События 29 августа - 4 сентября
День Д
2.09.2016-4.09.2016
3 сентября 2016 года Сергею Донатовичу исполнилось бы 75 лет. В связи с этой важной для горожан датой Дом культуры Льва Лурье и единомышленники основали Общество любителей Сергея Довлатова и готовят фестиваль «День Д», который пройдет 2–4 сентября.
В ходе «Дня Д» пройдут выставки фотографий Нины Аловерт и Марка Сермана, кинофестиваль фильмов про Довлатова, конференция и круглый стол с участием Андрея Арьева, Татьяны Толстой, Якова Гордина и др., открытые чтения, экскурсии по довлатовским местам, квесты, квизы и многое другое.
Улица Рубинштейна, на которой жил писатель, на один день превратится в единое живое интерактивное пространство. На улице пройдут концерты, экскурсии, выставки паблик-арта. В конце праздника будет открыт временный памятник Сергею Донатовичу.
В предварительной программе "Дня Д" - экскурсии, квесты, джаз, кино, экспериментальные спектакли и, конечно, выставки. Более подробно о готовящихся мероприятиях можно узнать на сайте фестиваля.
II Биеннале уличного искусства АРТМОССФЕРА
30.08.2016 - 9.09.2016
Тема II Биеннале уличного искусства АРТМОССФЕРА – Невидимая стена. Стена как метафора внутренних ограничений, но в то же время – символ уличного искусства, естественная среда его развития, поле для самовыражения и качественных преобразований. Миссия проекта – побуждение к непрерывному эксперименту, преодолению страхов, созданию собственных правил, превращению препятствий в трамплины.
Хэдлайнерами Биеннале выступят: Miss Van, выросшая в колыбели уличного искусства, Барселоне, и опровергнувшая стереотип, что стрит-арт – исключительно мужское занятие, испанец Spy – он продемонстрирует своё умение блестяще работать с городским контекстом в реалиях Москвы, а также дуэт с ярким и узнаваемым стилем The London police, известный неистовым бомбингом на улицах мировых столиц.
Вопреки ожиданиям
27.08.2016 - 4.09.2016
Выставка представляет собой диалог художников с пространством и историей Творческой усадьбы “Гуслица” о возможности создания альтернативной современному миру реальности, избегая разрушений. Конфликт прошлого и будущего выражен в точке преткновения желаемого и действительного, в попытке расширения возможностей при сохранении уже заложенного. Ждет ли нас то, что мы ожидаем, или мы обречены на бесконечные старты без финиша? Эту проблему поднимают в своих проектах более 20 приглашенных современных художников. Процесс их работы будет выражен в объектах и тотальных инсталляциях, перфомансах, графике, фотографиях, видео- и саундарте, живой музыке, интегрированных как в различные освоенные, так и неосвоенные пространства резиденции, в прошлом текстильной мануфактуры XIX века.
Чтак. Ни в коем случае
25.08.2016 - 16.10.2016
ММОМА (Ермолаевский переулок, 17)
Московский музей современного искусства представляет персональную выставку художника Валерия Чтака — «В моем случае — ни в коем случае». Она состоит из нескольких тематических разделов, которые определяют авторскую идентичность. Среди них субкультурный кластер, музыкальная студия, мастерская и так далее. Экспозиция разместится на четырех этажах Московского музея современного искусства в Ермолаевском переулке и объединит произведения различных жанров и техник, большинство из которых будет сделано непосредственно в музейных залах.
Выставка «В моем случае ни в коем случае» — это тотальная инсталляция. Каждый ее элемент, обладая композиционной и содержательной завершенностью, принадлежит единой символической системе — коллекции остроумных фраз, афоризмов, широко растиражированных символов и проявлений массовой культуры, числовых и текстовых ребусов, заимствований и цитат из музыки, литературы, визуального искусства и философии, которую художник с увлечением «собирает» на протяжении всего своего творческого пути.
Разделительная линия. Елена Сарни
2.09.2016 - 12.09.2016
Выставочный зал москвского союза художников
Первооснова всякого визуального языка – линия, интуитивно ощущаемая авторами древних наскальных изображений и современным двухлеткой, впервые взявшим в руку карандаш, абсолютно очевидна и для изощренных, искушенных пост-истористов.. Всякое произведение искусства представляет собой систему раздражителей, организованную всегда умышленно и с целью вызывать эмоциональную, интеллектуальную и эстетическую реакцию. Линейные геометрические формы, обладающие для человеческого взгляда устойчивыми значениями, а для сознания – силой эстетического знака, нередко выступают в качестве архетипов, единых и неразложимых единиц визуального языка.
Нынешняя московская выставка Елены Сарни "Разделительная линия" представляет собой три условных "главы": из серии живопись «Натюрморт как пейзаж», рисунки из серии «Царство Флоры», и работы из серии «Городские Хоругви», в смешанной 2-х-мерно-3-х-мерной технике. Все три «главы» по-разному свидетельствует об одном и том же: ранее казавшиеся непроходимой стеной границы пространств, стилей и жанров, на самом деле являются всего лишь символической линией. Так в серии "Царство Флоры" линии заключают условно узнаваемые объемы "человеческих" тел и их "ботанических" голов в одно символически-геометрическое и пространственное целое. А рисунки обнаженной натуры и ботанические штудии отсылают ко времени, когда они были абсолютно законными жанрами визуального искусства, далекими друг от друга, ничем не связанными. Классическая картина и рисунок у Елены Сарни становятся новым "словом визуального языка", альтернативным образом вплетаясь в ткань актуального искусства и становясь частью системной коммуникации. Живопись и рисунок, бывшие еще недавно естественным языком артистического высказывания, за 20-й век полностью изменили свое место в культуре и выступают сегодня в совершенно новой роли. Заключенное в раму изображение трехмерных объектов на двухмерной плоскости в работах Елены Сарни представляет нам сегодня "вести с передовой", иллюстрируя современность наиболее актуальным и убедительным языком.
Наталья Монахова. Какое бывает время
1.09.2016 - 2.10.2016
ММОМА (Гоголевский бульвар, дом 10)
Художница с помощью монтажа, поиска и резки кадров играет с восприятием времени, изучает его свойства, размышляет над тем, как мы ощущаем минуты, часы, дни, месяцы, годы.
Можно ли сконструировать время, эту условную нелинейную категорию, с помощью художественных средств? Как оно будет восприниматься? Вот здесь оно комфортное и не вызывающее раздражения, а вот — ускоренное и порезанное на куски. А тут, смотрите, его почти нет. Но можно ли избавиться от него окончательно?
Чтобы выносить ребенка, как и сто лет назад, требуется 9 месяцев. Даже в современном мегаполисе детей не принято рожать быстрее, хотя темп жизни здесь постоянно ускоряется. Поэтому, когда ребенок рождается, он никуда не спешит. И пока растет, пытается сохранить нормальный темп: много раз смотрит один и тот же мультфильм, слушает одну и ту же сказку. Он усваивает информацию, словно хорошую еду, медленно смакуя. И противится спешке.
Что происходит потом?
По мере взросления маленький человек вживается в социум. От него требуется быть проворнее, резвее выполнять команды, меньше времени тратить на переваривание информации и больше успевать. Шаг за шагом — школа, высшее образование, работа, карьера. Запомнит ли этот бывший ребенок, с каким удовольствием он пересматривал любимые мультфильмы? Как долго тянулись дни его детства, пока он не включился в погоню за счастьем?
Времени свойственно быть разным. Или не времени, а субъективному восприятию этой нелинейной категории?
Разновидность рефлексии художника — ностальгия по ушедшему. Хочется остановить «вот-именно-это-мгновение» и внимательно рассмотреть. Зачем? Поймать ускользающий момент и прочувствовать или осознать быстротечность, пронизывающую нашу жизнь? А почему бы художнику не быть как все? Если все кругом спешат, то и ему следует ускориться. Если можно есть на ходу, почему нельзя делать видео на ходу? Тем более технические средства это позволяют. А может, не позволяют, а диктуют? Есть ли какой-то выбор? Или остается лишь мчаться со скоростью потока, чтобы не создавать аварийных ситуаций? Fast life — fast food — fast video.
Однако окружающая действительность, которую так жаждет исследовать художник, не похожа на научную лабораторию. Желаемое, как водится, ускользает от его взгляда, теряясь в неразличимом шуме. Лишь повседневное, неприглядное, совершенно неинтересное изредка мелькает перед глазами. И больше ничего.
Монтаж, резка, поиск кадров и тщетные попытки ухватить за хвост «то-самое-ради-чего». В итоге время, которое должно смаковаться, редуцируется до предела — до нелепых картинок, затерянных в быстром информационном потоке.
THE NAKED AND THE NUDE
3.09.2016 - 16.09.2016
“The naked and the nude” — первое представление в России всемирно известного уличного скульптора Ская Ферранте (Skye Ferrante), также известного как «Man of Wire».
Скай Ферранте — бывший профессиональный танцор балета, после окончания карьеры начал работать как уличный художник в Нью-Йорке, прославившийся своим самобытным стилем: созданием скульптуры одной непрерывной нитью из стальной, алюминиевой или золотой проволоки. На свою скульптуру Ферранте тратит 4 часа, хотя сам отшучивается и утверждает, что ему требуется 3 часа и 20 лет.
Художник вдохновляется “Нью-Йорк- ским бурлеском”, куда он относит голливудских знаменитостей, богачей и его любимых фриков с Кони-Айленда, а главное — себя самого.
«Man of Wire» — это прозвище, которое было дано художнику в сердце уличного искусства Нью Йорка — Сохо. Ежегодно художник представляет персональные выставки по всему миру, а его работы продаются аукционными домами Christie’s и Bonhams. Одни из наиболее известных его работ - шестиметровая фреска на здании Met Life на Парк Авеню и потрет Барака Обамы, который сейчас находится в Президентской библиотеке.
Ферранте создаёт скульптуры с позирующих ему моделей и VIP-персон в своей Нью-Йоркской студии, на частных вечеринках и в ночных клубах от Нью- Йорка до Лас Вегаса, где всем посетителям таких мероприятий предоставляется возможность приобрести скульптуру за $10,000.
На выставке, которую представляет проект curator 19.90, представлено 20 скульптур обнажённых моделей, созданных в его парижском ателье. Каждая скульптура воспроизводит день с избранной моделью, многие из которых описаны в новой одноименной книге «The naked and the nude» Ферранте, повествующей об отношениях художников и муз.
Переработка
3.09.2016 - 2.10.2016
Очередная выставка проекта ВЗЛЕТ представит работы молодых дизайнеров Ольги Ковалевой и Алины Лобановой, посвященные одному из самых актуальных вопросов современности – проблеме вторичной переработки и реутилизации вещей.
Для создания предметов выставки в качестве исходного «сырья» авторы используют старую одежду, которая переделывается в оригинальные чехлы, способные изменить облик любого утилитарного объекта, от предмета мебели до бутылки. В итоге, каждый объект, облаченный в чехол приобретает особую ценность. Конструкция чехла может варьировать и усложняться, в зависимости от размера и формы объекта. Однако, основные технологии изготовления чехлов достаточно просты и могут применяться в быту. Таким образом, участницам конкурса удалось разработать жизнеспособный, социально ориентированный и экономичный дизайнерский проект.
-
