тонов, наложение краски друг на друга тонкими мазками – основные черты авторского почерка художницы.
Такой метод работы позволяет Хонг сделать художественные образы более легкими, невесомыми, похожими на дымку или туман. Объекты дематериализуются, оставляя следы своего присутствия в виде нечетких контуров, теней и света. Именно после дематериализации предметов для Пюрюме начинается их истинное существование. Существование в свете. Пюрюме Хонг действительно старается уловить сущность мира. И сущность эту она видит в свете. «И сказал Бог: да будет свет. И стал свет». Свет – первое, что сотворил Господь согласно Библии. Свет – это то, что дает существование миру. Недаром художница назвала несколько десятков своих работ «Рождением света». Не стоит удивляться отсылкам к Библии, когда речь идет о художнице из Южной Кореи: Пюрюме исповедует протестантизм.
Поняв, что Пюрюме Хонг старается уловить в своих картинах свет, необремененный сопровождающими его формой и цветом, изменяющими его поток предметами, монохромные работы художницы уже никогда не покажутся мрачными.
Форма незримого
29.09.2016-30.10.2016
Выставка «Форма незримого» – это исследование художественного ландшафта Перми. Существует ли новая пермская идентичность и особенный пермский стиль? Каждый из участников выставки отвечает на этот вопрос, рассказывая свою историю.
Все художники выставки родились и выросли в Перми. Впоследствии многие из них разъехались по миру: от Петербурга до Берлина. Сегодня у них абсолютно разная реальность, но все они продолжают нести в себе долю пермской идентичности. Обращаясь к локальной традиции и одновременно находясь в настоящем, каждый из участников проекта «Форма незримого» нащупывает пульс, формат и вектор пермской идентичности.
Повествовательная линия выставки задумана как прогулка по пермской земле, где идиллические пейзажи полей и озер соседствуют с разрушенными бетонными конструкциями и брошенной ржавой техникой. Художник, заняв свой наблюдательный пост, становится мощным отражением действительности.
Зеркальные «глаза» Петра Стабровского, в которых зритель видит собственное лицо, или скворечники Славы Нестерова, внутри которых живут почти оруэловские персонажи, демонстрируют разные техники наблюдения: за ландшафтом, за зрителем, за самим собой. Ритуальное капище коми-пермяка в исполнении Димы Жукова, тема огненного тотема у Алекса Этевута перечеркивают настоящее, отбрасывают на десять столетий назад – ко времени существования племенного государства Пермь Великая. Видео с татуированными детьми Анастасии Улановой или анимация с ожившими скрепками Елены Слобцевой погружают нас в мир архетипичных страхов и предчувствий, десятки ртов, безостановочно повторяющих мантру «Я боюсь» Инги Вьюговой, материализуют подсознательное – объединяющий ужас. Но этот надрыв не лишен лиричности.
Только бумага. Нина Котел
29.09.2016-23.10.2016
Работы Нины Котёл рождаются из увлечения предметом. Героем повествования может стать подушка или зеркало, пачка макарон или бумажный кораблик, бельевая прищепка или яичная скорлупа. Ее волнует «хороший, интересный предмет», который становится объектом наблюдения, обнаруживающим способность передвигаться, расти, исчезать,
вступать в отношения с другими. Искусство Котёл отличает не только удивительная способность замечать необыкновенное в простых вещах, и не только умение превратить созерцание в драматическое действие, где моноспектакли сменяются многофигурными постановками, но и жесткое отношение к «общей панораме» событий. Безжалостные границы бумаги помогают ей отправлять персонажей в изгнание, обрезать их разбухшие тела, позволяют демонстрировать лишь фрагмент «вползающего» в пространство предмета.
Отобранные в кадры формы разворачиваются в неожиданных ракурсах и планах, подчеркивая витальную энергию их обладателей. Художника Котёл интересует не «мертвая натура», а «последние времена» героев, не случайно в представленных на выставке сериях объединяющим элементом становится живой красный цвет.
Ирина Горлова, искусствовед
НИКИТА АЛЕКСЕЕВ / POP (BUBBLES AND LYRICS)
24.09.2016-10.10.2016
На пластинке Лу Рида и Джона Кейла "Songs for Drella", посвященной Энди Уорхолу, в песне "Hello It's Me", цитируется заголовок газетной статьи, появившейся после смерти этого художника: "Pop Goes Pop-Artist" (приблизительно это можно перевести "Лопнул поп-художник"). На самом деле, статья называлась еще лучше: "Pop Goes Pope of Pop", то есть "Пиздец папе попа".
Я уверен, что Уорхол -- один из интереснейших художников прошлого столетия, и его значение выходит далеко за пределы поп-арта, да и поп-культуры в целом. Он очень глубокий, даже мистический художник.
Впрочем, поп-культура была для меня всегда чужой вселенной, но вот поп-музыка, ее интегральная часть, в молодости была мне необходима. Я вырос в ней. Сейчас я ее слушаю очень редко, однако, ближе к старости, часто вспоминаю. Эти песни как пузыри всплывают в моем сознании. Конечно, для серии "Pop (Bubbles and Lyrics)" я мог бы сделать работы по поводу каких-то других песен, но так вышло, что сделал эти. Являются ли они иллюстрациями к знаменитым хитам? Ни в коем случае. Это именно воспоминания о давно минувших днях и ночах.
Но и это, по сути, не имеет значения. Это только вербальная радужная оболочка пузырей. Куда важнее сами пузыри и зрительное, даже оптическое переживание, возникающее от смотрения на них.
Просто разноцветные пузыри, плавающие в разноцветном пространстве. Они лопаются. Их нет.
Никита Алексеев
Ночь любви к искусству
30.09.2016, 18:00-00:00
30 сентября музей современного искусства Эрарта отмечает 6 лет с момента открытия. День рождения музей встретит со своими самыми верными друзьями – обладателями Годовых абонементов*. На большой праздник соберутся те, кто любит современное искусство: сотрудники музея и его постоянные гости. Для остальных посетителей 30 сентября Эрарта будет закрыта с 16:00.
«Ночь любви к искусству в Эрарте» начнется в 18:00 и продлится до полуночи. Гостей ждет насыщенная программа. Одним из ключевых моментов праздника, среди многочисленных арт-аттракционов и аукционов, будет общение с теми, кто каждый день работает над проектом Эрарта.
Гости смогут:
- Познакомиться с сотрудниками музея, задать им любые вопросы и рассказать о своих предложениях на специально организованной площадке, где будут представлены все отделы музея;
- Послушать музыку и потанцевать на Эрарта Сцене под веселые песни группы «2ВА самолета» и каверы любимых песен;
- Насладиться современным джазом в исполнении мастеров из группы Волков Трио в особенной атмосфере среди объектов современного искусства;
- Проголосовать за любимую работу из коллекции Эрарты;
- Присоединиться к интереснейшим экскурсиям по выставке Себастио Сальгадо;
- Создать собственный Инстаграм-тур по музею;
- Стать частью театральных перформансов от солнечного Упсала-Цирка;
- Принять участие в аукционах с продажей принтов российских современных художников.
В этот вечер для гостей будут открыты Музейное крыло и все временные выставки: три этажа фотографий великолепного Себастио Сальгадо и экспозиция легенды отечественной фотографии Юрия Абрамочкина, зал пейзажей алтайского художника Дениса Октября, выставка независимых белорусских художников и целый этаж современного искусства Урала.
День музыки
1.10.2016, 18:00-20:00
В День Музыки объединение "Выставочные залы Москвы" подготовило уникальный проект - "Кружатся диски". Это серия мастер-классов для начинающих по сведению треков (мастерству ди-джеинга) при помощи различных программных продуктов и оборудования.
У нас в программе: элементарные основы физики звука и базовая терминология в музыки, музыкальные жанры и драматургия сэта, аудио форматы, носители и приборы для воспроизведения, микшерный пульт, практика виртуального и живого микширования, а также PR и карьерное продвижение, порталы, источники, интернет магазины для легального приобретения музыки и объяснение их приоритета над пиратским способом получения композиций.
Ведущий мастер-класса - Operationist (Александр Коринец). Он является профессиональным диджеем, выступающим на таких площадках, как клуб "Родня", клуб "Конструктор", бар "Редакция" участник фестиваля "Wake Weekend", летних концертов Ornament в Time out bar.
Участие в мастер-классе бесплатно.
От сохи. Роман Багров
27.09.2016-8.10.2016
В своих работах я пытаюсь повторять приёмы и идеи старых русских мастеров уровня Венецианов — Сорока и иже с ними. То есть живопись, которая менее всего ориентировалась на европейские ценности. Там, где я живу, нет таких материалов, как здесь. Там вокруг меня одни сплошные пигменты. Поэтому приходится использовать не те краски, которые тебе предлагают со стороны, а делать их самому. В этом случае технологию можно варьировать. В результате картины при своей визуальной простоте получаются технологически сложными. В материале всегда должно присутствовать какое-то археологическое начало. На нём существует определённое историческое и эстетическое наслоение. Он пропитан особой энергетикой. При работе со старым материалом, он сам подсказывает решения и ведёт себя иначе, чем краска, изготовленная недавно. К тому же, многие из этих предметов были обречены и таким образом они получили вторую жизнь. Так происходит художественное музеефицирование. Однако, для создания композиций я специально ничего не собираю. Мне больше нравятся методы Пита Мондриана — чистый холст и чистая линия. Но я постоянно визуально спотыкаюсь о вещи, которые меня окружают. Творчество для меня — это метод ухода от социума. Оно находится на грани реальности и нереальности. Когда вещь вмещает в себя два начала — реальное и нереальное, она становится произведением искусства.
Роман Багров
Медленное действие
30.09.2016-31.01.2017
Инь Сючжэнь, современная художница из Пекина, станет автором третьей инсталляции в рамках программы Garage Atrium Commissions. Двенадцатиметровая архитектурная конструкция, внутри которой смогут перемещаться зрители, будет выполнена в форме лекарственной пилюли. Оболочка капсулы будет сшита вручную из более чем двухсот квадратных метров бывшей в употреблении одежды красного и белого цветов, часть которой пожертвовали москвичи. Это произведение Инь Сючжэнь станет крупнейшим в серии архитектурных форм, когда-либо ею созданных.
Конструкция выполнена по образцу пилюли из реально существующей лекарственной системы slow release. Суть этой новой технологии заключается в увеличении времени поступления лечебного вещества в организм с целью улучшения терапевтического эффекта. Однако в инсталляции Инь Сючжэнь роль «замедляющего» и целительного средства играет сшитая из одежды оболочка, внутри которой оказываются зрители. Художница моделирует ситуацию, в которой сила исцеления во многом зависит от процессов, протекающих в нашем теле и сознании. Находясь в пространстве, созданном из повседневной одежды, или нашей «второй кожи», как называет ее Инь, посетители получают возможность оказаться в другом режиме существования, почувствовать себя внутри своего собственного тела и, возможно, провести своеобразный сеанс самолечения.
Свидетельства
30.09.2016-5.02.2017
Выставка «Свидетельства», включающая произведения Франсиско Гойи (1746–1828), Сергея Эйзенштейна (1898–1948) и Роберта Лонго (род. 1953), позволяет проникнуться уникальным ви́дением трех художников, выразивших общественные, культурные и политические проблемы своего времени. Будучи представителями разных эпох и живя на разных континентах, художники стали свидетелями бурной смены времен, пережив хаос революции, гражданских волнений и войн. Несмотря на то, что Гойя служил церкви и королю, Эйзенштейн — государству, а Лонго появился на художественной сцене в период господства современных моделей арт-рынка, признание каждому принесла независимая художественная практика, бросающая вызов ожиданиям и запросам общества.
В поисках новаторских техник и технологий герои «Свидетельств» обращались к различным медиа — от традиционной живописи и гравюры до скульптуры, кино и перформанса, но основным инструментом визуализации идеи для каждого из них всегда оставался рисунок. С помощью черно-белого языка и лаконичных графических средств художники раскрывают сложные взаимоотношения между властью и обществом, выходя за рамки документального повествования для создания эмоционально-психологических образов своих героев.
Организованная главным куратором «Гаража» Кейт Фаул совместно с Робертом Лонго, эта выставка является результатом долгих бесед между художником и куратором и отражает давнее увлечение Лонго работами Эйзенштейна и Гойи. Это побудило его совершить две исследовательские поездки в Россию, во время которых художник встретился с ведущим специалистом по Эйзенштейну, Наумом Клейманом, и посетил Российский государственный архив литературы и искусства, чтобы изучить архив Эйзенштейна и отобрать рисунки для выставки. Также Лонго консультировался с кураторами Государственного центрального музея современной истории России в Москве и санкт-петербургского Государственного Эрмитажа, стремясь понять роль Гойи в русской культуре, особенно в связи с событиями русской революции.
Результатом стала экспозиция, включающая сорок три ранее не выставлявшихся рисунка Эйзенштейна из Российского государственного архива литературы и искусства. Они будут представлены вместе с фрагментами семи фильмов Эйзенштейна, демонстрируемыми в замедленном темпе, так чтобы каждый кадр мог восприниматься как отдельный образ. В залах «Гаража» будут впервые показаны сорок девять офортов Гойи из собрания Государственного центрального музея современной истории России, а также более тридцати крупноформатных рисунков Лонго, созданных им в течение последних пяти лет и предоставленных различными международными собраниями.
NSK: от "Капитала" к капиталу
30.09.2016-9.12.2016
Коллектив Neue Slowenische Kunst был создан в 1984 году тремя группами: мультимедийной группой Laibach (основана в 1980 году), группой визуального искусства IRWIN (основана в 1983 году) и театральной труппой «Театр сестер Сципиона Назики» (1983–1987). В том же году эти три группы основали четвертую — отдел дизайна под названием «Новый коллективизм». Позднее в рамках NSK были учреждены другие подразделения: «Отдел чистой и прикладной философии» (основан в 1987 году), «Ретровидение» (основан в 1987 году), «Кино» (основан в 1984 году) и «Строители» (основан в 1985 году).
Три раздела выставки посвящены трем группам, создавшим NSK, а четвертый — пяти отделам; таким образом, можно проследить, как каждая группа по-своему усваивала и развивала общие принципы коллектива. Пятый раздел экспозиции сосредоточен на ключевых общих темах, над которыми в сотрудничестве работали все группы в составе NSK и которые после распада Югославии привели их к проекту «Государство NSK во времени».
Контекстом выставки NSK служит экономическая и политическая ситуация 1980-х годов — бурного десятилетия, которое предшествовало крушению прежнего миропорядка и утверждению постоянно возрастающей власти капитализма. Будучи уникальным самоорганизованным альянсом, созданным в ответ на эту ситуацию, NSK предложил институцию нового типа, основанную на коллективной художественной практике и развивающую собственные организационные, экономические и терминологические принципы. Проект, выдвинутый участниками коллектива, поставил под сомнение упрощенную идеологическую дихотомию «социализм против капитализма», что делает NSK глобальным культурным явлением, выходящим за узкие пространственно-временные рамки, в которых оно функционировало.
В своей эстетической и теоретической практике участники NSK использовали различные художественные традиции, включая русский авангард, всплеск интереса к которому наблюдался в Югославии в начале 1980-х. Каждая группа-участница NSK адаптировала утопические идеи и иконографию авангарда, чтобы разработать собственные варианты базового для коллектива ретрометода.
В начале 1990-х годов коллектив начал устанавливать тесные отношения с московской художественной сценой, что в 1992 году привело к организации Посольства NSK в Москве — серии лекций и дискуссий, задуманной как часть проекта «Государство NSK во времени» и продолжавшейся в течение месяца. Проводимая 24 года спустя московская выставка NSK может рассматриваться как символическое возвращение и оммаж к истокам уникального мировоззрения и идеологии коллектива.
Нет, ну не могла же она знать во что это все...
18.09.2016-5.03.2016
Музей «Гараж» продолжает программу Garage Square Commissions и в сентябре 2016 года представит московской публике произведение российского художника Бориса Матросова, одного из наиболее ярких представителей московской художественной сцены начиная с 1980-х годов.
Борис Матросов – участник легендарной группы «Чемпионы мира» (Борис Матросов, Гия Абрамишвили, Константин Латышев, Андрей Яхнин), самого дерзкого и веселого объединения конца 1980-х – начала 1990-х, последовательно иронизирующего над убийственной серьезностью художественных стратегий московских концептуалистов старшего поколения. Знаменитые своими абсурдными и часто хулиганскими акциями, как, например, «Взмахи радости», когда каждый из участников группы всеми подручными средствами рисовал что-то свое на прикрепленном к стенке листе бумаги; или, например, «Серое море», когда Абрамишвили привез бутылку воды из Белого моря, Звездочетов – из Черного, а участники вырыли небольшое отверстие в земле, смешав воду из обеих бутылок, и получилось Серое море, о чем и были направлены соответствующие уведомления в официальные инстанции.
После распада группы Матросов продолжил самостоятельную карьеру. Он рисовал «картинки картинок», того, что согласно нашим представлениям является «нормальной», как будто всеми видимой реальностью: интерьеры, пейзажи, используя при этом минимум средств (черная штриховка и локальные цвета). В 2005 году Матросов, уже в одиночку, снова возвращается в публичное пространство, оставив ненадолго лабораторные опыты в традиционных техниках акрил/масло, холст. Для фестиваля «Арт Поле» (куратор Айдан Салахова) Матросов придумал масштабный текстовый объект «Счастье не за горами», который впоследствии был установлен на реке Кама в городе Пермь и стал чуть ли не официальным символом города.
Для Музея «Гараж» Матросов придумал новый объект, взяв странный, как будто вырванный из речевого потока текст «нет, ну не могла же она знать, во что это всё…» с собственной картины 2012 года, и поместил его на крышу Музея. Оказавшись в публичном пространстве, этот объект вызывает массу вопросов у зрителя: кто она, что всё и во что в конце концов? Мы оказываемся в ситуации логической блокады: вынесенная как лозунг или светящаяся реклама на здании, эта фраза, больше подходящая для интимного диалога, сбивает наши представления о личном и публичном, о природе вопросов и ответов, о смысле произведения искусства как такового.
Любопытной трансформации подвергается и сама идея Garage Square Commissions: площадь Искусств перед Музеем «Гараж», для которой художники обычно специально создают произведения, оказывается как бы не-местом, а вместо объектов на площади находятся зрители, которые устанавливают сложные связи со светящимся неоновым посланием Бориса Матросова.
Поцелуй океана
2.10.2016-3.10.2016
В экспозиции будут представлены картины, выполненные в уникальном стиле художницы с применением старинной техники Эбру, корни которой берут своё начало на Древнем Востоке.
Работы создавались на острове Бали и насквозь пропитаны тропическим зноем и дымкой соленых брызг. Опьяненные рокотом океана и солнцем, которое отбрасывает разноцветные блики на воду, сёрферы буквально упиваются этими заигрываниями со стихией. Именно такая атмосфера свободы и океана будет воссоздана на выставке.
Для художницы океан становится не только фоном для разворачивающихся событий, но и их полноправным героем и даже своеобразной аллегорией. В каждом из нас есть свой «внутренний океан» и показываем мы его по-разному. На этой выставке мы хотим поделиться с вами частью нашего океана, его теплом и светом.
-
