События 11-24 июня
Константин Истомин. Путешествие по Каме
18.06.2018-6.07.2018
Константин Истомин (1887–1942), автор знаменитых «Вузовок» в постоянной экспозиции Третьяковской галереи, известен в первую очередь как живописец. Даже его педагогическая деятельность, оставившая заметный след в поколении вхутемасовцев, строилась вокруг этого вида искусства. Профессор живописи, проректор живописного отделения ВХУТЕМАСа, Истомин закрепил за собой звание живописца. Впрочем – вместе со званием «формалиста».
Между тем, рисовал он всегда – и после окончания школы Холлоши в Мюнхене, и в дипломатической командировке в Армению в 1920-м, и во времена написания «Вузовок». Это рисование лишь иногда было подготовительным, «на службе у живописи» – когда художник мучительно и не очень успешно пытался найти композицию для «правильной» тематической работы: на тему восстания румынских крестьян или труда сталеваров. В большинстве же случаев работы Истомина на бумаге предстают самодостаточными и решенными по законам графики. Мы можем убедиться в этом благодаря ученику и товарищу Истомина Леониду Казенину, сыгравшему главную роль в сохранении наследия мастера.
Жанр альбомного рисования в путешествиях известен давно. Первооткрыватели и исследователи использовали его в своих странствиях до изобретения фотографии и после – при отсутствии возможности фотографировать. Художники – для профессиональной тренировки и просто из любви к рисованию. В графическом наследии Константина Истомина есть несколько альбомных циклов, связанных с поездками. Путешествие по реке Каме в 1933 году (это как раз год написания «Вузовок») запечатлено на более чем трех десятках листов горизонтального формата, который соотносится с протяженным, размеренным повествованием о проплывающих мимо берегах. Уже позднее, когда Истомин руководил студенческими практиками в Крыму, оставаясь там по несколько месяцев, он в переписке признавался, что уловить быстро меняющееся состояние морского освещения легче в акварели, чем в живописи, в силу большей скорости оперирования графическими техниками. В камском путешествии, где движение теплохода заставляло пейзаж меняться ежесекундно, эта скорость была еще больше нужна.
Отсюда предпочтение карандашным рисункам, минимализм, беглое и точное схватывание деталей. И вместе с тем – ощущение медитативного, спокойного течения времени, речной глади, плавного движения встречных судов. Контрастом к этой размеренности – несколько рисунков толпы на пристани, смазанные силуэты движущихся людей, как в глазах человека, только что сошедшего с теплохода и еще не адаптировавшегося к суете на суше. А затем – снова речная гладь, пространство, решенное всего несколькими карандашными линиями или полосками цвета.
Большая персональная экспозиция работ Константина Истомина, над подготовкой которой – в том числе, при участии галереи «Ковчег» – в настоящее время работает Третьяковская галерея, будет включать несколько листов из этого цикла. Однако возможность увидеть истоминское «Путешествие по Каме» полностью у зрителя появится впервые на выставке в «Нашем наследии».
Кураторы галереи «Ковчег»: Сергей Сафонов, Игорь Чувилин
Подумайте об этом
23.06.2018-17.07.2018
"Подумайте об этом" — первый масштабный проект фотографа Зои Волковой, в котором показаны работы из разных периодов творчества, объединенные попыткой пробудить в зрителе яркие образы и воспоминания, дать им возможность заново раскрыться, чтобы настоящее заиграло новыми красками.
На выставке представлено двадцать работ, каждая с небольшим текстом-подсказкой для погружения внутрь себя… некий интерактивный характер, главное быть к этому открытым.
"В мире есть много средств, которые способны вызывать у людей эмоции и погружать их в свои глубины. Одним их этих средств является, на мой взгляд, фотография. Ее гениальность заключается в статичности, которая может нести за собой целый мир и историю. Я люблю людей, их мир, и моя фотография — это не только инструмент познания, окружающего меня мира, но и создание возможности построить любому человеку диалог с самим собой через мои работы" - рассказывает Зоя.
Экспозиция логически разделена на две части. В первой — разные по сюжету и динамике фотографии, сделанные в разное время и при разных обстоятельствах. Сюжеты интуитивно знакомы зрителю: вот горожанин едет по залитой солнцем мостовой мимо уличного кафе, а вот детские ножки рядом с пластиковыми игрушками-куклами, отвернутыми к бетонной стене…
Эмоции, появляющиеся при просмотре работ, отсылают нас к собственным воспоминаниям и заставляют заново пережить моменты жизни. Конечно, не всегда они радостные, но именно из них и складывается настоящее. Наш долг принять и стать немного свободнее. Вторая часть экспозиции – серия «7 грехов» и представляет вечные человеческие слабости в актуальном для современного мира свете.
Слэйв ту зэ рейв
14.06.2018 - 8.07.2018
В экспозицию, чье название отсылает к хардкор-техно-треку Slaves to the Rave 1995 года дуэта Inferno Brothers, вошли афиши, флаеры, фотографии и редкие архивные материалы, многие из которых экспонируются впервые, дополненные произведениями Дениса Егельского, Алексея Исаева, Сергея Шутова и других художников. Эти артефакты, соединяющие время — место — событие, образуют рассказ об основных этапах движения.
Проект о развитии московской техно-сцены, истории русского рейва и клубного движения получил статус спецпроекта 6. Московской международной биеннале молодого искусства и является частью долгосрочной исследовательской инициативы по исследованию данного культурного феномена.
Образовательная программа проекта разработана в партнерстве с Московским музеем современного искусства (ММОМА) и будет состоять из круглых столов, лекций и кинопоказов.
КАПАРТ
15.06.2018-24.06.2018
Виталий Копачев сформулировал свой визуальный язык достаточно рано – практически сразу же после профессионального появления «на публике». Ему удалось сделать его абсолютно узнаваемым, его образная система поддерживается и развивается на протяжении вот уже почти тридцати лет.
События внутренней биографии художника не всегда является продолжением или прямым следствием внешних событий, но в случае с Копачевым некоторую связь можно усмотреть. Рискну предположить, что его редкая внутренняя убежденность, даже «упертость» определенным образом связана с таким же многолетним, как и его творчество, руководством галереей А3. Начав свою работу с небывалых по смелости для своего (да уже и для нашего) времени проектов, Виталий сталкивался не просто с «веяниями», но скорее с ураганом стратегий, мнений, эго как прославленных, так и развивающихся авторов. В этой ситуации личная художественная система подвергается постоянным перегрузкам, проверке на прочность – возможно ли сочетать широту взглядов, приятие противоположных точек зрения в публичной деятельности и строгость выбора в личном творчестве? Пример Копачева отвечает утвердительно, даже если принять это как исключение из правил. Однако отграничивание, концентрация и кристаллизация персонального художественного опыта подразумевает задачу следующего уровня сложности – это испытание самим собой; постоянный тест на способность к изменениям, на готовность рисковать самым лучшим и успешным.
Впрочем, кажется, что Виталий видит в этом не столько вызов, сколько новые возможности.
В проекте «Непричастность», который стал своего рода манифестом, он окончательно сформулировал свои основные приоритеты в искусстве, где понятие «независимости» является базовым. Собственно, в этом ключ, открывающий пространства Копачева: для понимания его работ важно учитывать, что все, что необходимо для их чувствования, считывания – находится внутри них.
Их независимость – не в герметичности, а в целостности, наполненности. Для их восприятия не требуется привлечения дополнительных, внешних ассоциаций или вербального «руководства к просмотру» – их нужно видеть такими, как они есть, для этого они абсолютно открыты.
Андрей Волков
Олаф Мартенс: Футурополис. Город женщин
17.06.18-7.07.18
Универмаг Au Pont Rouge (СПб)
Олаф Мартенс – известный немецкий фотограф, один из крупнейших провокаторов современной фотографии. Господин Мартенс родился в 1963 году в городе Галле, Германия. Получил образование в Лейпцигской академии визуальных искусств, одной из старейших арт-школ в стране. После того как в 1990 году немецкий журнал «Stern» опубликовал фотосерию Олафа Мартенса, к нему пришел настоящий успех. Значительную роль в формировании авторского стиля Олафа Мартенса сыграло падение Берлинской стены в 1989 году. После многих лет изоляции восприятие мастером фотографии открывшегося мира культуры стало особенно чутким. Более десяти лет Мартенс прожил в Санкт-Петербурге, город на Неве стал для него вторым домом, особым местом для творческого вдохновения. По этой причине свой новый проект Олаф Мартенс решил в первую очередь представить российской публике.
Экспозиционный проект – это размышление на тему будущего, которое может наступить в результате стремительного развития инновационных технологий. Согласно концепции философа Фрэнсиса Фукуямы, в будущем биотехнологии изменят не только образ жизни людей, но и саму человеческую природу, что приведет к возникновению постчеловека. Однако представления о постчеловеческом мире варьируются, для некоторых такое будущее исключает самоопределение в рамках бинарностей, для других моногендерные коммуны символизируют переход к новому типу реальности. Посетитель выставки сможет стать свидетелем альтернативного способа существования в фантастическом городе, жителями которого являются постженщины.
Выставка – это исследование возможных последствий слияния феминного и кибернетического, это увлекательное путешествие в мир будущего, размышление о том, как может трансформироваться сегодняшняя реальность вследствие научно-технической революции.
Grassroots. Любительский футбол
16.06.2018-1.07.2018
Арт-пространство "Ворота" (Калининград)
Цель проекта – показать многообразие футбольного ландшафта страны: игру многочисленных непрофессиональных команд, уникальность месторасположения футбольных полей и их региональную идентичность. Спортивные арены, на которых проходят тренировки и матчи, сквозь отстраненный объектив фотоаппарата становятся отражением наличествующих на определенной территории структур, правил игры и человеческих отношений.
География проекта включает 28 субъектов РФ: фотосъемка велась в населенных пунктах от Калининградской области до Приморского края, от Мурманской области до Республики Дагестан.
Куратор проекта: Кристина Вронская
Пантомима цвета
14.06.2018-29.07.2018
Ритм цветовых и световых пятен, музыка, образы, связанные с природой и культурой Востока, портрет и автопортрет, восточная тишина и созерцательность – основные темы и мотивы произведений Валерия Волкова. Многие работы построены на принципах направления, которое сам художник определяет как «Realisme Non-Figuratif» («нефигуративный реализм»). Интересно, что за каждой картиной стоит определённая история и реальные впечатления.
Валерий Александрович Волков – член художественной династии Волковых, у истоков которой стоял великий мастер Александр Николаевич Волков, автор знаменитой «Гранатовой чайханы». Через искусство отца Валерию Волкову открывались как достижения авангарда, так и классики, а дар особой восприимчивости и собственное видение позволили художнику развить их в своём творчестве. Не без влияния «Гранатовой чайханы» родилась формула Валерия Волкова: «Пластическое равно духовному». На протяжении всей жизни Волков ориентируется, как на одну из вершин в искусстве, на это великое произведение. Вслед за отцом, который в 1930-е годы возглавлял так называемую «бригаду Волкова», Валерий Александрович, как старший сын, встал во главе «второй бригады Волкова» – уникального явления для 1960-70 гг.
Живопись Волкова то фигуративна, то полуабстрактна, то абстрактна. Традиции русского авангарда, культура Запада и, главное, Востока вторгаются в красочную палитру мастера яркой декоративностью, задавшей эмоциональный тон его живописи. Никогда не прерывая связей с фигуративным искусством, к абстракции художник обращается в начале 1960-х годов. Сам он объясняет это обращение парадоксальным стремлением «шире увидеть реальность». Тем не менее, главными в творчестве остаются вечные темы из народной жизни Востока: образы бродячих актёров, клоунов, канатоходцев…
Музей «Новый Иерусалим» предоставил для выставки «Пантомима цвета» из своего обширного собрания работ семьи Волковых, три основополагающие вещи Валерия Волкова, которые характеризуют важные периоды его творчества: «Три граната» (2009г.), «Большой Каир» (1988); «Возвращение домой» (1985г.).
На протяжении всей жизни Валерий Александрович Волков вместе со своим младшим братом – Александром Александровичем Волковым и племянником – художником Андреем Волковым – продолжают дело увековечивания памяти великого мастера – Александра Николаевича Волкова. Это и выставки, и публикации книг, каталогов, подборок стихов Александра Николаевича с научными комментариями и воспоминаниями.
Игры с самим собой
22.06.2018-29.06.2018
Сегодня мы ставим между «продуктивностью» и «успехом» знак равенства. Нам кажется, что успех определяет многое. Конкуренция становится второй движущей силой. Мы забираемся на фиктивный пьедестал, даже когда наш организм дает сигнал прекратить. Но лишь после насильственного момента передышки мы готовы жить и играть по своим собственным правилам. «Игры с самим собой» — экспериментальный проект, в котором важным становится перформативность — как внутри произведения и медиума, так и в диалоге между зрителем и художником. В рамках выставки будут представлены придуманные или найденные игры. Противник в них исключается, смыслы и правила оказываются перевернуты. Выставочное пространство предстанет местом, где личное, политическое и визуальное начинает взаимодействовать, предлагая нам новые формы отношений.
Участники: Тамара Гоголева, Юлия Вергазова, Анна Лялина, Мария Молокова, Саша Пучкова, Данья Текич (Сербия), Константин Цокур, Света Шуваева.
Куратор: Мария Молокова
Street stories
14.06.2018-1.07.2018
ЦДХ (3 этаж, 17 зал)
Внимание современных художников к городской среде не случайно. Город не просто гигантская копилка исторических и архитектурных артефактов, символов, возможностей и проблем. Представляя собой антропогенный ландшафт, город является «второй природой», в которой преображены даже первоэлементы. Земля, огонь, вода и воздух претерпевают в городе значительные метаморфозы, приобретая дополнительные смыслы и значения.
Проект Artcultivator представляет выставку «Street stories» - рассказ российских художников о материи и духе города. В формате «городских историй» авторы рассуждают о различных его ипостасях – будь то город-муравейник или поле битвы, убежище, джунгли или вертеп. Представленная палитра жанров и стилей дает зрителю широкий спектр авторских интерпретаций, позволяя поразмышлять о собственной экзистенции, а также о тенденциях в искусстве.
Есть ли граница между городом и человеком? Как меняется горожанин под влиянием города, его архитектуры, света, звуков, запахов и вибраций? Как искусство интерпретирует городскую среду и насколько адекватна эта трактовка? Может ли художник, не вмешиваясь в физическое тело города, влиять на воспроизводство его культуры?
В экспозиции выставки представлены более 50 работ - живопись, графика, скульптура, а также инсталляция и видео-арт.
Участники: Александр Аросев-Каширин, Антон Богатов, Ирина Богданова, Анна Бриллинг, Инна Вольвак, Марина Гавриленко, Мила Гаврилова, Илья Изюмов, Евгения Ионова, Юлия Киракосян, Ирина Лурье, Николай Пак, Юлия Покровская, Валерий Пьянов, Денис Пьянов, Анна Родионова, Наталия Сафронова, Юрий Царевский, Андрей Шатилов
Выдержки из переписки с друзьями
14.06.2018-15.07.2018
Новая тотальная инсталляция Анастасии Потемкиной «Выдержки из переписки с друзьями» – это исследование города, как естественного резервуара для множества биологических видов, конкурирующих за жизненное пространство, в котором они паразитируют и перевоплощаются, доминируют и пытаются выжить. Анастасия Потемкина работает с самыми разными средствами передачи образа: от рисунка и фотографии до постановочного перформанса с актерами. В ее художественной практике важная область исследования связана с дикорастущими городскими растениями, которые интересуют художницу с социологической точки зрения, как проекция на незащищенные слои общества.
Анастасия Потемкина работает внутри традиции экофеминизма. Объединив феминизм и экологию, экофеминизм утверждает, что притеснение женщин и деградация окружающей среды являются следствием действий современного общества. Основная цель движения состоит в том, чтобы привести мир в первоначальную гармонию путём пресечения дискриминации женщин. Действительно, экофеминизм говорит о том, что только путь изменения текущих ценностей, забота и кооперация вместо агрессивного и доминирующего поведения, могут принести пользу обществу и окружающей среде.
Follow me baby, beauty is on my mind
16.06.2018-24.06.2018
METROPOLIS GALLERY by Francesco Attolini (СПб)
Мадина Абидова, художница, дизайнер одежды, основатель бренда MADINA.
Ее творчество – это симбиоз классического видения красоты и современного прочтения элегантности. Мадина совершенствовала свой собственный стиль до филигранной техники.
Иллюстрации моды раскрыли ее концептуальное вдохновение модельера, которое
в последствии повлияло на ее дизайнерскую работу в Лос-Анджелесе.
Ее творчество признано взыскательными коллекционерами современного искусства. В начале 2000-х годов ее модные иллюстрации произвели впечатление на Тома Форда. В разные периоды работы художника были по достоинству оценены: Вячеславом Зайцевым, Рустамом Хамдамовым, Орнеллой Мути, Массимилиано Гиорнетти и другими.
Большая часть работ художницы находится в частных коллекциях Америки, Европы и России.
Представленная графика демонстрируют суть ее работы, это лично ею созданная творческая ниша, мгновенно узнаваемая аудиторией. Ее стиль дерзок, но при этом элегантен и изящен.
В арсенале художницы Мадины несколько серий, основные: «SUITS», «Nudité», «Equestrian art» etc.
На выставке также будет представлен совместный перфоманс c художником Франческо Аттолини, который объединит искусство и моду, создав симбиоз форм и смыслов.
Обе мне, пожалуйста, обо мне
15.06.2018-7.07.2018
Почему искусство молодых художников авторефлексивно? Студенческие работы зачастую оказываются ограничены собственными портретами авторов. Является ли этот жест реакцией на внешние условия, когда попытка разобраться в происходящем обречена на провал? Или ответом на необходимость встраиваться в систему искусства? Симптомом взросления?
Обо мне, пожалуйста, обо мне объединяет работы молодых авторов, где нарциссизм художников просвечивается через две противоположные оптики — эстетическую и антиэстетичскую. Подлинный образ может быть найден в зазоре между воображением художников и их стремлением к отражению действительности. Эту ситуацию схватывает камера, которая фиксирует «блиц-снимок» с реальности, т.е двойную оптику. Первая указывает на идеальное— на то, что красиво, изящно и гармонично, вторая стремится к изнанке действительности — к тому, что неприглядно, неудобно и даже комично. Бинарный фокус регистрирует эту раздвоенную перспективу и приводит к полифонии образа в целом, одновременно прекрасно-безобразному, трагико-комическому, поэтико-прозаическому и глубоко-поверхностному, но всегда автореферентному. Конфликт раскрывается через оптику всматривающегося взгляда – в себя, в других и по сторонам. И значит, что чужой взгляд точно также как собственный формирует текучесть образа. Под камеру попадает тело — боязливо-мечтательное, привлекательное или нескладное, но всегда нарциссическое, требующее взгляда другого, для которого позирует. У художников в руках оказывается по зеркалу, и в нем отражаются: глаза, губы, волосы, руки – так они смотрят в собственное отражение.
На оси оптики эстетического взгляда располагается фигура ‘романтика’, которая преображает действительное. Так действует Анна Приходько, Полина Рукавичкина, Ольга Воробьева, Катя Дикова, Янина Черных и Наташа Тимофеева, у которых эстетическое не реакционно, а романтично. Полина Рукавичкина схватывает акт чистого смотрения, когда детское лицо становится поверхностью для отражения внутреннего. Анна Приходько в «Авторском высказывании» встречается с собственным взглядом, отражаясь одновременно через стекло-зеркало в себя и в зрителя. Наташа Тимофеева в «Эдикуле» стучится в свое прошлое, но только из настоящего. «Эдикула» – это радостный гимн молодости и красоте, в котором стройное тело упивается своей безупречностью и позволяет зрителю наслаждаться своим присутствием. История Ольги Воробьевой — это личные грезы художницы по собственному утраченному образу, возвращающемуся в «Девушке, которая когда-либо была». Она пребывает в зазоре между реальным и фантазией, как камера Екатерины Диковой гуляет по тропам отрывочного детского сознания, оказываясь внутри и снаружи художницы. Та же размытость между сном и действительностью присутствует в работе Янины Черных, «когда никто не слышит» художница погружается в собственное сновидение.
По другую сторону — антиэстетическая оптика ‘реалиста’, которая не преображает действительное, а фиксирует то, что видит: рубенсовское тело в золотых драпировках, альтер эго художника, модные луки в пост-советской эстетике или молодых полуночников на улицах города. Обнажаясь, Полина Музыка в «Автопортрете» стремится схватить реальное, но оно не проявляется в постановочных интерьерах с виноградной лозой. Экспансивная нагота оборачивается концентрированным нарциссизмом, жаждущим чужого взгляда. Vera Barklova&Ssanaya Tryapka надевают на моделей современную русскую идентичность - гламурный гопстайл в интерьере советской разрухи, где русское бедное играет на их успех. Автопортреты Максима Медведева выдают образ художника за искренний, но эти позы, эта манерность - постановочный портрет художника в юности. Евгений Музалевский интенсивно осваивает пространство своим телом, дионисийским прыжком и выверенной архитектурной композицией выпрыгивает из устойчивости любого медиума, расширяя границы своего тела. Резкие ракурсы Арнольда Вебера из серии «Вчера я все», нарочитые позы и черно-белая съемка выдают эстетическое и заслоняют собой реальное.
Как эстетическое, так и антиэстетическое в оптике всматривающегося взгляда оказывается замкнутым в искусственном дендизме, обращенным внутрь себя. И тогда любое суждение вкуса уже не имеет значения, так как перспективы смешиваются, и где-то между ними проступает независимый образ.
Елена Конюшихина
Теория защиты
13.06.2018-13.08.2018
Международный день защиты детей - это одно из тех мероприятий, которые призваны объединять, а не разъединять, находить точки опоры, возможности диалога, приемлемые и признаваемые всеми ценности.
Стремительный рост активности и престижа наднациональных институтов, международных организаций, всемирных соревнований совпадает по времени с завершением Второй мировой войны, с необходимостью противопоставить тотальному расчеловечиванию что-то человеческое, в конечном счёте - общечеловеческое.
И именно сейчас, когда в мире кризис всего именно Общего, наднационального, когда речь идёт все чаще о сиюминутных выгодах и перманентном цинизме, важно напомнить и сказать в полный голос о тех ценностях, которые нельзя не считать абсолютными.
В этом смысле дети - тот вопрос, по которому мы способны достичь консенсуса.
Проект "Теория защиты" развивается из нескольких смысловых линий: в первую очередь - это осмысление феномена детского творчества, свободного от предубеждений и комплексов, открытость и непосредственность которого находится в опасности из-за мира взрослых, построенного зачастую по принципам иерархии и унижения. Тотальная инсталляция, являющаяся основой выставки, состоит из объектов, отсылающих к культовой антиутопии "Кин-дза-дза", и работ детей сотрудников техникума им. Л.Б.КРАСИНА. Другая линия строится вокруг произведений современных художников, в которых осмысляются предметно те угрозы и те препятствия, которые стоят на пути развития каждого конкретного индивида, каждого, кто когда-то был ребёнком.
Кирилл Жилкин
Ненасилие
15.06.2018-15.07.2018
ММОМА (Гоголескай бульвар, 10)
Последние несколько лет в социальных сетях и СМИ появляется большое количество публикаций, связанных с жестокостью и насилием. Опубликованные в форме личных рассказов от первого лица, эти тексты вызывают в обществе неоднозначную реакцию, которая варьируется от сопереживания до обвинения жертвы. Для самих жертв насилия — это своего рода терапия, попытка принятия и избавления от травматического опыта. Продолжая общественную дискуссию, выставка Гранковой представляет осмысление художницей её личных переживаний и опыта других людей, воплощенное в формах инсталляции, видео и перформанса.
Проект имеет трёхчастную структуру. Первая посвящена механизмам воспроизводства насилия, и в частности массовой культуре, транслирующей его в игровой форме. В этой же части представлено видео «STBY», режиссёром и сценаристом которого является Стас Федосов. Оно состоит из нескольких историй и является репрезентацией неустойчивости ролей агрессора и жертвы. Вторая часть выставки сфокусирована на закрытых социальных группах, таких как семья, детский дом, больница, роддом, дом престарелых, школа, армия и тюрьма и обнаруживает общее для них распределения ролей: агрессора, жертвы и свидетеля. В каждой из этих групп есть свой «инструментарий». Предметы запечатлевают насилие в момент его свершения, превращаясь в «вещественные доказательства». Для художницы важно не оставлять зрителя в состоянии безысходности. Документация перформанса группы РОЙ — художников Анны Бутенко, Варвары Гранковой, Антонины Горбенко, Любы Саутиной, Виктории Хреновой — имеет множество интерпретаций, а в контексте этой выставки оно представляет, в том числе, стадии совместной и единовременной работы с травмой. В инсталляции «Маски», третьей части проекта, художница заимствует форму тканевой маски для лица, которые шили себе заключённые исправительно-трудовых лагерей (сегодня несколько таких масок экспонируются в Музее истории ГУЛАГа), интерпретируя её как символ выхода из круга насилия, который Варвара Гранкова видит в сострадании, в попытке посмотреть на мир глазами жертвы, примерив на себя маску. Интерактивным дополнением проекта стал созданный художницей аккаунт в instagram «nenasilie», в котором она размещает фотографии людей с нанесёнными на тело фразами, причинившими им боль. Посетители смогут опубликовать свои фотографии под хэштегом #nenasilie.
Легенды и мифы повседневной жизни
20.06.2018-3.08.2018
Растущая сложность и неопределенность реальности, с которой мы ежедневно взаимодействуем, порождает различные способы ее интерпретации. В коммуникационном обществе циркулирует множество логик и культурных фильтров, образов и объяснительных конструкций. Они призваны ориентировать потребителя в пространстве бурных информационных потоков, а значит, и контролировать его, вынуждая принимать их версии на веру.
Это ведет к парадоксу, который послужил отправной точкой для размышлений участников выставки: чем более рациональными и вездесущими становятся технологические, политические, медийные и прочие системы, тем больше наша эпоха склонна трактовать их в иррациональном, квази-магическом и мифологическом духе.
Эти «легенды и мифы повседневности» значительно отличаются от традиционного фольклора. Новые мифологии подвижны, изменчивы. Часто, подобно общим местам, речевым штампам и мемам, они имеют «вирусную» природу.
Участники выставки предлагают внимательнее приглядеться к легендам, которые массово производятся в постиндустриальном обществе.
Ограничение по возрасту: 18+
Закрытие сезона команды «Школа /Škola crew»
21.06.2018, 19:30
Это будут лучшие произведения из программ прошедшего сезона: "Стравинский", "Америка", "Рахманинов", "Испания", "Britain" и "Григ".
Музыкальные композиции пройдут в сопровождении авторского digital art.
В этот раз помимо постоянного участника команды - художника Валерии Санчилло - к программе концерта присоединятся художники анимации, выпускники ВГИКА им. Герасимова - Мактико, Екатерина Богуславская, Михаил Медведев и Константин Муравьев.
В концерте примут участие победители и лауреаты международных конкурсов: Евгения Кузнецова-Авоцезук (сопрано), Дмитрий Бородаев (гитара) и Олеся Саблина (виолончель).
Прозвучит камерная и сольная музыка : Игоря Стравинского, Эдварда Грига, Хоакина Малатс, Франциско Таррега, Сергея Рахманинова, Рейфа Война-Уильямса и Стива Райха.
Перед каждым произведением музыканты расскажут о композиторе и дадут экскурс в историю создания произведений.
Билеты здесь.
Неволя
20.06.2018-27.06.2018
С 20 по 27 июня в Центре Гиляровского, филиале Музея Москвы, пройдёт выставка работ студентов Московской школы фотографии и мультимедиа имени Родченко и Британской высшей школы дизайна «Неволя». Спецпроект в рамках 6. Московской международной биеннале молодого искусства объединит художников в возрасте до 35 лет.
Под общей темой «Неволя» куратор, преподаватель Школы Родченко Людмила Зинченко соединила работы 20 молодых художников. Для этого понятия со множеством смыслов каждый участник находит своё толкование. Неволя – это антоним воли, столь же многозначного слова, это детерминизм, сила и власть довлеющих обстоятельств, зависимость от кого-то и подчинённое положение, отсутствие у человека личной воли, нахождение в тюрьме, в вынужденной или добровольной изоляции, в неестественных условиях…
В качестве основного творческого метода выбран язык фотографии. Посредством инсталляций, реди-мейдов, анимации, объектов художники исследуют феномен неволи как неизбежного земного удела человека.
Образовательная программа к выставке с участием куратора и художников:
23 июня в 17.00 – «Исторические фотопроцессы». Артист-talk с художниками выставки «Неволя». Художник Дмитрий Старусев поговорит о дагеротипах, амбротипах, коллодии в ранних фотопроцессах, камере пинхол и многом другом. Людмила Зинченко расскажет о выставке в целом, о техниках фотопечати, способах получения изображения и переноса его на разные материалы, а участники выставки – о своих проектах.
27 июня в 19.00 – «Мифология творческой фотографии». Светлана Тэйлор (преподаватель Британской высшей школы дизайна) расскажет о том, как фотография стала маргинальным явлением и с появлением смартфонов произошла деградация жанров, особенно затронувшая тревел-фотографию. Светлана также проанализирует современное положение художников, продолжающих работать с фотографией, и возможные пути дальнейшего развития событий.
Участники выставки: Ольга Александрова, Настя Бережинская, Елизавета Вдовина, Евгения Демина, Макс Змеев, Татьяна Казакова, Арсения Ковалева, Анастасия Лобанова, Ольга Никишова, София Панкевич, Борис Поспелов, Екатерина Пряничникова, Роман Сазонов, Елизавета Сазонова, Маша Свиридова, Дмитрий Старусев, Диана Терешкина, Янина Черных, Александр Шмельков, Анна Щербакова.
Доказательство человечности
20.06.2018-12.07.2018
ВДНХ (Самолет ЯК-42)
Выставка «Доказательство человечности» — это собрание работ победителей проекта «ВЗЛЕТ» в категории Art & Science. Они представят философию и эволюцию нового поколения художников и их взгляд на отношения искусства и науки. Куратор этого направления — Наталья Фукс, искусствовед, исследователь новых медиа, основатель арт-практики ARTYPICAL, советник центра Барбикан в Великобритании и Центра искусства и медиа (ZKM) в Германии. По мнению куратора, работы победителей отражают критические метаморфозы современности и специфику взаимодействия человека с наукой и технологиями в творческом процессе.
В выставке принимают участие шесть молодых российских художников, каждый из которых работает с разными технологиями в качестве выразительных средств.
Выпускница Школы Родченко Анастасия Алехина предлагает трансформировать эстетические взгляды современного человека с помощью электроники — она создала носимые электронные устройства, выполненные из безопасных материалов. Благодаря этим устройствам внешность человека и его индивидуальность преображаются.
Звукорежиссер и саунд-художник Юлия Глухова исследует архетипические представления о снах посредством интерактивных технологий и уникальных возможностей зрительного восприятия. Она использует технологию компьютерного зрения, способную распознавать глаза и их моргание.
Инженер-конструктор по образованию и также выпускник Школы Родченко Александр Приймаченко в своем проекте Now Machine осмысляет феномен визуальной памяти человека, погружаясь в виртуальную среду.
Петербуржцы Денис Протопопов и Кристина Малолеткина в своей работе «Вуайер» изучают характер взаимодействия человека с миром дополненной реальности. Художники создали проект, который призван разрушить принятое разделение на реальное и виртуальное, а также показать роль технологического медиума в современном обществе и в человеческих взаимоотношениях.
Дебютант проекта Филипп Игумнов соединил земной мир с космическим пространством в ретрофутуристических цифровых коллажах.
Выставку будет сопровождать параллельная программа, в рамках которой состоятся дискуссии с художниками о месте и роли человека в современном технологическом мире, а также две творческие встречи с Анастасией Алехиной и Юлией Глуховой и аудиовизуальные перформансы.
Арт-проект: звуковая скульптура VOLNA
14.06.2018-31.07.2018
Центр современного искусства МАРС
Центр МАРС приглашает посетителей стать частью аудио- визуальной композиции и запускает мультимедийный проект, цель которого - формирование гармоничной звуковой эстетики в архитектуре и городской среде с использованием новейших технологий.
В одном из залов Центра впервые в Москве представлена уникальная скульптура, которая в зависимости от активности зрителей воспроизводит особую звуковую гамму и цветовую палитру. В данный арт-объект интегрирована звуковая и светодиодная системы с набором сенсоров, считывающих перемещения и движения людей вокруг него.
Автор идеи, дизайна и программного обеспечения - Тарас Машталир – медиа- художник и композитор.
VOLNA разработана совместно с промышленным дизайнером Павлом Панкратовым и кафедрой светового дизайна университета ИТМО.
АУТ!
20.06.2018-22.07.2018
Выставка Константина Батынкова «АУТ» проходит одновременно с московским Чемпионатом мира по футболу.
Если говорить об актуальности искусства, то «АУТ» — как раз об этом. Не уходя в перипетии сложносочинённого дискурса, актуальность искусства можно определить способностью работать в синхронии с событием, либо являя его значимость, либо, наоборот, дезавуируя его значение.
Искусство Батынкова обращается к некому социальному контексту: вступая с этим контекстом в откровенную полемику (сдобренную характерным авторским скепсисом), оно лишает пафоса любое мегашоу: движимое неведомой мотивацией, что-то где-то обязательно вылезет и тем самым понизит градус и масштаб события.
Если раньше это были стаи вертолётов и подлодок, то сейчас вариативный ряд расширился и предопределяется уже иной авторской задачей. Батынков был и остаётся реалистом, а реализм работает исключительно с прозой жизни, не доверяя излишней эпичности. Автор, некогда профессиональный спортсмен, знает о спорте не понаслышке и далёк от иллюзий, отлично владеет проблематикой и акцентирует своё внимание именно на том, что не вошло в кадр, что оказалось в ауте, вне игры.
Конечно, мы «верим твёрдо в героев спорта», но это уже параллельная реальность, со своими адептами, хронографами и витиями средств массовой информации. Большой спорт живёт по законам шоу-бизнеса, где не всё, но очень многое определяют большие деньги и большая политика со скандалами, интригами и своей подковёрной борьбой.
В пространствах Батынкова, в пространствах без верха и низа, живут, играют, побеждают и проигрывают футболисты, судьи, фанаты. Всё идёт по законам жанра, единственное, что отличает творчество одного из популярнейших московских художников, — это наличие голоса за кадром. Этим голосом становится нескрываемая авторская позиция по острым вопросам современного ему мира, ощущение шаткости этого мира и внутреннее избыточное напряжение.
Выставка «Аут» — это выразительно о спорте, но в контексте большой игры.
Коридоры. Семь миров Высоцкого
20.06.2018-23.09.2018
Еврейский музей и центр толерантности
Экспозиция откроет серию выставок о самых знаменитых и любимых художниках, музыкантах, актерах, режиссерах и деятелях культуры еврейского происхождения. Так, Владимир Высоцкий хорошо знал ветвь своей родословной, уводящую к старой еврейской фамилии: «В Риме жили евреи Высоцкие //Неизвестные в высших кругах», – писал поэт.
Владимир Высоцкий — многогранная, трагическая и во многом противоречивая фигура: кумир интеллигенции и общенародный любимец; популярный поэт и музыкант, чьи стихи не печатались, а записи не издавались; звезда советского кино с ореолом диссидента.
Почти во всех своих песнях он обращается к аудитории от первого лица, поэтому несколько поколений жителей СССР воспринимали его произведения как художественную интерпретацию личной биографии. На самом деле, как часто он сам подчеркивал, его песни — не ретроспекции, а ассоциации: он не был на войне, не сидел в сталинских лагерях и не ходил матросом в море. Высоцкий не излагает историю своей собственной жизни, а предельно выразительно рисует в воображении слушателей живую и яркую поэтическую фантазию.
Создатели выставки «Коридоры» предлагают посетителям принципиально новый взгляд на жизнь и творчество Владимира Высоцкого: зритель получает возможность погрузиться в мир оживших образов из произведений поэта в сопровождении его песен. Экспозиция представляет собой последовательность коридоров в буквальном смысле. Каждый из залов выставочного пространства — это застывший кинокадр, посвященный конкретной области творческого наследия Высоцкого. Войдя в один из коридоров, посетитель попадёт в столичную коммуналку, в другом окажется в опасной московской подворотне, в третьем заглянет в прифронтовой окоп, в четвертом его встретит советская пивная.
Молодёжные «униформы» Москвы
21.06.2-18-20.08.2018
«Молодёжные «униформы» Москвы» – рассказ о стиле жизни и визуальной эстетике московских субкультур 1980-1990-х годов. В экспозиции собраны яркие приметы молодёжного облика времён заката советской эпохи и начала новой России: от байкеров, битломанов и рокеров до панков, металлистов, готов и растаманов. Современные художники, переосмысливая опыт прошлого, предлагают на суд зрителя возможные современные молодёжные униформы. Посмотреть выставку можно с 21 июня по 20 августа в залах Музея Москвы.
«Для Музея Москвы важно говорить о городе разными языками. На этой выставке мы посмотрим на недавнюю историю Москвы через призму молодёжной моды и визуальной культуры, а затем перекинем мостик в наш сегодняшний день и нынешнюю Москву. Для кого-то выставка станет ностальгической, для кого-то познавательной и заставит задуматься о переменах и связи поколений», – говорит Алина Сапрыкина, директор Музея Москвы.
Субкультуры характерны для урбанистической среды. В западном обществе их расцвет пришёлся на время молодёжных протестов 1968 года, и постепенно из явлений контркультурных и изолированных они превращались в неотъемлемую часть общества. Бум субкультур в СССР случился в эпоху перестройки. В российских субкультурах, как и во всем мире, внешняя выразительность и особость стали важной частью мировоззрения. Большое значение придавалось музыкальным пристрастиям и визуальным кодам, «униформе» – одежде, прическе, аксессуарам, макияжу, по которым легко определялась принадлежность к той или иной группе.
Сегодня мода использует многочисленные элементы стиля молодёжных группировок прошлого, и идентифицировать социальное положение человека по костюму трудно – браслет с шипами или яркий цвет волос может носить практически любой человек. С появлением социальных сетей и безграничного виртуального общения видимые признаки принадлежности к той или иной группе и вовсе сдают свои позиции.
Выставка состоит из двух самодостаточных, но взаимодополняющих частей. Историческая часть – фотодокументация молодежных движений 1980-1990-х от всемирно известного мастера Игоря Гаврилова, обладателя награды Word Press Photo. В эти годы он работал фотокорреспондентом «Огонька» и американского «Time». Его снимки сохранили разнообразные «униформы» молодёжных субкультур и приметы времени.
Вторая часть выставки – современная. «Идея выставки – уйти от ситуации, когда массовая культура играет в искусственное бунтарство прошлых поколений, и показать, как современные художники возвращают образность и красочность городской молодежной одежде», – говорят кураторы выставки Евгения Кикодзе и Ирина Чмырёва.
Тестовая группа
22.06.2018-10.07.2018
«Тестовая группа» в составе 28 человек проверяет этот мир на прочность, подавая заявку на улучшение качества жизни в условиях развитого капитализма. Тестирование – универсальны способ перестроить систему, лучшего и более точного пока не придумали. Только опытным путем, аккумулируя и анализируя данные можно достичь чего-то больше, лучшего, иного – способного качественно изменить наше завтра.
Бета-версия современной системы становится привычной. Объекты трансформируются в связи, процессы, отношения. Во всех сферах жизни формируются более однородные, горизонтальные сети, сменяющие в какой-то момент иерархические и глубинные структуры.
Дипломная выставка выпускников Школы фотографии и мультимедиа заставляет задуматься о реальном положении вещей в монетизированном обществе. Финансовые монстры в лице корпораций с миллионными капиталами тратят огромные средства в попытке детального изучения покупательского опыта с целью его улучшения. Погоня за безудержным ростом прибыли наводняет жизнь человеческими и электронными агентами, которые, превращают пространство в открытую лабораторию. Каждый день они тестируют, проецируют новые модели проверяют эффективность, внедряют более совершенные на их взгляд методы и алгоритмы.
Тестовая группа проводит свой собственный эксперимент. Ее участники являются подопытными и наблюдателями одновременно. Задача теста – понять насколько фундаментальным можно считать тестовый формат функционирования действительности и насколько он критичен для современного искусства.
Школа фотографии и мультимедиа им. А. Родченко основана в 2006 году. Готовит фотографов и фотохудожников, работающих в разноплановых направлениях современного искусства. Основываясь на международном опыте (ICP New York, École National d’Arles, etc) школа дает уникальное образование. Значительное внимание уделяется содержанию и стратегии художественных работ, обучению студентов интегрировать свое творчество в контекст современной культуры.
Участники: Алфутова Наталья, Альмема, Барыбина Дарья, Букреев Павел, Гинтовт Галла, Даугела Гедиминас, Исакин Андрей, Казаков Сергей, Карамазова Екатерина, Караманова Елизавета, Кононова Наталья, Кутовой Александр, Леонова Галина, deadJPEG, Марченкова Анна, Мохрякова Альбина, Мусрепов Анвар, Попович Екатерина, Ротаенко Анна, Савельев Кирилл, Суслова Евгения, Смирнов Николай, Смолянников Алексей, Смородина Алиса, Старусев Дмитрий, Федоричев Егор, Цветков Егор, Шаповалова Алёна.
Удел человеческий. Сессия IV.
Места: одно за другим
20.06.2018-19.08.2018
Еврейский музей и центр толерантности
На выставке «Места: одно за другим» будут показаны работы современных российских и зарубежных художников, в числе которых Педро Карбида Райш, Мариетица Потрч, Леонид Тишков, Лука Витоне, Деймантас Наркявичус, Ергин Чавушоглу, Хаим Сокол, Елена и Виктор Воробьевы, Вадим Фишкин и Аслан Гайсумов. Представленные на выставке работы вступят в диалог с пространством и содержанием музея, реагируя на события из истории еврейского народа и на сам музей как место. Произведения разместятся не только в выставочной зоне, но и на постоянной экспозиции Еврейского музея и центра толерантности.
Название выставки отсылает к работе американского историка искусства Мивон Квон «Места: одно за другим». Именно в этой книге впервые вдумчиво и обстоятельно было описано, как современное искусство осмысляет феномен места. И если в прошлом искусство стремилось воссоздать образы различных локаций, то сейчас оно задалось вопросом: «Что есть место?». К анализу этого понятия обратились философы, социологи, антропологи и урбанисты.
Место, в отличие от пространства, задается не географическими координатами, а тем, что оно значит для человека. Немецкий философ Мартин Хайдеггер говорил, что для того, чтобы создать место, необходимо «строить, жить, мыслить». Оно создается человеком не столько путем его буквального конструирования, сколько через опыт его осмысления и существования в нем. Именно поэтому пространство, чтобы стать местом, должно стать неотделимым от человека, а человек, в свою очередь, должен найти себя в неком месте.
В рамках выставки «Места: одно за другим» пройдет публичная программа, где будут вынесены на обсуждение темы дома, путешествия, миграции, обретения культурной идентичности и поиска места в современном мире.
-
