События 28 января - 10 февраля

13:15, 04 февраля 2019

Ничего, кроме гармонии

1.02.2019-28.07.2019

Фонд In Artibus

Выставка "Ничего, кроме гармонии" объединяет две большие русские коллекции одного из самых выдающихся российских живописцев XX века Владимира Вейсберга – музейную и частную – и представляет более ста  произведений всех периодов его творчества с 40-х до 80-х годов. 

Выставка продлится шесть месяцев – это самая продолжительная выставка Вейсберга за всю историю его экспонирования. В течение полугода будут выставлены более 50 живописных произведений, а графическая часть выставки будет состоять из двух блоков: первый – музейный, из ГМИИ им. А.С. Пушкина (февраль-апрель), второй – из коллекции Инны Баженовой (май-июль). 

АРНО РАФАЭЛЬ МИНККИНЕН. МОМЕНТЫ ОТКРОВЕНИЯ

18.01.2019-19.05.2019

Музей Эрарта (СПб)

На протяжении последних сорока лет Арно Рафаэль Минккинен занимается преподаванием, кураторской работой и литературной деятельностью, но продолжает при этом создавать необыкновенные автопортреты.

Чувство свободы заставляет Арно фотографировать самого себя во всем многообразии «мизансцен»: иногда свернувшимся калачиком на песочном пляже, иногда свисающим с края скалы, но всегда нагим, каким он был при рождении.

Для Арно Рафаэля Минккинена нагота сродни духовности. «Я не хочу, чтобы меня воспринимали как нудиста», — говорит он. — «Но есть в этом что-то близкое к процессу сотворения, когда вы одиноко гуляете в поисках хорошего кадра по лесу в Финляндии без одежды, забираетесь на скалы и передвигаетесь как обезьяна. Абсолютно нагой, вдавливая пальцы ног в мягкую землю, ты ощущаешь, как ты был сотворен».

Пейзажи на снимках Минккинена постоянно меняются, но сам он всегда остается их частью, соединяя тело и природу в узнаваемой сюрреалистичной манере. Его взаимодействие с природой близко к мимикрии — Минккинен становится естественным элементом окружающей среды, сливается с ней, продолжая и дорисовывая перспективы и линии.

На счету фотографа более сотни персональных и двухсот групповых выставок по всему миру. Его работы находятся в коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке, Музея изящных искусств в Бостоне, Галереи американского искусства Аддисон в Андовере, Центра Помпиду, Музея современного искусства и Европейского дома фотографии в Париже, Елисейского музея в Лозанне, Центра креативной фотографии в Тусоне, Метрополитен музея в Японии.

СЕСИЛЬ ПЛЕЗАНС. РОЛЕВЫЕ ИГРЫ

01.02.2019-02.06.2019

Музей Эрарта (СПб)

Наряду с фотографиями на выставке можно будет увидеть работы, выполненные в необычной и выразительной технике голограммы. Проект не только познакомит российского зрителя с творчеством Плезанс, но и станет одной из наиболее масштабных выставок художницы на текущий момент. В своих работах Сесиль Плезанс исследует роли, которые мы играем в нашей общественной и частной жизни, а также то, как воспринимают нас окружающие — не вдумываясь, исходя из стереотипов и поспешных суждений, сделанных зачастую поверхностно или предвзято. Для того чтобы дополнительно привлечь внимание к этому аспекту работ Плезанс, в выставочных залах Эрарты будет создана особая иммерсивная атмосфера, напоминающая пип-шоу: посетители будут перемещаться по специально построенному лабиринту, как бы «подглядывая» за произведениями художницы. Их взору предстанут слившиеся в объятиях пары, обнаженные куклы и шокирующие сцены — подобное зрелище точно нельзя пропустить.  

Сесиль Плезанс впервые обратила на себя внимание арт-сообщества после выхода серии «Барби», отдельные работы из которой будут также представлены на выставке в Эрарте. По словам самой художницы, делая первые шаги в фотографии и цифровой обработке изображений, она черпала вдохновение в постановочных кадрах Хельмута Ньютона. В какой-то момент Плезанс попробовала воспроизвести эти изображения, используя вместо живой модели позаимствованную у дочери куклу Барби. Так родилось несколько серий фоторабот с участием Барби: словно живые, куклы позируют в различных ситуациях — в отпуске, на яхте, на борту вертолета и на обложках всевозможных журналов. Временами куклы так идеально сливаются со своим окружением, что граница между реальностью и фантазией размывается. Зритель ненароком задумывается, кто перед ним — куклы, изображающие девушек-моделей, или настоящие женщины, играющие роли гламурных кукол столь убедительно, что окружающие перестают воспринимать их как-либо иначе.  

Анна Франк. Дневники Холокоста

28.01.2019-1.04.2019

Еврейский музей и центр толерантности

Еврейский музей и центр толерантности представляет выставку «Анна Франк. Дневники Холокоста». Проект основан на материалах дневников, написанных девочками и девушками в гетто и зонах оккупации. 

В годы Второй мировой войны многие евреи вели дневники, но сохранились лишь немногие их них: при обнаружении личные записи уничтожались как подлинные исторические документы, свидетельства преступлений. Экспозиция представит истории шести девушек — Анны Франк, Элен Берр, Евы Хейман, Мэри Берг, Элизабет Кауфманн и Рутки Ласкер — восстановленные по материалам дневников и личных архивов. Интерпретировать исторические и эмоциональные образы из дневников будут работы современных художников. 

Автобиографические тексты, наполненные эмоциями и переживаниями юности, фотографии, исторические артефакты и звуковые инсталляции, воссозданные на основе воспоминаний девушек, призваны раскрыть тему подростковой травмы, памяти и взросления в период Холокоста. 

В этой тесноте, до отказа набитой впечатлениями и эмоциями, звучит интимный диалог личных историй и современного искусства. На выставке представлены произведения известных художников, для которых тема Холокоста, природы насилия и личной памяти жертв, стала одной из центральных. В их числе: немецкий художник Ансельм Кифер, польский скульптор и видеохудожник Мирослав Балка, французский мультимедийный художник Кристиан Болтански, австрийский акционист Герман Нитч, российский художник Хаим Сокол, израильский фото- и видеохудожник Ори Гершт, авангардист и скульптор Вадим Сидур, а также создатель «саморазрушающегося искусства» Гюстав Мецгер.  

Когда мой папа был маленьким

1.02.2019-14.02.2019

Галерея "Беляево"

Партнерский сетевой социально-художественный проект «Мир детства» проводится «Выставочными залами Москвы» и Московским союзом художников в рамках программы Правительства РФ — «Десятилетие детства».

Живописные и графические работы, создаваемые художниками фактически в течение всей истории Московского Союза художников, на выставке объединяются общей темой: воспоминания авторов о своем детстве, игрушках, мире фантазий и сказок, портреты детей; не до конца высказанные личные истории участников проекта. Образность реальности, которая формировала тот уютный и самобытный мир мальчишек и девчонок с «секретиками» во дворе, бумажными голубями и корабликами, воздушными змеями, куклами, машинками, сачками и бабочками, играми в машинки и войнушку, стрельбой из рогатки, догонялками, катанием с горки на школьном портфеле.

В экспозицию войдут  работы из наследия известных художников: Э. Браговского, А. Суровцева, П. Кривоногова, Н. Медведева, В. Светлицкого, Г. Серова, а также произведения  московских мастеров: В. Глухова, А. Любавина, З. Церетели, В. Калинина, В. Русанова, А. Суховецкого и др. Работы молодых авторов, недавних выпускников художественных вузов.

Полночь

31.01.2019-24.02.2019

HSE ART Gallery

Выставка «Полночь» имеет трёхчастную структуру: три комнаты — три общественных строя, которые раскрываются последовательно и утопически — капитализм, социализм и коммунизм. Фоном для первой — капиталистической — части становится торговый центр, где работают, встречаются и живут охранники и продавщицы. Социалистическая часть воплощается в свободной коллективной работе, в данном случае — в монтаже выставки, который служит разделению опыта, уравнивает и сплачивает: художник становится пролетарием, а рабочий, напротив, может выразить свой творческий потенциал. Третья часть проекта – коммунизм, тотальная инсталляция из зарослей растений, груды обезвреженных гранат и дикого ягуара – утопический мир будущего, в котором человеческий след почти исчезает.

Специально для выставки «Полночь» в HSE ART GALLERY будут созданы инсталляция и проектный зал, работу над которым группировка будет вести совместно со студентами HSE ART AND DESIGN SCHOOL. Также на выставке будут представлены работы из ранней серии группировки ЗИП, которые впервые будут показаны в Москве. 

Промзона

30.01.2019-10.03.2019

ММОМА (Петровка, 25)

Московский музей современного искусства при поддержке галереи «Триумф» представляет выставку-исследование Павла Отдельнова «ПРОМЗОНА», рассказывающую о комплексе химических заводов в его родном городе Дзержинске (Нижегородская область). Хронология проекта насчитывает более четырёх лет и включает в себя шесть разделов, которые будут представлены вместе впервые. При подготовке проекта Отдельнов исследовал территорию заводов в её текущем состоянии, архивы, газеты того времени, а также обратился к личным историям людей, работавших на химическом производстве. Задействуя различные медиа — живопись, фотографию, видео, инсталляцию, текст и реди-мейд — художник предлагает взглянуть на ушедшую эпоху в её историческом и персональном измерении.

Отправной точкой для цикла «ПРОМЗОНА» стала семейная история. Три поколения предков художника трудились на химических заводах Дзержинска: в 30-е годы они участвовали в индустриализации и строили цеха, во Вторую мировую войну производили боевые отравляющие вещества, а в мирное время — сырьё для различных отраслей народного хозяйства. В годы Перестройки, когда экономическая система была децентрализована, заводы перешли в частное владение, вскоре многие из них были признаны убыточными и закрылись. Сейчас от внушительного и мощного комплекса остались гектары пустоши, «захваченные» природой руины и резервуары с химическими отходами.

За несколько лет существования и развития цикла «ПРОМЗОНА» постепенно менялась «интонация экспонирования» — от краеведческо-экологической до художественно-литературной. Неизменной оставалась главная тема о забвении, о том, как реальные события превращаются в миф, а документальные свидетельства под внешними обстоятельствами теряют свою точность, подстраиваясь под общие представления.

115 километров

31.01.2019-24.02.2019

Галерея "Виктория" (Самара)

Галерея «Виктория» открывает персональную выставку известной самарской художницы Оксаны Стоговой. За тридцать лет творчества художница прошла путь от пейзажей к концептуальным объектам, используя в своем творчестве самые разные техники и материалы. В небольшой ретроспективе зритель сможет проследить, как живописный горизонт сменяется швом ткани, карандашной линией, рулоном бумаги для факса и даже натянутой бечевкой. С формальной точки зрения Оксана Стогова в своих работах боролась с фигуративностью, изживала «традиционный» пейзаж, но по сути, стремилась понять и передать его глубже, чем может сетчатка глаза. 

На выставке будет представлена живопись, объекты и видео Оксаны Стоговой с 1988 года, в том числе никогда ранее не выставлявшиеся. 

Куратор Сергей Баландин.

Новый  футуризм художницы Хван Ын Сон

30.01.2019-19.02.2019

Музей Востока

В XXI веке искусство Республики Корея не только успешно интегрировалось в глобальное художественное пространство, но и все более явно выдвигается в нем на лидирующие позиции. Художники этой страны ежегодно попадают в списки самых влиятельных художников мира.

Государственный музей Востока совместно с Культурным центром Посольства Республики Корея в Российской Федерации представляют выставку «Новый футуризм художницы Хван Ын Сон», открывая для российского зрителя еще одну грань в пестрой современной художественной действительности Южной Кореи, где бок о бок равноправно сосуществуют самые различные арт-практики.

Хван Ын Сон (1954 г.р.) – сложившийся, зрелый мастер, который, однако, постоянно находится в творческом поиске и не боится экспериментировать. В 1995 г. художница получила степень магистра изящных искусств в Американской академии в Париже. Начиная с 1990 х гг., она активно выставляется не только у себя на родине, но и за рубежом. Хван Ын Сон принимала участие в крупных международных выставках и ярмарках современного искусства в Париже («Grands et jeunes d’aujourd’hui», 1994–95 гг.) и Страсбурге (ST-ART, 2014 г.), не раз демонстрировала свои работы в Японии (г. Токио, 2001 г. и 2002 г.; г. Тояма, 2001 г.). В России ее произведения будут представлены впервые.

Все тридцать три работы, которые можно увидеть на московской выставке, – примеры абстрактной живописи. Они являются отражением свободного, спонтанного и личного эмоционального переживания их автора. Размещение крупномасштабных полотен в тесном пространстве музейных залов призвано активизировать зрителя, побуждая его почти физически ощутить сконцентрированные в произведениях мощные энергетические потоки.

Хван Ын Сон пишет маслом. Эта техника в наибольшей степени отвечает ее творческому темпераменту. В традиционной для национальной восточноазиатской живописи туше ей не хватает «плоти», «телесности».  Художница предпочитает фактурность, пастозные мазки, подчеркивающие грубую материальность живописной поверхности. Такая живопись рассчитана в первую очередь на чувственно-эмоциональное восприятие, вызывающее глубокий резонанс в сердце.

ЯРОСТНАЯ КРАСОТА: ВРЕМЯ И ЖИЗНЬ СТЭНЛИ ГРИНА

31.02.2019-17.03.2019

МАММ

В рамках XI московской международной биеннале «Мода и стиль в фотографии 2019» Мультимедиа Арт Музей, Москва представляет выставку Стэнли Грина — одного из самых ярких и известных документалистов современности, многократного лауреата премии World Press Photo, премии Юджина Смита за гуманизм в фотографии, почти 30 лет освещавшего важнейшие мировые конфликты, кризисы и культурные явления. На выставке в МАММ представлены две ранние серии (1975—1990) — о становлении панк-движения в Сан-Франциско и фотографии моды парижского периода конца 1980-х.

Стэнли Грин (1949—2017) родился в Нью-Йорке в семье театрального режиссера и актрисы. Его отец был ключевой фигурой движения Гарлемский ренессанс, созданного группой писателей, художников, музыкантов и актеров, которые продвигали черную культуру в эпоху нью-йоркского джаза. 

Грин увлекся фотографией в 11 лет, когда ему подарили первую камеру. В 1971 году он встретил Юджина Смита. Знакомство с легендарным фотографом изменило его жизнь — Смит предоставил ему место в своей студии и посоветовал поступить в нью-йоркскую Школу визуальных искусств, чтобы Грин овладел техническими основами фотографии. 

В середине 1970-х, будучи членом «Черных пантер» и студентом Института искусств Сан-Франциско, Грин оказался в эпицентре формирования новых культурных явлений — вместе с ним учились прогрессивные художники, музыканты и активисты. Именно тогда он открыл для себя в полной мере визуальный язык фотографии. В его объектив попали важнейшие моменты истории современной музыки — зарождение новой волны и панк-движения. «Меня окружали рок-группы — панки и художники. Фактически, они были моими соседями по комнате, поэтому иногда я их снимал. Внезапно все захотели фотографии. Мне звонили и говорили: “Стэнли, я знаю, что у тебя есть снимки, журнал хочет написать о нас…” А по ночам я путешествовал по клубам, проникая в сердце музыкального андеграунда, снимая панк-культуру на Лейку. Неслыханно! Богохульство!», — вспоминал фотограф.

Ранние снимки уже демонстрируют стиль и подход, которые станут авторским почерком Стэнли Грина. Предельная вовлеченность автора в ситуацию съемки делает эти снимки не просто документом, но и отражением четко артикулированной позиции художника. «[Музыканты] позволяли мне снимать их со своими подругами, во время сна, стычек, секса... Это было лучшее, самое бурное и, вместе с тем, самое спокойное время в моей жизни. Каким бы безумным оно ни было, все было просто, потому что сохранялось равновесие», — рассказывал Грин.

В 1986 году, после десяти лет съемок арт-сцены Сан-Франциско, Стэнли Грин переехал в Париж, город «вечного праздника», где присоединился к группе фотографов, называющих себя «поэтами фотографии». Фотограф создал свой образ ночной жизни Парижа, наполненный реминисценциями Брассая и Эда ван дер Элскена. «Я жил на хлебе, вине и сыре и фотографировал все, что двигалось»,— писал сам Грин об этом периоде. Парижские снимки фотографа рассказывают о потоке переживаемых им событий и передают эмоциональное ощущение атмосферы происходящего зрителю. 

Под влиянием фильмов Брайана де Пальмы, Фрэнсиса Форда Копполы, Дэвида Линча и «Фотоувеличения» Антониони Стэнли Грин увлекся идеей стать фотографом моды и в конце 1980-х начал сотрудничать с глянцевыми журналами. Это сотрудничество было крайне плодотворным, но очень кратким. В 1989 году Стэнли Грин едет в Берлин и становится свидетелем падения Берлинской стены. Это событие стало очередным поворотным пунктом его карьеры. Его фотография «Kisses to All», на которой запечатлена девушка в балетной пачке, стоящая на стене и открывающая бутылку шампанского, обошла страницы ведущих журналов и моментально прославила автора. «Я стоял в толпе людей, кричащих, что они хотят быть частью свободного мира, и обнаружил, что фотокамера — это мощный инструмент». С этого момента Стэнли Грин посвящает себя фотодокументалистике. В 1991 году он стал членом легендарного парижского фотоагентства «Vu». Начиная с 1993 года работал для изданий «Liberation», «Paris Match», «Time», «The New York Times Magazine», «Newsweek», «Le Nouvel Observateur» и других. В октябре 1993 года Грин оказался единственным иностранным журналистом, работавшим в Белом доме в Москве во время путча. Две его работы из этой серии получили престижные международные награды World Press Photo.

В начале 1990-х Стэнли по заданию французского издания «Globe Hebdo» работал в Судане, где тогда бушевали война и голод. В 1994-м во время эпидемии холеры в Руанде и Заире Грин снимал работу гуманитарной организации «Врачи без границ», оказывавшей помощь местным жителям. Грин освещал вооруженные конфликты и их последствия в Ираке, Судане, Дарфуре, Афганистане, Кашмире, Ливане и Чечне, где он работал с 1994 по 2003 год. Результатом почти тридцатилетней работы фотожурналиста стали книги: «В горах, где живут орлы» (Actes Sud, 1995), «Открытая рана» (Trolley, 2003), «Линии мелом: Кавказ» (Edition Intervalles, 2007), «Черный паспорт» (Schilt, 2010), «Западный фронт» (Andre Frere Edition, 2013).

Пятно и Вспышка

29.02.2019-3.03.2019

Галерея Osnova

Слово «пятно» по своей этимологии означает «отличающееся по цвету». Такое значение этого слова подсказывает сфокусированность на бесконечной диалектике визуального произведения. То, что делает пятно пятном — это не собственно пятно, а его отличие от окружения. В этом смысле художественный жест существует только благодаря существованию других художественных жестов или же благодаря их отсутствию.

Вспышка, которую отражает одна из работ, сама по себе этимологически двойственна: она происходит от слова «меняться», и это — изменение восприятия, которое порождает вспышку. Представленные на выставке работы Колина Пенно и Рауля Диаса Рейеса удерживают эту постоянную диалектику, связывая её в дальнейшем с диалектикой изучения пространства, которая в свою очередь порождает третий диалог между двумя двуединствами: формы и пространства.

Этот бесконечный поиск отношений между цветом, формой, пространством и объемом, которые исследуются на границе или внутри произведения, похоже, полностью удовлетворяет идее, лежащей в основе понятия «различия», сформулированного французским философом Жаком Дерридой: все то, что существует, всегда децентровано по сравнению с собой и, соответственно, по большей части не может быть выражено системой знаков. Система знаков — в данном случае визуальная — понимается Деридой как «связка», клубок чувств или силовых линий в постоянном поиске равновесия между линией и её измерением. Инаковость элементов оказывается той силой единственного дискурса, который в различии своих состояний, многократно раскрытом и многократно приближенном, обнаруживает свой самый близкий к реальности смысл.

В работе Колина Пенно энергия противоречия, которая может возникнуть из сопоставления и противопоставления между трехмерной формой и цветным «формулированием», наполнена наиболее верным смыслом слова «различие», и из этого противоречия возникает звук, который никогда не прекращается. На самом деле Пенно не ищет и не желает гармонизации формальных признаков, поскольку постоянно колеблется между восприятием сложной формы и фокусированием на богатых внутренних художественных смыслах. Более новые работы Колина Пенно можно понять как отправную точку многих лет концептуального и экспериментального анализа условностей репрезентации, интермедиации и трансмедийности. Его подход инициирует полемику по поводу привычного видения и выходит за традиционные рамки между медиа и академическими дисциплинами.

Концепт «различия» четко представлен в работе Рауля Диаса Рейеса с помощью одновременного присутствия визуально более «смазанной» формы, и элемента более четкого, с отсылками к архитектуре постмодерна. Единение или, что еще точнее, разъединение этих двух элементов, которое обретает равновесие в работах Рейеса, генерирует поверхности без пространственных ограничений или технических законов: изображение наблюдается как фигура, и изображение становится ее частью, генерируя новые пейзажи с различными композиционными возможностями. Итоговая система знаков рассказывает о скульптурных абстракциях, в которых границы обработки форм играют с большей осязательностью благодаря использованию разнообразных материалов.

Доменико де Кирико, 2018

Дар забвения или формула пустого мира

1.02.2019-24.02.2019

ЦТИ Фабрика

Центр творческих индустрий Фабрика представляет персональный проект известного московского художника Андрея Кузькина – «Дар забвения или формула пустого мира». Выставка открывается в рамках программы «Фабричные мастерские».

Экспозиция представляет собой инсталляцию, в центре которой – лежащий человек, созданный из хлеба – традиционный материал для художника.

Андрей Кузькин: «...Я придумал формулу пустого мира. Мира без любви, без бога, без истины, без всех этих понятий, которые дают нам надежду и согревают нас в трудные минуты. Формулу государственной власти, формулу насилия, формулу управления одних людей другими. Формулу, которая реально работает. И будет работать до тех пор, пока мы не научимся помнить. Она проста, как дважды два - четыре, и описывается тремя произносимыми последовательно словами: ложь, страх, смерть. И замыкает эту триаду забвение».

Персональная выставка Маркуса Мартиновича. Эхолалия

9.02.2019-3.03.2019

Граунд Ходынка

На площадке галереи ГРАУНД Ходынка открывается выставка, которая необычна для нашего пространства. Во-первых, она персональная — это редкость для нас и, во-вторых, художник очень юн, но отобранный материал настолько интересен, разнообразен и в то же время целен, что мы уверены в успехе и, более того, пользе этой выставки, которая поговорит с каждым из нас о самом тонком и волнующем —  внутреннем мире человека и его способах коммуникации с внешним миром, языке искусства, который единственный может рассказать другим людям о переживаниях, чувствах и мыслях. Погружаясь во внутренний мир Маркуса, мы получим уникальную возможность изучения собственной души и наших способностей творить.

Куратор Наталья Исаева о выставке:

Меняется ли действительность в зависимости от метода оценки и метода её проживания? Существует ли единственно верный? На эти вопросы мы попытаемся ответить на «Персональной выставке Маркуса Мартиновича. Эхолалия».

Это выставка-погружение в матрицу альтернативного восприятия реальности, основанного на опыте особого художника.

Маркус Мартинович – художник, находящийся в зоне вне социального влияния и академических правил, который создает свой собственный код для коммуникации с обществом через арт-объекты и живопись. Интуитивно он поднимает вопросы, касающиеся всех нас, но пропуская их через призму своих уникальных чувств, ищет ответы нетривиальными способами. На этой выставке Маркус будет говорить с нами о необходимости наделения смыслами, связи между словами и образами и том, как повторение привычных образов может создать вокруг нас защитный кокон, оберегающий от навязанной действительности.

На сегодняшний момент двенадцатилетний Маркус участвовал в 6 групповых выставках и представлял своих работы на 4 персональных выставках в России и Германии, каждый раз удивляя зрителей своими методами и подходами. Он не прекращает творить, работают его руки или нет – если он не может рисовать, то занимается цифровым искусством или создает аудио, и каждый раз это выходит непредсказуемо интересно.

На выставке будут представлены живопись, графика, фотография, работы в смешанной технике, видео и саунд-арт. Выставка будет сопровождаться аудио-экскурсией в записи, созданной специально для ГРАУНДа куратором выставки.

Волигамси, Муратов и далее

28.01.2019-28.02.2019

Галерея 11.12

Галерея современного искусства 11.12 GALLERY совместно с ЦСИ Винзавод и Арт-резиденцией Опята представляет поп-ап пространство «Волигамси, Муратов и далее…» — проект, посвященный значимым музейным выставкам последних лет, представленных в компактном галерейном формате. 

С 28 января по 14 февраля вы сможете увидеть, как развивалась творческая практика Рината Волигамси за последние 10 лет - от "Деревни" и "Снега" до ржавых звёзд «Двоегорска».

С 15 февраля и до конца месяца в пространстве Бродильного Цеха будет продлена ностальгическо-юмористическая выставка Дамира Муратова "Навсегда" уже во второй раз.

Неосторожно окрашено. Хранители Ивановской горки

30.01.2019-16.02.2019

Центр Гиляровского

Центр Гиляровского призван продолжать вдохновенное дело дяди Гиляя – изучать Москву и её обитателей. Со времён Владимира Алексеевича столица разрослась и из города превратилась в отдельную страну, а ее районы – в города. Это позволяет говорить о таком явлении как «город в городе»: любой московский район (будь то центр или окраина) – это микромир, каждый со своим «микроклиматом», неповторимой атмосферой и оберегающими ее жителями.

Центр Гиляровского начинает большое исследование на тему «город в городе».

Выставка основана на фотопроекте Даши Каретниковой. Однажды автор фотографий шла по Колпачному переулку и увидела на стене поверх засохшей краски надпись мелким шрифтом: «неосторожно окрашено». Такая же надпись потом встречалась ей в Старосадском, Подкопаевском переулках, на Покровке. Коммунальщики, как только замечали на какой-то из стен эти слова, тут же их закрашивали. Слова появлялись снова и снова, но потом cтали постепенно исчезать. Отчаявшись найти авторов в интернете, Даша назвала свою серию «Неосторожно окрашено».

Третий год она исследует Ивановскую горку, «город в городе», в котором обитают художники, реставраторы, мыслители. Каждый местный, прежде чем встать перед объективом Дашиного фотоаппарата, рассказывает ей свою историю, подробно излагает свою концепцию жизни.

Гений этого места настолько силён, что время здесь, кажется, остановилось.

«Тишина в Москве начинается и заканчивается на Ивановской горке», – говорит Даша. Границы района – это Солянка, Лубянский проезд, Покровка-Маросейка, Покровский и Яузский бульвары, внутри которых переплетается множество переулков с домами, удивительным образом сохранившими свой облик доныне.

«Местные» предстают на снимках автора в момент беззащитной искренности, будто смотрят не в объектив, а в глаза внимательного собеседника.

Среди героев выставки – Николай Аввакумов, главный «хранитель» Ивановской горки, реставратор, основатель фонда «Хитровка»; Игорь Белый, директор легендарного

книжного магазина «Гиперион» в Хохловском; старейшая обитательница дома Голосова в Подколокольном и бродячий философ, представляющийся потомком английской королевы.

Помимо фотографий в экспозицию вошли артефакты археологических коллекций Музея Москвы, найденные в том числе на Ивановской горке.

В рамках выставки пройдут лекции историков архитектуры, искусствоведов и краеведов о «необычной», скрытой от глаз прохожих, Москве. Мероприятия будут анонсироваться отдельно.

Обманчивое видение

С 7.02.2019

Omelchemko Gallery

На данной выставке представлены две новые серии работ художника – «Наблюдатели» и «Обманчивое видение». 

Зритель, сможет ощутить вибрации, которые характерны для старых работ автора, впрочем, выражены они иначе, в современной и переосмысленной интерпретации. 

На холстах, насыщенных напряжением и энергией неизменного авторского стиля, возникают образы знакомых, но раскрывающихся в ином ракурсе восприятия, символичных миров. Причудливые сущности внутри переплетающихся линий создают и задают ритмы, которые организуют вокруг себя, пронизывают и упорядочивают видимый хаос красок. На первый взгляд, композиция полотен лишена центра и периферии. Такая бесструктурность, казалось бы, отсылает нас к постмодернистским концепциям, однако это не совсем так. Подобное восприятие работ Виталия Копачева, а, следовательно, их видение, условно можно назвать обманчивым. При детальном рассмотрении становится очевидным, что как центр, так и периферия вынесены за пределы плоскости произведения. Они дополняются в сознании воспринимающего «наблюдателя» и самим этим наблюдателем переносятся в семантическое поле поддерживающей серии. Предполагаемые и возможные композиционные константы переходят в разряд характеристики символичности, и этим выводят работы на новый уровень утверждения идеи преемственности представленных зрителю серий и трансляции компонента суггестивности. Такой эффект порождает новый, неочевидный в своей наглядности, мотив рекурсивного зеркала. Его определяет присутствие в экспозиции серии "Наблюдатели", которая, как и сами наблюдатели, обманывается в своем видении основных работ и самой себя, чем как бы создает предполагаемое пространство смысловых зеркал со множеством отражений.

Трактовки каждого произведения в отдельности, в составе серии и в общности такой серии дают возможность изучать авторский тезаурус фрагментарно. И только экспозиция выставки в ее целостности, позволяет приблизиться в полной мере к правильному эстетическому и этическому восприятию концептуального замысла и выбранного автором исследовательского пути, которыми Виталий Копачев делится с нами в своей демонстрации «Обманчивого видения».

Корабль дураков

3.02.2019-28.02.2019

Аптекарский огород

С 3 по 28 февраля в Ботаническом саду МГУ "Аптекарский огород" — Корабль дураков, Венецианский карнавал, монахини и куртизанки, дамы в поисках любви, русские народные костюмы и многое-многое другое в рамках новой выставки арт-объектов "Корабль дураков".

В выставке примут участие выдающиеся деятели искусства:

Скульптор Маргарита Добрынина – член творческого Союза художников России и художественного Фонда России. Ее работы находятся в частных коллекциях России, Англии, Канады, Италии, США и Израиля. В центре внимания -  темы возраста, несбыточности мечтаний, мании величия и любви, которая не подвластна времени.

Художник, автор эмоциональных геометрических абстракций Ильязов Искандер Сабитович (творческий псевдоним Искан). В 2018 году включён в справочник 'Who’s Who World Edition'. Искан пишет эмоциональные геометрические абстракции маслом на холсте. Работы демонстрируют яркою игру цвета, формы и настроения.

Скульптор Юрий Кондрашов - мастер классической скульптуры академической тематики. Прославился как автор декоративных объемных витражей и фигур в стиле модерн.

Панно "Корабль дураков" Маргариты Добрыниной было создано в 1989 году в период ее творческого становления — эта миниатюрная композиция ёмко вбирает многочисленные образы со всей драматургией несовершенства жизни. При помощи каждого персонажа автор ведет молчаливый диалог со зрителем.

"Русский хоровод" - серия керамических работ, посвященная истории русского женского костюма прошедших веков. Народный костюм - любопытный исторический феномен, живущий по своей логике.