События 3-9 декабря
Легко
5.12.2018-8.01.2019
ВДНХ (Павильон «Космос»)
5 декабря конкурсный проект «ВЗЛЕТ» на ВДНХ представит заключительный проект третьего сезона 2018 года. Победительница направления «Искусство» Анастасия Вепрева и куратор Сергей Попов представят в залах павильона «Космос», отведенных для проекта «Взлет», выставку «Легко».
В основе проекта «Легко» – размышления художницы на тему хрупкости жизни и исторической памяти. Структура выставки трехчастная – земля, облака и небо, и зрителю предлагается проделать метафорический путь вслед за изменениями медийного и изобразительного ряда. В первой части будут представлены графические листы с изображением авторских идей на тему исторических катастроф. Анастасия Вепрева размышляет о переходе от временного к вечному, о земле, как единственном месте, где возможны катастрофы.
Вторая часть выставки представит абстрактные графические листы от потолка до пола, облачный мир. Из суетного мира мы попадаем в грозовые облака – буферную зону покоя и тревожного сна. Расстаемся с привычными координатами и утрачиваем гравитацию, что дает легкость, и отрывает от земли. Облака выглядят безмятежно, но хранят память обо всем, что происходит под ними, и чтобы обрести свободу, через них надо пройти.
Финальная часть проекта – большой белоснежный постамент, где расположены кроватки – фигурки из папье-маше, в которых лежат рисунки спящих. Царство забвения, парения и чистого неба.
Автор выставки «Легко» Анастасия Вепрева считает: «Только через проработку болезненных элементов собственной истории возможно попасть в будущее».
Главные герои. Избранные произведения из коллекции Самарского художественного музея
5.12.2018-5.03.2019
5 декабря в павильоне «Рабочий и колхозница» на ВДНХ в рамках собственного проекта межмузейного обмена «Резидент» откроется уникальная выставка «Главные герои. Избранные произведения из коллекции Самарского художественного музея», на которой будут представлены знаковые полотна русских художников и редкие экспонаты восточной коллекции музея. Подобное масштабное экспонирование будет впервые представлено в Москве.
Самарский художественный музей представит коллекцию, в которую войдут более 130 шедевров. Гости смогут увидеть произведения русского изобразительного искусства периода первой половины XVIII века — 70-х годов XX века разных жанров: от светского портрета до авангарда и соцреализма. На выставке будут представлены известные полотна русских художников, такие как «Две матери» В. Маковского, «Зима» А. Саврасова, «Боярышня» В. И. Сурикова, «Композитор А. Г. Рубинштейн» И. Репина, «Пейзаж» А. Лентулова, «Постройка дома» О. Розановой, а также произведения И. Крамского, И. Айвазовского, В. Серова, А. Бенуа, П. Кончаловского, С. Адливанкина, Д. Бурлюка.
В рамках экспозиции будет представлено собрание восточного искусства Самарского музея: миниатюры, панно из Китая, Японии, Индии XVII–XIX веков. Эту богатую коллекцию экспонатов собирал австрийский купец и основатель Жигулевского пивоваренного завода Альфред фон Вакано, который прожил в Самаре больше 30 лет и поддерживал музей с момента его создания. Собрание фон Вакано обладает особенной ценностью, часть его предметов находится в Государственном Эрмитаже, часть — в Самарском художественном музее.
Матвей Казаков и допожарная Москва
5.12.2018-10.03.2019
Государственный музей архитектуры имени А.В. Щусева
Матвей Казаков – выдающийся русский архитектор, один из основоположников русского классицизма и самый известный представитель русской псевдоготики. Получая образование в архитектурной школе Дмитрия Ухтомского, он постигал основы архитектуры по трактатам Витрувия, Палладио и Виньолы. Казаков впитал любовь и к древнерусскому зодчеству. Он оттачивал свой талант упорным трудом и глубоким изучением работ своих предшественников. Так сформировалась характерная черта творческого стиля Казакова – сочетание классической и древнерусской архитектуры. Сначала работая под руководством Василия Баженова в Экспедиции кремлёвского строения, к 1786 году Казаков возглавил Экспедицию и фактически стал ведущим архитектором Москвы, подарив ей здание Сената в Кремле, новое здание Московского университета, Дом Благородного собрания, Голицынскую и Павловскую больницы, Петровский путевой дворец, усадьбы Демидова, Губина и Барышникова, и многие другие сооружения, прочно вошедшие в список архитектурных достопримечательностей Москвы.
Подлинные авторские проекты, архитектурная графика, гравюры и серии рисунков Казакова, объемные модели самых значимых зданий – многие материалы будут впервые представлены широкой публике. Особо ценными экспонатами выставки станут хранящиеся в Музее архитектуры знаменитые «Альбомы Казакова». Шесть из них – с чертежами частных строений и семь – с общественными – были созданы под руководством зодчего в рамках и являются настоящей энциклопедией архитектуры допожарной Москвы рубежа XVIII-XIX веков.
Основу экспозиции составят работы из фондов Государственного музея архитектуры имени А.В. Щусева, а также графические материалы из фондов Государственного исторического музея, Государственного музея изобразительных искусств имени А.С. Пушкина, Государственного Эрмитажа, Государственного Русского музея, Научно-исследовательского музея Российской академии художеств, Всероссийского музея А.С. Пушкина, Российского государственного исторического архива и Российского государственного архива древних актов.
Сложные объятия
07.12.2018-10.01.2019
Мы живем в эпоху, когда «личное» выходит за пределы интимного, дневникового и становится предметом товарных отношений, а также предметом контроля и рычагом давления во внутренней и внешней политике. Государства утверждают законы, согласно которым цифровая информация о гражданах должна физически храниться на территории страны.
Пьяный пост с вечеринки в фб, приведет за собой таргетированную рекламу. Данные о наших передвижениях и переживаниях в сети изучаются и могут спровоцировать вполне реальные последствия. Наши увлечения и пристрастия в цифровом пространстве теперь являются объектом статистики. Защищенность личного пространства в интернете — миф.
Игорь Самолет предъявляет личную переписку из мессенджеров, в которой затрагиваются личные и социо-политические проблемы. В комментариях он избегает надуманной глубины и «правильной» позиции. Это позиция, которая формируется на бегу — как у большинства из нас. Автор не стесняется быть смешным, неосведомленным, оставлять ошибки в своих текстах. Это делает его близким духу времени, где мы в ловушке агрегаторов новостей, использующих нейронные сети, где достоверность — художественный вымысел, а ошибка — часть убеждений. Ирония не дает автору поделить мир на черное и белое, залипнуть в унынии. И он спешит на свидание, скролля на ходу новостную ленту.
На выставке будут представлены объекты на основе скриншотов личной переписки автора.
EXTENSION.ISRAEL: Свечения
04.07.2018-10.01.2019
Галерея «Триумф» совместно с Израильским культурным центром «Натив» и Посольством Государства Израиль в РФ представят выставочный проект современных израильских художников «EXTENSION. Israel: Свечения», в который вошли работы 11 художников разных поколений. Публика увидит живопись, скульптуры, видео, инсталляции и цифровое искусство Авнера Бен-Гала, Эйтана Бен Моше, Бена Вадлера, Тсиби Гева, Дора Геза, Керен Йеала-Голан, Даниэла Кикзалеса, Карама Натура, Хиллель Романа, Омера Шейзафа, Эстер Шнайдер. Куратором выставки выступил Рой Бранд — доктор философии, куратор Израильского павильона на Венецианской биеннале (2014). В рамках выставки при поддержке Музея современного искусства «Гараж» будет организована образовательная программа.
Сегодня мы переживаем отнюдь не самые светлые времена, и лишь единицы все еще верят в движение вперед или хоть какое-то движение вообще. По большей части мы пребываем в прострации, блуждаем, ждем пока случится нечто, хорошее или плохое, хоть что-то. Современная жизнь - это не столько существование в живом настоящем, сколько выхолощенное ожидание, отсрочивание, бесперспективное откладывание. Мы попросту тратим время впустую.
Нет крупных светил, но есть слабо мерцающие в темноте свечения, проблески надежды, мимолетные моменты радости. Которые возникают, трепещут и тут же растворяются. Свечения могут, словами Вальтера Беньямина, образовывать «созвездия», подобно померклым созвездиям на небе, в которых мы узнаем фигуры и которые принимаем за знаки. В настоящий момент это все, чем мы можем довольствоваться, а задача, вверенная сегодня искусству, — продлить жизнь этих свечений в виде шифров.
Представьте разницу между мощью огней Нью-Йорка или Москвы, наблюдаемых из космоса, и мельтешением светлячков, различимых только в самой отдаленной глубинке. Представьте разницу между прожекторами, освещающими рекламные щиты или знаменитостей (тоже именуемых звездами), и скромными свечками, зажигаемыми в квартирах на в день рождения или на Хануку. Блистательный свет, удел городов и лидеров, таит многие обещания, но на деле дает немногое. А надежду может разжечь только самый крохотный огонек, осветивший один зыбкий момент.
К таковым относятся работы в «Свечениях»: раздробленные, изломанные, подавленные и все же пробивающиеся сквозь непроглядный мрак зимы или завесу ночи. Когда наши глаза и сердца приспосабливаются к восприятию тихого, сдержанного, медленно текущего — в противовес оглушающему действу, доминирующему сферу общественного — экспозиция начинает вибрировать в движении.
Произведения искусства на выставке представляют собой объекты, излучающие свет, источник которого заточен внутри них и непрестанно продолжает лучиться надеждой. То есть потенциал искусства, особо актуальный в наши дни: искусство способно оберегать факел надежды, выживать во времена отупения, сохранять частички души человечества для будущего процветания. Художники уподобляются древним философам и монахам, несущим в мир мудрость, поступательно, по крупице в каждой отдельной рукописи или беседе. Искусство не может разом изменить весь сегодняшний мир, но может создавать небольшие анклавы энергии и жизни, которые сопротивляются мейнстриму. Это, конечно, не триумфальные и героические деяния модернизма с его громкими утопическими идеями, но и не пораженчество. «Свечения» воплощают форму действия, устремленного в будущее, которое мы еще не можем помыслить.
Рой Бранд
ARAKI.Чудовищный рай
8.12.2018-3.02.2019
Галерея RuArts совместно с Европейским Культурным Центром Россия представляет персональную выставку одного из самых провокационных и дерзких культовых фотографов, получивших мировую известность, Нобуёси Араки.
Нобуёси Араки родился в 1940 году в Токио и получил широкую известность благодаря провокационным эротическим фотографиям. Начиная с 1960-х годов Араки открывает новый жанр «личной» фотографии, сюжетом которой становятся его внутренние переживания и отношения с другими людьми и вещами. С присущей ему неуемной креативной энергией, Араки фотографирует умирающих людей, разрушающиеся здания, увядающие цветы, а с другой стороны – портреты молодых людей, пейзажи Токио, женщин и роскошные букеты. Реальность и выдумка, Эрос и Танатос, сосуществуют на равных правах в искусстве фотографа. Гармоничная связь противоположностей и составляет самую суть фотографии, с точки зрения Араки.
«Рай» – важнейший сюжет для Араки. После смерти жены Йоко, Нобуёси фокусируется на его «райской» сюжетной линии и снимает несколько серий, включая и последний завершенный проект «Чудовищный рай».
По существу, рай - это иной мир. Рай, как я всегда говорю, наполовину ад. С насилием и жестокостью. Без ада нет рая. Нобуёси Араки.
Натюрморты из серии «Чудовищный рай», представленные в RuArts, экспонируются впервые. Дикие джунгли, где таятся опасность и соблазн, боль и блаженство, жизнь и смерть. В каждом снимке чувственная эстетика оттеняется неизбежностью конца. При более внимательном созерцании кожа сливается с листьями, губы с цветами, фон пропитывается кровавым эротизмом. Всего на выставке, организованной совместно с Европейским Культурным Центром – Россия, представлено более 50 фотографий.
Экспозиция также дополнена видео, в котором Араки запечатлел «чудовищную» динамику Токио, созданную сотнями людей на одном из известнейших перекрестков Сибуя. В удивительном, переполненном Токио, бегущие на перекрестке люди с высоты кажутся фотографу маленькими монстрами. Араки нравится эта энергия противоречий в цветущем Токио. Уже будучи знаменитым, Араки не ездит на автомобиле, а все еще пользуется метро, он любит быть среди людей, в городской эмоциональной путанице и хаосе.
Специальное издание, выпущенное к выставке, содержит в себе всю серию фотографий из проекта «Чудовищный рай», а также историю создания этого проекта.
Хрупкие вещи
4.12.2018-28.12.2018
Проект «Хрупкие вещи» — коллективная выставка художников, работающих с глиной и керамикой. Западная история культуры вплоть до конца ХХ века относила произведения из глины преимущественно к области декоративно-прикладного искусства и определяла их ценность, в первую очередь, с точки зрения антропологических открытий или мастерства технического исполнения. С позиции современной художественной мысли подобное разделение кажется устаревшим. Сегодня керамика — открывая широкое пространство для экспериментов, — все чаще становится частичным или основным направлением практики многих актуальных художников, утверждая себя в качестве равноправного медиума современного искусства.
Работы, представленные на выставке, «хрупкие вещи», также не являются чествованием керамики как жанра в себе, но представляют собой рассказ о предметах и памяти. Морис Хальбвакс — один из первых исследователей исторической коллективной памяти, писал: «Наше материальное окружение сохраняет в себе отпечаток нас самих и других людей. Наш дом — мебель и ее расстановка, интерьер комнат, напоминают нам о родных и друзьях, которых мы часто видели здесь». Следуя его теории и оглянувшись вокруг себя, легко найти предметы, обладающие особой ценностью и символическим смыслом, которыми их наделил владелец. Рассматривая их, прикасаясь к ним, мы можем воскресить в себе воспоминания об историях из личного прошлого, или, наоборот, наделить историями сами объекты, обнаружив в них отражение коллективной памяти.
Ты, только после
6.12.2018-27.01.2019
Второй выставкой галереи сцена/szena станет соло проект художника Антона Кушаева. В экспозицию выставки войдут работы, выполненные в различных техниках: живопись по латуни и ткани, фотография, керамические объекты и скульптура.
«Антона Кушаева я заметила в 2017 году на его выставке в проекте Старт на Винзаводе. И тогда меня удивила многоплановая интенсивность его искусства. Сейчас, по прошествии времени, эта самая «концентрированность» усилилась, что особенно выделяет Кушаева в среде художников его поколения. Каждую работа с проекта «Ты, только после» можно рассмотреть как закодированное изображение архива символической культуры. Это эстетически выверенная и интеллектуально насыщенная игра с потерянными смыслами», - комментирует выставку куратор галереи Анастасия Шавлохова.
В новом проекте Антон Кушаев обращается к вопросу отсутствия человека в живописном контексте, к теме сакрализации оставленного «реквизита» после исчезновения человека. Один из основных образов в новой серии работ – фигура собаки, которая несет в себе максимальный след человеческого. Собака – очеловеченное животное, которое все же остается животным в вечном ожидании «хозяина». Фигура героя на работах отсутствует и сам набор предметов на это указывает. Так или иначе «отпечаток» человека можно заметить практически на всех произведениях. В качестве указания на это потенциальное человеческое художник предлагает только реквизит: каркасы, стул и пьедестал как предмет на который воздвигают ту или иную вещь, придавая ей статус реликвии или памятника.
«Меня заинтересовал мотив отсутствия человека в картине. Вся музейная живопись переполнена этим присутствием, являя нам бескомпромиссный диктат «человеческого». Животные в картине всего лишь атрибуты или предметы интерьера живущего в нем человека. Мотив исчезновения героя, человеческой фигуры и одновременно постоянное напоминание о телесном (стул) по моему мнению соединяет разрозненный коллаж образов и предметов в некий галлюцинаторный бред мерцающий вне человеческого разума». Антон Кушаев
Когда искусство становится частью ландшафта. Часть III
5.12.2018-24.02.2019
Выставка является заключительной частью проекта «Когда искусство становится частью ландшафта», придуманного художником Евгением Антуфьевым и куратором Светланой Марич. Первая часть цикла открылась в июне 2018 года в Палермо, в рамках международной биеннале современного искусства Manifesta; вторая — в филиале Российской академии художеств Музее-мастерской С. Т. Коненкова. В третьей части цикла, подготовленной для МАММ, Евгений Антуфьев обращается к работам одного из ведущих представителей «неофицального» искусства Дмитрия Краснопевцева. Краснопевцев редко выходил на авансцену художественного процесса, но сегодня его произведения заняли прочное место в музейных и частных собраниях.
Другой лес
4.12.2018-24.01.2019
ARTIS GALLERY представляет выставку «Другой лес», участники которой – молодые художники Антон и Алексей Твороговы, Георгий Точечник, Федора Акимова и Иван Хрящиков переносят зрителя в атмосферу колдовского сюрреалистического леса, воплощенного в новой необычной форме.
Федора Акимова продолжает серию мистических работ «Лес», в которой размытые пейзажи средней полосы заселены необычными лесными существами, вышитыми на холсте. Федора – одна из немногих в России, кто использует подобную технику.
Гоша Точечник показывает работы, где мифология творческого мира художника отзывается в глубинах бессознательного, выраженного в форме загадочных тропических лесов.
Лес в новой серии работ братьев Твороговых – насыщенное цветами, манящее фантастическое царство, существующее по собственным волшебным законам.
Художник Иван Хрящиков представляет настоящие карамельные растения, в которых воплощено его видение причудливой лесной флоры.
Художники ARTIS GALLERY выражают свое видение леса как особого пространства, находящегося на границе мира реального и иллюзорного, обыденного и таинственного, повседневного и фантастического.
Спокон веку художники писали лес и все, что с ним связано. Всякое время по-новому открывало им глаза на эту тему, давало новые краски и новые смыслы. Вековые тайны природы, ощущение первозданности и одновременно бесконечности, загадочность и магия, чувство былинного прошлого и, словно на машине времени, его трансформация в далекое будущее – все это в той или иной степени отражено в работах, представленных на выставке «Другой лес».
4-ый Аукцион искусства уличной волны
4.12.2018
4 декабря в галерее RuArts в четвертый раз состоится Аукцион искусства уличной волны. Инициатива принадлежит Фонду содействия развитию современного искусства RuArts и творческому объединению «Артмоссфера» — организаторам одноименной Биеннале искусства уличной волны. По итогам продаж традиционно будет учрежден грант для уличных художников.
Среди лотов аукциона, не имеющего аналогов в России — работы самых активных и известных российских художников уличной волны, таких как Дмитрий Аске, Иван Найнти, Кирилл Кто, Марат Морик, Zoom, Алексей Luka, Евгений Muluk, Вова Nootk, 0331С, Анатолий Akue, Артем Стефанов, команда «Той» и арт-группа Zukclub и других. Зарубежных авторов с бэкграундом в уличном искусстве представляют: испанский художник 3ttman, известный участник шведской граффити-сцены Finsta, легендарная граффити-команда из Германии 1UP и другие. Большинство работ были созданы летом 2018 года в ходе арт-резиденций и приняли участие в основном проекте Биеннале искусства уличной волны «Артмоссфера», а также в проекте Алексея Партола «Части стен 2».
Предаукционная выставка работает с 18.00
Старт аукциона: 20.00
Каталог здесь.
Вариантология звука
4.12.2018-10.12.2018
Школа Фотографии и Мультимедиа им. Родченко
Выставка «Вариантология звука» — первая в запланированной серии экспозиций. Основой для серии выступили исследования Андрея Смирнова в области медиа-археологии и звуковые работы художников, учащихся Школы Фотографии и Мультимедиа им. Родченко.
Объединяющий лейтмотив выставки — взгляд на искусство звука с точки зрения медиа-археологии и вариантологии культуры, опирающихся на философию Мишеля Фуко («Археология знания»), напоминающую о неизбежных скачках и разрывах в развитии культуры. Задача медиа-археологии найти в «информационном мусоре» прошлого «формы и тактики видения будущего».
Пространство выставки включает в себя анархив музыкальной технологии и результаты исследования, представленные в виде воссозданного «Звукового кристаллизатора» (1939) ныне забытого изобретателя Хавкина, «выкристаллизовывающего музыку тех явлений, которые ежесекундно нас окружают», отвергнутого экспертами и нереализованного при жизни автора. Это был, казалось бы, совершенно невозможный пример музыкального экспериментализма в эпоху соцреализма, предвосхитивший концепцию найденного звука (found sound) Джона Кейджа и многие работы его легендарного последователя Элвина Люсье.
Впервые в пространстве Школы будет представлена октофоническая «галерея звука», включающая ретроспективу акусматических работ участников курса Андрея Смирнова «Звук для продвинутых». Специально для данной экспозиции в новой Лаборатории Звука Школы Родченко созданы композиции в многоканальном формате.
Куратор: Андрей Смирнов
Координаторы: Мария Молокова и Василий Сумин
Вася Хорст| Дикий Пляж
6.12.2018-25.01.2019
«Кто сказал, что пляж — это обязательно красивый вид через
тенистые пальмы, теплый и влажный песок на бескрайнее синее море?
Ведь пляж может быть вполне и диким с видом на забытое озеро,
протянутыми через него ЛЭПами, и раскинувшимся на горизонте химическим комбинатом. А, может быть, решетчатая крыша сталинского «дома на набережной»
с видом на построенный Дворец Советов, прекрасное место для утреннего пикника.
Живописная тема проекта близка ОСТовскому состоянию единения тела и промышленной природы. Фактура кожи, ткань купальника, распущенные волосы накладываются коллажем на ритм заводских корпусов, металл опор ЛЭПов, густую, покрытую грязью и шлаком листву.
Тонкие силуэты купальщиц уживаются с тонкими силуэтами Москвы. Длинные
бесконечные панорамы города задают ритм отдыхающим на крыше.
Еще одна пластическая тема проекта «Новый город» — неизвестное место,
своеобразный «город зеро», в который нет входа, и откуда нет выхода.
Место, в котором есть только один дикий пляж»
Вася Хорст
Денис Патракеев| Целение / SOTERIA (σωτηρία) 2018
6.12.2018-25.01.2019
«Что если: весь видимый, чувственный мир, на деле символ мира невидимого, мысленного? Если духовный мир, источник знаковости, а мир, в котором мы живем, —мир знаков? Человечество в таком ключе представляет собой организм Бого-человеческий, а культура, во всей своей полноте является кровью этого организма. Что будет с кровью если она забудет о сердце, если потечет прочь. Что если: искусство объединяет всего человека, как смысл слова буквы отдельные. Что будет со смыслом если разделяться буквы, распадется слово? Не к этой ли памяти смертной призвано взывать порождение образов?
Греческое слово «soteria», означает обретение целостности. Корень этого слова so. Прилагательное – sos, то есть «целый, целостный». Отсюда изначальный смысл слова soteria – «целение, дарование целостности». Соответственно, слово Soter, известное как «Спаситель», есть «целитель, дарующий целостность».
Символическая притча, имеет два входа, два мерила восприятия-время и вечность и только один: поворотный угол, рассеченный узел, вершину, брачный пир, между равно взывающих к свободной воле сил».
Денис Патракеев
Вика Бегальская, Александр Вилкин | Перо
6.12.2018-25.01.2019
Новый проект молодых художников рассказывает о процессе производства законченного произведения искусства. По словам художников, в экспозицию войдут «как эскизы, так и вполне законченные графические листы , которые предшествовали самой картине, в которых шли поиски (формальные, образные и т.д.). По сути задача проекта очень проста: помимо показа самого живописного полотна как некоторого конечного образа показать рабочий материал как процесс возникновения, приобретения формы, массы и тела, показать временные акценты, промежуточные стадии, которые одновременно могут прочитываться как самостоятельные явления».
Двойная реальность
6.12.2018-10.02.2019
Музейный центр «Площадь Мира» (Красноярск)
В Красноярск привезут выставку «Николай Касаткин. Двойная реальность», которая является самой масштабной экспозицией произведений Касаткина за пределами Москвы. Выставка организована Музейным центром «Площадь Мира» при поддержке галереи pop/off/art, эксклюзивно представляющей художника. Куратор выставки – Сергей Ковалевский.
Николай Касаткин – классик современного искусства, один из старейших активно работающих сегодня художников поколения «шестидесятников». Его деятельность связана с московским андеграундом, со становлением современного искусства в Советском Союзе. Уникальность искусства Касаткина заключается в том, что он переосмысливает традиционные формы отечественной живописи, а точнее – реалистическое направление в русском искусстве. Иногда его искусство называют «концептуальным» или «радикальным реализмом». Сложносоставная реальность его произведений многослойна и подразумевает сосуществование разных миров и пространств, что отражено в названии выставки. На выставке будет представлено более 70 живописных работ из ключевых серий художника из частных коллекций и собрания автора, в том числе новые, впервые экспонирующиеся произведения, а также графика и объекты.
В Красноярске начнется турне выставки по художественным музеям крупнейших городов России, в числе которых Пермь, Тюмень, Нижний Новгород, который будет продолжаться на протяжении 2019-2020 годов. Предыдущие значительные персональные выставки Касаткина проходили в Государственной Третьяковской галерее и Новом Манеже в Москве в 2015 году.
Координаты
7.12.2018-9.12.2018
Центр Творческих Индустрий “Фабрика” и студенты Школы современного искусства “Свободные мастерские” ММОМА представляют выставку “Координаты”, открытие которой состоится 7 декабря в 19:00. “Координаты” являются дебютным проектом курса 2018-2019 года.
Каждый художник создает вокруг себя персонализированную среду. Одновременно с этим он вынужден встраиваться в художественное сообщество и в общую систему координат, следуя заданным векторам. Однако этот процесс может оказаться чистой случайностью.
Все элементы пространства существуют в заданной системе координат. Если по оси Х выстроить мир субъективный, мир желаний, страстей и стремлений, то на оси Y будет мир объективный – реальность, которая влияет на художника и изменяет его.
Кураторы выстроили на плоскости стены условную сетку координат и разместили на ней работы 60 художников-студентов. Грандиозный коллаж длиной 5 метров представляет художественную метафору математического метода. Работы, расположенные в непосредственном контакте друг с другом, демонстрируют многообразие художе ственных подходов и взаимосвязи между ними.
“Самоорганизация – прекрасный способ объективизировать собственное творчество в контексте актуальной художественной среды”, – считает Дарья Камышникова.
Кураторская группа:
Поля Бульба, Анастасия Вавилова, Дафна Зайцева, Елена Иванова, Маргарита Кривошеева, Кира Луцишина, Елизавета Фокина, Ольга Яковлева.
Список художников:
Ева Арей, Маргарита Бочарова, Ольга Буева, Поля Бульба, Анастасия Вавилова, Александра Вар, Дарья Ган, Татьяна Гостева, Мария Гришина, Наталия Гудович, Наталья Демчук, Анастасия Денисова, Абрам Дикой, Евгения Дудникова, Елизавета Елисеева, Алексей Журавлев, Михаил Зражевский, Марина Ивашко, Рома Казус, Вероника Калачева, Анна Калинкина, Адонай Каф, Виктория Квочур, Катя Кисельчик, Екатерина Корчагина, Ирина Кошелева, Анна Кузнецова-Смертина, Александра Курьянова, Ева Лиллова, Лена Липатова, Маша Лыкова, Анна Маторина, Ирина Мурашова, Виктория Мурити, Александр Наледин, Мария Неверова, Мария Орлова-Атрошенко, Татьяна Почтенная, Максетт Прибылов, Полина Родригес, Мартин Сабети, Дмитрий Садовский, Анастасия Свириденко, Александр Соколов, Гаянэ Тавакалова, Александр Тарасенко, Елена Тимошенко, Лиза Токарева, Елизавета Фокина, Василий Харьюзов, Юлия Ходневич, Анна Шагалина, Даниил Шатров, Никита Ширяев, Влада Штромбергер, Алиса Эмке, Елена Ямлиханова, Sonya Dreamin, Soniku.
Лекторий пылающих сердец
04.12.2018-13.01.2019
Специальный проект поддержки молодого искусства СТАРТ в сезоне 2018/2019 празднует 10 лет. Второй выставкой юбилейного сезона станет Дарьи Абдуллиной под кураторством Николая Смирнова.
«Лекторий пылающих сердец» – первый проект Дарьи Абдуллиной. Он отталкивается от понимания искусства как нематериальной деятельности по созданию опыта зрителей и их общей ситуативной социальности, организованной вокруг проводимых художником лекций. Однако, он несколько парадоксально пытается вернуть образы и содержание в описанную логику.
Для своего первого персонального проекта Дарья организует лекторий, где перформативно представляет свои нарративы для всех желающих. Художнца не производит явной концептуальной деконструкции или анализа нарративной формы. И кажется, что ее истории никак не связаны с актуальной общественной ситуацией. Однако, у ее деятельности есть другая сторона, которая представлена в небольшой комнатке за лекторием. Это гримерка, кабинет, или архив. Здесь Дарья немного приоткрывает зрителям мотивацию создания образов и размышления, стоящие за ними. О том, что мир – это торт. О его бьющейся сердцевине, которая важней, чем картинка. О том, что художники проигрывают музыкантам и о том, что для многих товарищей Дарьи по искусству ключевой вопрос состоит в том, как делать искусство, и это, к сожалению, становится важней, чем само искусство. И своими работами Дарья реагирует на этот факт.
Происходит мягкое впускание желающих внутрь поэтических авторских механизмов. Это в очередной раз демонстрирует очевидный, но часто игнорируемый факт, что процесс создания образа гораздо сложней взаимодействует с окружающей действительностью, чем прямые причинно-следственные связи. А процесс выработки социального или общего, столь необходимый для построения сообщества, не обязательно должен базироваться на прямом обсуждении социальных и политических тем.
И здесь любой мнимо-замкнутый образный мир становится чем-то большим, чем нерефлексивная репрезентация. Он может выступать центром самоопределения ситуативного сообщества или даже следовать утопической логике инструментализации искусства в борьбе за улучшение общества путем предъявления ему желаемых идеалов.
Лекции будут проходить по субботам в 18:00 на площадке СТАРТ.
Темы лекций (могут повторяться):
1. Лекция про рай + мастер-класс по общению с умершими художниками
2. Вопросы клоунской идентичности. Почему я клоун?
3. Определение дельфина по простым признакам (как понять, что вы дельфин)
4. Проблемные моменты в истории пылающих сердец
Новый год
6.12.2018-19.01.2019
В нашей галерее давно стало традицией под Новый год устраивать в подарок себе и друзьям «Розы Азора» выставку художника Дины Хайченко.
Каждый декабрь из Петербурга в Москву едут коробки, наполненные маленькими людьми, зверями, самолётами, велосипедами, автомобилями, домиками и даже дворцами! По прибытии в галерею эти игрушки любовно развешивают по заранее расставленным ёлкам, гвоздикам, набитым в стены и потолок, расставляют по комодам и столикам, лампы включают в розетки, и — свершается чудо! Галерея превращается в декорацию, а все счастливо улыбающиеся служащие и посетители галереи — в персонажей сказки, в очередной раз придуманной и разыгранной талантливым художником Диной Хайченко!
Эти работы — растопят сердце любого, самого заядлого скептика. В этом и есть Динин редкий и редкостной доброты талант, заставляющий людей забыть про всё на свете и снова стать восторженными детьми.
В этот раз художник привезёт с собой персонажей и образы своего родного города — Санкт-Петербурга. Петербург — это город-декорация. Петербург сопротивляется погоде — это создаёт напряжение. Каждый день постоянно происходит как бы новый спектакль — ты каждый раз замечаешь новые детали, как в каждом новом спектакле, и это вызывает удивление. Свет очень важен в театре: тени меняют выражения у домов, поэтому здесь много вариантов можно выбирать, кем населить сцену.
Uncertain Praxis
4.12.2018-15.01.2018
По окончанию первого учебного года во «Внутренней школе открытых исследований», междисциплинарного художественного проекта, посвященного изучению взаимодействия частиц во времени и пространстве, была проведена летняя домашняя работа в арт-резиденции галереи Aperto Raum (Берлин).
Итогом занятий стала серия из 123 коротких видеороликов необязательных экспериментов без сформулированной задачи. Методичная практика как прием искоренения смысла сообщения. Формальной основой процесса стал перенос отобранных элементов графического языка прошлых сессий школы в физическую форму, с соответствующими характеристиками физических тел. По окончанию работ результаты были представлены документальной выставкой.
Для второй части демонстрации проекта в галерее 11.12, набор элементов Uncertain Praxis будет дополнен материалами анализа полученных ранее результатов, а также строению самой поп-ап лаборатории. Соединение медиумов, диалог форматов, разворачивание пространства, возможность рассмотрения, предчувствие смысла.
Все палитры попадают в рай
5.12.2018-13.01.2019
4 декабря в Центре современного искусства Винзавод в Цехе Белого откроется совместная выставка художника галереи pop/off/art Владимира Потапова и художника галереи 21 Владимира Дубосарского. Она продемонстрирует две различные модели работы с современной живописью: каждый из художников в своей манере обращается к темам опыта, памяти, времени, задействуя обширный арсенал художественных языков и техник. Владимир Дубосарский включил в экспозицию три серии работ, каждая из которых создана специально для выставки на Винзаводе. В их числе крупномасштабный триптих «Девушка, освещенная солнцем» и две серии, балансирующие между фигуративом и абстракцией – «Стволы» и «Фактуры». Центральное место в его работах занимает образ.
Серия Владимира Потапова включает около трех десятков работ. В ней автор экспериментирует с техникой создания многослойного изображения: образы из старых снимков проступают как фантомы сквозь множество слоев акриловой эмали. Живописные наложения становятся материализованной метафорой памяти. Для Владимира Потапова на передний план выходит картина как таковая, в её пространственной многомерности. В экспозицию вошла самая популярная серия художника последних лет – «Внутри». «Память – это проекция времени в её нелинейном выражении» – говорит художник.
По словам Владимира Дубосарского, его интересует «гибридная живопись», открытая любым языкам и материалам. Ставя себе те или иные задачи в рамках проекта, художник волен дрейфовать в этом многообразии, ускользая от формулировок. В широком диапазоне возможностей современной визуальной культуры Дубосарский видит путь к свободе высказывания.
Рисунки на полях
4.12.2018-15.12.2018
Метод Александра Повзнера прост и узнаваем – в своих рисунках художник совмещает несовместимые элементы, изображает знакомые предметы и явления в тех конфигурациях, которые не свойственны им за пределами выставочного пространства. Повзнер известен как скульптор, но его графику едва ли стоит воспринимать как эскизы или подготовительные наброски к трехмерным работам, с которыми они все же время от времени пересекаются. Художник аккумулирует образы, множит образные миры, тестирует их подвижность и выживаемость, но не ставит на службу конкретному проекту, не объединяет в циклы и не предполагает для них никакой иной концептуальной нити, кроме предпочитаемой изобразительной стратегии, а также своеобразной жизни в рисунке. В случае выставки в Галерее XL – той жизни, что вместилась в два года, прошедшие с момента последней графической экспозиции художника в Москве, организованной в 2016 году в рамках программы Елены Селиной «Только бумага» в галерее «Пересветов переулок».
Валерий Леденев
-
