События 3 - 9 июня
Место под солнцем. Беньков/Фешин
5.06.2019-24.09.2019
5 июня 2019 года в Музее русского импрессионизма открывается выставка «Место под солнцем. Беньков/Фешин». Спустя более чем 90 лет, работы талантливых художников, друзей и коллег, чью жизнь на «до» и «после» навсегда разделила эмиграция, снова будут представлены вместе.
После гражданской войны, пережитых потрясений, болезней, голода и тотальной неустроенности Павел Беньков и Николай Фешин искали свое место под солнцем, где могли бы свободно творить. Фешин эмигрировал в Соединенные Штаты, а Беньков, оставшийся на родине, нашел спасение в Узбекистане. Новая выставка расскажет о том, как сложились судьбы художников после нелегкого выбора: уехать или остаться. Чье решение оказалось верным – зритель должен будет определить сам.
На новой выставке в Музее русского импрессионизма Восток встретится с Западом. Весенние акации Самарканда окажутся рядом с шумными волнами калифорнийского побережья. Восточные базары и минареты старой Бухары – рядом с сочными натюрмортами и жанровыми сценками в нью-йоркских квартирах. Традиционный уклад узбеков на фоне хаузов с питьевой водой и городских каналов-арыков – рядом с контрастным, колоритным бытом индейцев Америки.
В проекте принимают участие Государственная Третьяковская галерея, Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан, Государственный музей искусства народов Востока, Музей Российской Академии Художеств (НИМРАХ), Козьмодемьянский культурно-исторический музейный комплекс. А также 10 частных коллекционеров. К выставке будет выпущен каталог «Место под солнцем. Беньков/Фешин» с обзором творчества художников, научными статьями искусствоведов и историков. А сам проект откроется за несколько месяцев до юбилея Павла Бенькова – 140-летия со дня его рождения.
Магия Мецнер
6.06.2019-1.09.2019
Центр фотографии имени братьев Люмьер
Центр фотографии имени братьев Люмьер представляет ретроспективу выдающегося американского фотографа Шейлы Мецнер, работы которой впервые будут представлены в России. За свою 50-летнюю карьеру Шейла собрала внушительное портфолио: от портретов знаменитостей, среди которых Ума Турман, Дэвид Линч, Мила Йовович, Тильда Суинтон и Ким Бейсингер, и фотографий для модных глянцевых журналов, таких как Vogue, Tatler и Vanity Fair, до натюрмортов и пейзажей.
Несмотря на такое разнообразие жанров, работы Мецнер объединены легко узнаваемым авторским стилем. Шейла находит вдохновение в самой жизни: окружающих ее людях и предметах, своей семье, мимолетных впечатлениях и ощущениях. Шейла создает глубоко личные, чувственные, изящные и завораживающие образы. В позах моделей, насыщенных глубоких тонах и мягком фокусе угадывается влияние фотографии XIX – начала XX века, пикториализма, работ Эдварда Стайхена, Альфреда Стиглица, Ман Рея и живописи Караваджо и Рембрандта.
Выставка в Центре фотографии имени братьев Люмьер познакомит зрителя с уникальным стилем Шейлы Мецнер, необычной эстетикой ее фотографий и покажет всю широту ее творческой работы. В экспозиции будет представлено около
100 работ автора, начиная с самых ранних кадров 1970-х годов, заканчивая фотографиями 2000-х: портреты семьи, натюрморты, пейзажи, съемки для модных журналов и портреты знаменитостей.
В рамках выставки пройдет встреча с Шейлой Мецнер, на которой она расскажет о своей жизни, творческом пути и источниках вдохновения.
Проект реализован при поддержке Посольства США в России.
Recycle Group Blocked Content
8.06.2019-18.08.2019
ЦСИ Типография (Краснодар)
Центр современного искусства «Типография» представляет проект Recycle Group Blocked Content, впервые показанный в павильоне России на Венецианской биеннале современного искусства в 2017 году. Выставка посвящена свободе информации в интернете и жизни человека в виртуальном мире и социальных сетях.
из текста Екатерины Щербаковой, со-куратора павильона России на 57-й Венецианской биеннале современного искусства"Blocked Content разворачивается в двух измерениях — в пространстве выставочного зала и в дополненной реальности приложения Recycle Group.
На протяжении нескольких лет участники Recycle Group размышляют над феноменом виртуального мира. «Можно ли считать, что сеть обещает бессмертие пользователю?» — задаются вопросом художники Андрей Блохин и Георгий Кузнецов. Вдавленные в интернет пространство онлайн-портреты продолжают существование в независимости от того, пользуется ли аккаунтом создавшая его персона. Однако вечная виртуальная жизнь обещана только праведникам сети. Ослушавшихся машина заблокирует: к ним относятся спаммеры, сквернословы, самозванцы, притворщики, навязчивые продавцы товаров и услуг. За этим последует вечное пребывание в виртуальном аду, информационном ничто, белом шуме без репостов и лайков. Получить индульгенцию невозможно, алгоритм считывает нарушение и блокирует профиль.
Проект Recycle Group Blocked Content — визуализация виртуального ада, граничащая с абсурдом. Попав в черный куб, он же черный квадрат в третьей степени, зритель сталкивается с неосязаемым — заблокированной информацией. Запрещенное содержимое или просто наложение друг на друга всех картин мира? Единица или ноль? Или, возможно, абстрактная универсальная величина? Blocked Content — это одновременно все и ничто, спрессованные карты нового виртуального мира".
Поэма о смыслах
6.06.2019-28.07.2019
Выставочный проект Азама Атаханова «Поэма о смыслах» пройдёт в галерее ARTSTORY с 6 июня по 28 июля 2019г. Посетителей ожидает яркое, красочное, но при этом полное философских аллюзий, путешествие в завораживающий своей красотой мир. Предстоит встреча не только с виртуозным живописцем-колористом, обладающим неподражаемым чувством цвета, но также с поэтом и мыслителем. Атаханов – художник, синтезирующий в своём творчестве культурные традиции персидского Востока, русского авангарда и европейского Ренессанса, показывает иную, метафизическую сторону реальности, лишь внешне подобную окружающей действительности.
Для художника наиболее важными категориями живописи являются цвет и пространство: его интересуют насыщенность цвета, верно найденный тон, его «звучание» в картине. Источником вдохновения мастер называет красоту природы и человека в ней; всё то, что созидается человеком: произведения искусства и архитектуры, поэзия, сады и селения, жилища и предметы народного творчества, и, конечно, музыка.
Название выставки в галерее ARTSTORY «Поэма о смыслах» отсылает нас к труду Руми, великого персидского поэта-суфия. Художник, вкладывая философский смысл в свои произведения, всегда предлагает подумать о главном, о вечном и неслучайном.
Юрий Шабельников. Конец фильма (вторая часть)
6.06.2019-23.06.2019
Галерея Maxim Boxer (Перелетный кабак)
Если сегодня заняться изучением истории кино, даже совершенно поверхностно, можно обнаружить, что этот вид искусства из чуда научно-технического прогресса и забавного аттракциона в начале своего рождения превратился основную отрасль поп-культуры и главного властителя умов. Более того, кино, как явление, формирует у публики картину мира, вкусы, идеалы и даже руководство к жизни. И если ранее Голливуд, как законодатель мод в кинематографе, руководствовался установкой на «happy end» и слезы зрительского умиления в финале, то нынче кинофильм уже не хочет заканчиваться и превратился в бесконечный сериал…
Работы Юрия Шабельникова из проекта «Конец фильма» на первый взгляд возвращают зрителя в ретро-эпоху, когда можно было пережить минуты счастья после воображаемых испытаний в мягком кресле кинотеатра. Однако это только на первый взгляд, на самом деле, при внимательном рассмотрении, оказывается, что даже знатоки и любители кино не могут вспомнить ни одной киноленты, где все повествование заканчивалось именно этим финальным кадром, живописную версию которого предлагает нам автор. Может действительно, такого фильма в истории кино никогда не было, а художник Шабельников повторяет печальный опыт самого бездарного режиссера в истории кинематографа, Эда Вуда-младшего? Вполне возможно, «потому что это обман и даром плачены деньги», как говорил Александр Меньшиков. Но очевидным представляется то, что в ситуации, которую предлагает нам автор, зритель может как-бы посмотреть на себя со стороны, когда он, зритель, превращается в окаменевшую игрушку, которая не в силах оторваться от финального зрелища и пережившую страшный катарсис от красивой выдумки. Представляется, что вся эта история конечно не про «Конец фильма», но скорее про минувшие сновидения, утраченные надежды, мечты, идеалы… Ведь даже звезды экрана тех лет, которые уже пребывают на небесах, и портреты которых показывает нам автор, написаны не с натуры, а с архивных фотографий и с обложек старых модных журналов, где изображение местами утрачено, а местами покрыто патиной времени. Невольно вспоминается название легендарного фильма Бернардо Бертолуччи «Ускользающая красота» или «украденная» в английском переводе, впрочем когда и кем, никто до сих пор не знает…
Федор Эйзенштейн-Достоевский младший
Шамаиль
4.06.2019-15.06.2019
Галерея Борей (СПб)
Галерея Борей представляет выставку работ скульптора, заслуженного деятеля искусств Республики Татарстан Винеры Абдуллиной. В экспозиции в Малом зале галереи будет представлена скульптура и графика, представляющая искусство шамаиль, созданная мастером в начале 1980-х–2018 годах.
Шамаиль (ударение на букве «и»; от арабского «оберег», от персидского «портрет», «изображение») в исламе – настенное панно, картина-изречение охранно-ритуального значения. Содержит суры Корана, философские изречения, афоризмы, цитаты из поэтических шедевров Востока, сочетающиеся с орнаментально-живописным фоном.
Выполненные тушью или печатным способом, масляными красками на стекле или холсте, вышитые на полотне, шамаили всегда вывешиваются на видных, почетных местах жилищ и мечетей.
Шамаиль не только особый вид изобразительного искусства, но и своеобразный феномен мусульманской культуры, важная часть религиозно-эстетического сознания. В частности, татарский шамаиль, глубоко проникнув в самосознание народа, стал одним из способов национального самовыражения, и является неотъемлемой частью традиционной культуры Татарстана.
Перерождение
6.06.2019-15.06.2019
«Надо, чтобы ты сжег себя в своем собственном пламени: как же мог бы ты обновиться, не сделавшись сперва пеплом!» - Фридрих Ницше
Перерождение — это новое состояние сознания, взгяд на реальность с нового ракурса. «Переродиться» означает сбросить маски, за которые мы держимся, соединиться с нашей истинной личностью, нашим истинным Я.
Мир не статичен. Все в нем имеет постоянное движение. И даже переработанные элементы могут приобретать новые смыслы. Французская художница-визионер Аурели Лету использует их в качестве основных элементов в своей работе, давая им новую жизнь, раскрывая их внутреннюю красоту и скрытый потенциал.
В каждой серии художница-визионер исследует неизвестные территории, экспериментируя с различными текстурами, основами, элементами и техниками, беря за основу сюжета переработанные элементы: от древесной коры, растительных волокон, тканей, компьютерных микросхем, красной земли до пластиковых отходов, выброшенных на берег океана.
Каждое визуальное путешествие начинается с увлечения определенной текстурой, с расшифровки уникальной истории, которую она хранит и которой не подвластен ход времени.
Различные страны и города, в которых Аурели жила в последние годы, нашли свое отражение в ее работах: это путешествие от Барселоны до Сан-Паулу и Москвы.
Эмоциональные ландшафты картин резонируют далеко за пределами эстетического уровня, демонстрируя высокую степень осознанности и глубокую философскую и духовную рефлексию.
Перформанс-игра «Пастораль»
8.06.2019, 18:00 и 20:30
Малый зал ГЦСИ (в составе «РОСИЗО»)
8 июня в малом зале РОСИЗО-ГЦСИ пройдет перформанс «Пастораль», организованный независимой театральной командой «БАРАБАН» и РОСИЗО.
Четыре исполнителя задействованы в игре по тексту Марты Райцес «4_akt». Пластический перформанс обрамляют пролог и эпилог, а основное содержание представляет собой эксперимент. Участникам предлагается вытянуть одну из 60 карточек, в которых обозначены разнообразные физические действия, дыхательные практики, реплики о теле и взаимоотношениях. Они вытягивают их, а затем исполняют то, что им досталось. Из случайного столкновения контекстов всякий раз получаются новые сюжеты со своими коллизиями, перипетиями, внутренней динамикой и напряженностью. Эпилог становится своего рода ритуальным «танцем-слиянием», где четверо перформеров, переплетясь телами, превращаются в один организм. Перформанс посвящён исследованию сексуальности и человеческих взаимоотношений в контексте стремительно меняющихся этических стандартов, а также восприятию своего и чужого тела в физическом пространстве.
Идея постановки была придумана в августе 2018 года на летней арт-резиденции «БАРАБАН отдыхает», проходившей при поддержке Фонда Михаила Прохорова. Пьесу «4_akt» написала драматург и редактор Марта Райцес, а воплотил в жизнь театральный режиссер, выпускник ГИТИСа Владимир Бочаров. В перформансе задействован: Илья Оши, Алексей Гиммельрейх, Полина Шатохина, Лия Латыпова, Настя Лебедева, Миша Хотеенков.
Художники проекта: Илья Оши, Анастасия Романцова
Sound design: Александр Якуничев, Георгий Котанов
Дом пятнадцати ключей
5.06.2019-21.07.2019
В рамках XI Московской международной биеннале «Мода и стиль в фотографии-2019» Мультимедиа Арт Музей, Москва представляет выставку классика мировой фотографии, революционера и космополита Франка Орвата.
Франк Орват одним из первых сумел объединить fashion- и street-фотографию. Он вывел моделей из фотостудии на улицы, отказавшись от сложного театрального грима и неповоротливых, громоздких камер в пользу удобной и легкой «Лейки». Это стало настоящим переворотом в фотографии моды и оказало огромное влияние на развитие этого направления в ХХ веке.
В 1970-е годы Орват первым начал широко использовать в работе цифровые технологии, с энтузиазмом демонстрируя коллегам и публике возможности, которые «цифра» открывала для профессионального фотографа.
Ретроспективная выставка «Дом пятнадцати ключей» включает 200 фотографий мэтра, отметившего в этом году 91-й день рождения и 71-летие своей творческой деятельности.
В небольшом эссе, посвященном выставке, Франк Орват так комментирует ее название: «Почему ключи? Я нахожусь в том возрасте, когда человек оглядывается назад и пытается найти во всем этом смысл. Мне повезло заниматься фотографией на протяжении более 70 лет, за которые мир изменился больше, чем в какой-либо другой сопоставимый по длительности промежуток времени. Пожить в шести разных странах и посетить еще несколько. Думать, говорить и писать на 4 языках. Сфотографировать множество вещей, используя самые разные ракурсы и техники. Интересоваться вещами за пределами фотографии, например, писательством и выращиванием оливок.
Мой эклектизм имел свои минусы. Некоторые сомневались в моей искренности. Некоторые утверждали, что у моих работ нет собственного стиля, „как будто они сделаны 15 разными авторами“. Поэтому я перебрал все свои снимки (вернее все те, что сохранились) в поиске общего знаменателя. Но я нашел не один, а 15. Которые просматриваются (так или иначе) на протяжении всех этих лет. Я назвал их ключами».
Франк Орват родился в Италии, на территории нынешней Хорватии. В старшей школе увлекся фотографией. Чтобы купить первый простенький фотоаппарат, продал свою коллекцию марок. По словам фотографа, друг убедил его, что камера непременно принесет ему успех у девушек.
После окончания Второй мировой войны Орват изучал изобразительное искусство в Академии художеств Брера в Милане, потом работал дизайнером в одном из миланских рекламных агентств. В начале 1950-х Орват много путешествовал по Франции, Индии, Великобритании и снимал, вдохновляясь традициями итальянского неореализма и репортажами звезд фотоагентства «Магнум». В 1955 году один из снимков этого периода был включен Эдвардом Стайхеном в знаменитую экспозицию «Род человеческий» в Музее современного искусства в Нью-Йорке. Это стало поворотным моментом в карьере Орвата.
По приглашению Black Star Publishing Company Франк Орват отправился в Лондон, где создал целую серию фоторепортажей, тонко раскрывающих особенности английского уклада жизни, соединяющего эксцентричность и крайний консерватизм. Орвату удалось визуально подчеркнуть этот контраст, обнаружить и обнажить гротеск и абсурдность в самых обыденных образах и ситуациях, сообщив им неоднозначность и символичность. Этот прием Орват использовал и в более поздних работах парижского периода.
В 1956 году Франк Орват окончательно обосновался в Париже. Получив работу в легендарном агентстве «Магнум», Орват проработал там всего три года и затем увлекся fashion-фотографией, не забывая использовать в своих съемках приемы и навыки, полученные за годы работы в фотожурналистике. Естественный свет и чистота линий сочетались в его работах с продуманностью мизансцен, которые по воле автора «притворялись» репортажными съемками.
Новаторский стиль Франка Орвата пользовался большим успехом. Он работал с ведущими модными изданиями, среди которых были Jardin des Modes, ELLE и Harper’s Bazaar. В начале 1960-х Орват стал одним из самых влиятельных и высокооплачиваемых молодых фотографов в области fashion-фотографии наряду с такими звездами, как Уильям Кляйн, Хельмут Ньютон, Жанлу Сьефф, Теренс Донован и Боб Ричардсон.
Несмотря на бесспорное признание, Франк Орват никогда не был скован рамками одного жанра. Он возобновил сотрудничество с «Магнумом», создал целую галерею портретов, запечатлев Федерико Феллини, Марчелло Мастрояни, Альберто Моравиа, Аньес Варда и других звезд кинематографа, выпустил книгу с цифровыми фотоколлажами в качестве иллюстраций к классическим сказкам. Он много работает, путешествует и участвует в выставках по всему миру.
На протяжении многих лет Франк Орват собирает собственную фотографическую коллекцию, обмениваясь работами с коллегами и близкими друзьями — Марком Рибу, Жанлу Сьеффом, Марио Джакомелли и др.
В белоснежной тишине
6.06.2019-5.07.2019
Музей-квартира А.А. Блока (СПб)
6 июня 2019 в 15.00 в Музее-квартире А.А. Блока (ул. Декабристов, 57) открывается выставка художника Ивана Зайцева. На ней представлены работы, созданные в 2018–2019 годах по этюдам и зарисовкам последних лет.
Иван Зайцев родился 22 сентября 1983 года в Череповце Вологодской области. В 2001–2006 годах учился на Художественно-графическом факультете Череповецкого государственного университета. С 2005 года – член Санкт-Петербургской общественной организации «Общество акварелистов», с 2007 – член Череповецкого регионального отделения Союза художников России по секции графики. В 2008–2014 годах учился в Санкт-Петербургском государственном академическом институте живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина в мастерской церковно-исторической живописи под руководством профессора А. К. Крылова. С 2015 года живет и работает в Череповце, где осуществляет текущие проекты по стенописи храмов. Автор персональных выставок, участник коллективных выставочных проектов, в том числе международных. Работы художника находятся в музейных собраниях Череповецкого музейного объединения, Музея-института семьи Рерихов, в частных коллекциях в России и за рубежом.
На выставке в Музее-квартире А.А.Блока демонстрируются произведения художника, запечатлевшие уходящую русскую провинцию: старые уголки Череповца, Устюжны, Кириллова, Подмосковья. Как отмечает сам художник: «Зимнее настроение работ призвано подчеркнуть многообразие природы, пространственность композиционных решений и отражает тему воспоминания, как изменчивого состояния природы, так и уходящего облика отображаемых мест».
Beauty
5.06.2019-21.07.2019
В рамках XI Московской международной биеннале «Мода и стиль в фотографии-2019» Мультимедиа Арт Музей, Москва представляет выставку звезды французской фотографии Жана-Батиста Уина.
Музей уже знакомил российскую публику с творчеством фотографа: его проект «Портреты и натюрморты» стал одним из самых ярких открытий «Фотобиеннале-2004».
Жан-Батист Уин — ученик Ирвина Пена и Ричарда Аведона. Мировое признание пришло к нему в 1996 году, с первым крупным проектом «Бессмертные» (Immortels) — уже в этой серии он продемонстрировал блестящие способности портретиста, запечатлев мэтров Французской академии. В том же году Уин стал лауреатом премии фонда Неwlett Расkard France за серию работ о Вьетнаме. В 1997 году Уин был награжден премией Villa Medicis Hors les Murs и был особо отмечен жюри Prix Kodak de la critique photographique.
Проект «Глаза» (Yeux), созданный Жаном-Батистом Уином в 2002 году, утвердил его в статусе одного из лучших портретистов мира. Выставка была представлена Европейским домом фотографии в Париже и включала 100 портретов величайших фотографов и художников XX века, таких как Анри-Картье Брессон, Уильям Кляйн, Жан-Лу Сьефф, Ирвин Пен, Ричард Аведон и др.
В выставку Beauty вошли самые известные серии фотографа: «Природа» (Nature), «Монохром» (Monochrome), «Животные» (Animaux), «Насекомые» (Insectes), «Япония» (Japon), «Женщина» (Woman). Фотографии Уина — это гимн универсальной, вневременной красоте. Его работы отличает уникальное сочетание лаконичности средств выражения и предельной эмоциональной наполненности. Он показывает красоту без «красивости» и добивается успеха без эпатажа.
«Я — визуальный художник, фотограф, и вполне естественно, что я объясняю реальность, направляя на нее свет. Свет питал мою работу изначально и по сей день остается главной темой моего фотографического исследования. Как возвысить то, что красиво? Как возвысить то, что не обладает красотой? Зачем? Существуют ли красота и уродство сами по себе? — рассказывает Жан-Батист Уин о проекте. — Параллельно я работал над фильмом Beauty, для которого записал ряд интервью с самыми разными знаменитостями: актрисой, ученым-нейрологом, поэтом, музыкантом, кутюрье, архитектором, галеристом, известным коллекционером, моделью... и каждому я задавал вопрос о том, что такое красота и что такое красота, изображенная художником».
-
