События 16-22 апреля
10:30, 16 апреля 2018
Вебинар "Ренессансная Венеция - первый европейский арт-рынок"
16.04.2018, 20:00
MosArtSchool
Венеция - не только один из ведущих художественных центров эпохи Ренессанса, но и город, в котором сложилась особая атмосфера. Его жители рано поняли, что искусство может не только украшать жизнь и служить показателем статуса, но и приносить немалый доход. На вебинаре мы поговорим о крупнейших представителях венецианской школы и о том, как выглядела художественная жизнь Венеции в 16 веке.
Ведущая: Анна Познанская
Рыба ждёт
18.04.2018-20.05.2018
«Об этой новости неделю
В порту кричали рыбаки»
В. Агатов
Песня из кинофильма «Два бойца»
Московский художник Алексей Ланцев будто бы соревнуется со своими зрителями. Общеизвестно: сколько бы дней, месяцев или даже лет ни потратил самый замечательный автор на свои бессмертные творения, скорость их восприятия на выставке или в музее примерно одна — и исчисляется минутами. А в особо ответственных случаях, начиная с «Джоконды», — так и единицами этих минут, причём это чрезвычайно поощряется как раз служителями того самого изобразительного искусства.
Трезво осознавая скорость такого восприятия, автор выставки в отведённые его работам минуты внимания стремится сообщить её посетителю, в первую очередь, самую главную информацию о заинтересовавших его самого сюжетах. Кто, где, при каком освещении. Словно бы в погоне за художниками существовавшей на рубеже 1930-х группы «Тринадцать», а потом и другими российскими авторами, стремившимися рисовать «в темпе жизни» уже в оттепельные 1960-е, художник начала XXI века выбирает заведомо динамичные сюжеты со многими персонажами и почти не отвлекается на лирическое созерцание происходящего. Стремительные движения кисти сами оказываются частью содержания жанровых композиций Алексея Ланцева. В этот раз — связанных с повседневной прибрежной жизнью: художник вдохновляется буднями моряков, браконьеров и рыбаков, просто отдыхающих…
Надо сказать, сиюминутность и легкомысленность автора — напускные. Особенно это ясно после разглядывания натурных рисунков, ставших впоследствии основой бодрых по цвету и узнаваемых по цветовой гамме листов, которые и составляют костяк нынешней экспозиции. Если бы не по-своему наивная привязанность современного зрителя именно к цвету, монохромные рисунки Ланцева следовало бы считать не просто подступами к заявленной теме, но ловким, точным и, главное, самодостаточным её воплощением.
И потом, рыба. Один из постоянных мотивов — а значит, примета хорошего тона — десятков европейских авторов в искусстве разных десятилетий ХХ столетия, от самого его начала и до «дней последних донца». Страшно перечислять имена. Притом, что рыболовецкая, да и вообще корабельная, романтика, все эти палубы, якоря и брюки клёш — не только «хороший тон», но также и подлинная «тема труда», а блеск волн и движение над ними облаков — история, одинаково притягательная для живописцев и рисовальщиков самых разных «вероисповеданий».
В общем, перед вами предстанет выставка, пахнущая морем. Идеальный, между прочим, сюжет, когда сезон дальних путешествий маячит где-то за горизонтом. Работы Алексея Ланцева ждут своего зрителя, как рыба ждёт своего рыбака: в водной глубине, но недалеко от причала.
Сергей Сафонов
Забыть знакомый язык
19.04.2018-8.05.2018
Arts Square Gallery (СПб)
Интеллектуальное пространство, в котором мы обитаем – это литературоцентричный европейский нарратив. Основополагающими элементами этой традиции являются книги, истории, рассказы и цитаты. Именно они приучили нас искать взаимосвязь сюжетов в мире, вычленять из потока информации ключевые детали и, обнаружив их, моментально складывать смысловые пазлы. В такой культурной системе оказывается крайне сложным сознательно выпасть из повествовательной канвы, отказаться от поиска ассоциаций и первоисточников и перестать считывать знаки и их значения в чем бы то ни было – в тексте, картине, интернет-меме или дружеском диалоге. Попытка абстрагироваться означает сознательное отрешение от всей предшествующей истории. Возможен ли подобный жест в нашей с вами традиции?
Произведениям Алексея Каниса и Глеба Гавриленкова удается балансировать на границе узнаваемых культурных кодов и тотальной абстракции. Авторы предоставляют зрителю возможность очутиться там, где путь восприятия раздваивается. Один из сценариев – остаться на проторенном пути и разглядеть в скульптурах классические древнегреческие прототипы от героев мифов и легенд до орнамента-меандра. А в живописи – пытаться вчитаться в символы, напоминающие граффити или арабскую вязь. Так или иначе – действуя по этому сценарию, мы остаемся внутри традиции.
Другой путь – стать иностранцем, забыть знакомый язык, разучиться его читать. Возможно, это непросто, но за освобождением от знакомых образов кроется вход в медитативное пространство, находящееся по ту сторону рациональности. Преодолев тягу распознавать символы, мы сможем оказаться внутри иных, абстрактных миров, где видимое лишено практического предназначения.
Работы на выставке амбивалентны – они являются проводниками классической образности и, одновременно с этим, порталами в абстрактные полости этого мира.
Наталья Карасева
Глеб Скубачевский. Anima Aliena
16.04.2018-16.05.2018
Участник международных художественных симпозиумов, биеннале и групповых выставок Глеб Скубачевский постоянно работает над новыми техниками и увлеченно экспериментирует на границе живописи и пластических форм. «Скульптура помогает мне придать своим объектам убедительность. Трансформация абстрактных картин позволяет добиться 3D-эффекта. Мне всегда хотелось перетащить нарисованные образы в наш мир, оживить их, сделать естественнее. Чтобы сделать свои произведения как можно более натуральными, одушевленными, без объема не обойтись».
Скубачевский закончил Училище им. 1905 года и МГАХИ им. Сурикова. После окончания мастерской Айдан Салаховой и Сергея Оссовского художник посвятил себя активному поиску индивидуального визуального языка в области современной скульптуры. После Aidan Studio, где состоялись его первые выставки, он работал в резиденциях для молодых художников по всему миру, где расширял и обогащал ряд собственных выразительных средств. В 2015 году, во время резиденции в Dukley European Art Community Марата Гельмана в Черногории он разработал технику, в которой на холсте сочетается множество материалов: от бумаги и акрила, до клея и гипса. Техника, требующая тщательной и долгой проработки, позволяет создавать объекты, которые художник наделяет жизненной силой. Работы из серии «Anima Aliena», по словам художника, – «неизвестные формы жизни, существа из других миров, попавшие на Землю». На выставке в Askeri Gallery впервые будут представлены цветные «Anima Aliena», прежде показанные только в монохромном виде.
Серию Anima Aliena Глеб Скубачевский сопровождает авторским текстом:
«12 апреля, 3028 год, понедельник.
Говорит капитан корабля «Вихрь». Наш корабль продолжает движение по траектории C-7DF, проходящей от планеты AG-9 к рубежу галактики UDFj-39546284. Образцы биомассы, взятой на планете AG-9, начали проявлять признаки жизни и интеллекта. Две особи белого цвета изменили свое положение на 5 мм за период в 36 земных часов. Некоторые из организмов стали выделять вещество, обладающее флуоресцентными свойствами. Приборы зафиксировали дыхательные процессы. Нейронные импульсы, наблюдаемые во всех образцах показывают, что Anima Aliena (так назвал новый вид доктор М, руководитель научного подразделения экипажа) не просто организм, объединяющий в себе свойства растений и животных, но разумное существо, наделенное сознанием и памятью. М. выдвинул предположение о том, что Anima Aliena может обладать интеллектом, сравнимым с человеческим. Он также отметил, что образцы имеют много общих черт с останками организмов, найденных на Земле в 3013 году после мощного метеоритного дождя».
(Расшифровка последней записи бортового журнала корабля «Вихрь», найденного дрейфующим в направлении галактики UDFj-39546284 в 3028 году по земному летоисчислению)».
1/16. Екатерина Григорьева
20.04.2018-20.05.2018
Выставочные залы Государственного музея А. С. Пушкина
История «группы шестнадцати» еще не написана. Наравне с легендарной «восьмеркой» (братья Павел и Михаил Никоновы, Михаил Иванов, Владимир Вейсберг и другие) шестнадцать живописцев и скульпторов, чья первая совместная выставка открылась в Московском Доме художника на Кузнецком мосту 19 марта 1969 года, были частью «левого МОСХа» – более широкого и все еще не осмысленного феномена. Кто в силу возраста этого не знает или просто забыл, «левым МОСХом» в брежневские времена именовалось предельно позволительное в рамках столичного творческого союза его либеральное крыло. Так суммарно именовались те авторы, кто, не уходя в андерграунд, в то же время, не «колебался вместе с линией партии», но продолжал движение вперед в поисках индивидуального пластического языка, основываясь на традиции отечественного и европейского модернизма. Илья Табенкин, Виктор Попков, Евгений Расторгуев, Даниэль Митлянский и другие участники «шестнадцати» (состав группы раз от раза немного варьировался) со временем вошли в обойму мастеров, ставших первостепенными и знаковыми для московского искусства 1970-1980-х годов. В этом списке есть и Екатерина Григорьева (1928 – 2010).
Художник Юрий Злотников вспоминал: «В коридорах художественной школы на Переславке стая девочек старшего класса. Помню среди них Катю Шиллинг… Как много было талантливых в школе! Где они? Профессиональная жизнь – суровый и неблагодарный труд, и только в редкие минуты – спасение, особенно в наше время. Катя – человек с хрупкой психикой, и живопись для нее – спасение почти физическое». В основе ранней живописи Григорьевой – переосмысление искусства Роберта Фалька, да и вообще московского искусства 1920-1930-х годов. Что вполне объяснимо почти генеалогически: отец Григорьевой, Евгений Михайлович Шиллинг был автором первого манифеста Союза художников и поэтов «Искусство – жизнь» (впоследствии – Общество «Маковец»). Помимо художников, в деятельности «Маковца» соучаствовали Велимир Хлебников, Борис Пастернак, отец Павел Флоренский… Поэт и путешественник, Шиллинг в 1950-х брал дочь в этнографические экспедиции по Дагестану в качестве художника, и с этого времени ведется отсчет ее художественного творчества.
«Екатерину Григорьеву наши искусствоведы не то что проморгали или прохлопали, ее знают. Допускают существование данного живописца», - саркастически замечала писатель Людмила Петрушевская в опубликованной в «Коммерсанте» рецензии на первую выставку Григорьевой, состоявшейся в галерее «Ковчег» только в 1993 году. Кураторы «Ковчега» тогда с изумлением обнаружили, что у художника, чьи произведения десятки раз экспонировались не только на отечественных, но и на международных (Лондон, Стамбул, Вашингтон…) выставках, все еще не было ни одного персонального показа. А в 1999-м полученный «Ковчегом» один из последних грантов фонда Сороса в России позволил наконец издать первый иллюстрированный каталог ее произведений. Галерею и художника связывала многолетняя дружба: живопись Григорьевой не раз экспонировалась в стенах «Ковчега», а многие холсты были специально написаны для галерейных проектов «Сто лет с огоньком» (курение и курильщики в искусстве ХХ века), «Желтые страницы» (художник и газета) и многих других. Посмертная выставка «Мастерская 116» (2010) также прошла в стенах «Ковчега». Несколько строк из некролога, опубликованного тогда в Газете. Ru: «В историю нашего искусства она вплыла тихим, без сигнальных огней, кораблем. Проплывающие мимо, кто в курсе, непременно отдадут ей гудок».
В давнем издании Екатерина Григорьева рассказывала о себе: «Мир мещанский для меня – моя тема. Вещички, кружевца, все то, на чем держится доброе начало. Все это нежно, невинно, незащищено, уязвимо (может, и не уязвимо – своей правотой) и вечно. Прекрасно то, что заласкано руками: картинки, старые вещицы, давно жившие, любимые кем-то. Они наивны вложенной в них душой, они всплыли из прошлого и плавают в мире, случайно оказываясь то здесь, то там. Выглядывают живые, добрые, глупые. Каждая из них говорит что-то беспомощное: не губи мою душу, я тебе, тебе, читай меня, я чиста, во мне хранится мой образ… Когда вдруг пронзает вѝдение, когда ты чувствуешь, что ты увидел, принял дар тайны – эту тишину и всегда одно выражение лица, - тогда живешь этим восприятием, тогда – счастье от жизни».
По причине кажущегося легкомыслия работы Григорьевой в 1970 – 1980-е годы не раз снимали с официальных выставок. Тем не менее, ее искусство предопределило появление значительных мастеров следующего поколения. «На последней Катиной выставке мне сказали: «Не было бы Катиных работ – не было бы и твоих». И душа моя наполнилась гордостью и признанием», - писала Наталья Нестерова. Нынешняя выставка к 90-летию художника – вероятно, первый опыт соединения в камерном музейном пространстве произведений Екатерины Григорьевой из заметных коллекций – неважно, государственных или частных.
Кураторы: Сергей Сафонов, Игорь Чувилин
Прощание с человечеством
17.04.2018-29.04.2018
ЦТИ Фабрика (Артхаус)
«Прощание с человечеством» – первая выставка Григория Ющенко после почти пятилетнего перерыва. В прошлом участник арт-группировки «ПРОТЕЗ», возмутитель спокойствия художественной сцены и человек, с которым связывались перспективы российского молодого искусства, решил не оправдывать ничьих надежд и надолго затворился в своем комфортабельном подполье. За это время почти все самые худшие опасения, гипотезы и предположения стали реальностью, а остальные ждут своего часа. Новый проект впитал в себя всю возможную горечь и разочарование происходящим в стране, обществе, мире – и предлагает единственно возможный образ светлого будущего и мечты. В нем автор изображает идеальный мир, где человечество проиграло битву с собственной глупостью, а силы вселенского добра в образе веселых зверюшек празднуют его уничтожение. Утопия и антиутопия, триумф и катастрофа, радость и ужас сольются в одной точке и взорвутся разноцветной праздничной ядерной хлопушкой.
Хаим Сокол. Свидетельство
16.04.2018-20.05.2018
ММОМА (Гоголевский бульвар, 10)
Московский музей современного искусства представляет персональную выставку Хаима Сокола – первый масштабный музейный проект художника. Экспозиция объединяет произведения Сокола разных лет, исполненные в широком диапазоне техник и материалов – инсталляции, видео, объекты, перформансы, тексты.
Смысловым и структурным стержнем здесь становится видео «Свидетельство» (2015), в котором сопрягаются все важные для Сокола темы – личной судьбы и коллективной памяти, труда и скитания.
Две работы разместятся под открытым небом, во дворе музея. Неотъемлемой частью выставки станут регулярные перформансы художника – своеобразное воссоздание ключевых сцен фильма в музейной среде, а также программа дискуссий и лекций, посвященных проблемам современной мемориальной культуры.
Artist talk и дискуссия «Скульптура как вымысел или комментарий? Трехмерный интерфейс в эпоху пост-интернета»
16.04.2018, 20:00
ЦСИ Винзавод (Открытые студии)
«Открытые студии» продолжают развивать направление поддержки молодых художников и приглашают гостей на дискуссию о роли скульптуры как частного вида объекта в современных практиках.
В ходе дискуссии спикеры обсудят актуальность трехмерного интерфейса, предлагаемого скульптурой, в эпоху интернета и экранного сознания. Участники события поразмышляют об уместности создания абсолютно нового образа сейчас, когда мы видим их переизбыток. Логичным следствием станет вопрос о новом образе как способе выражения художником произошедших или выдуманных событий.
В конце дискуссии художник и куратор Анатолий Осмоловский представит каталог «Ура! Скульптура!», выпущенный по итогам одноименной выставки, прошедшей на Винзаводе в 2016 году.
Количество мест ограничено. Вход по регистрации.
Участники дискуссии:
Французский художник, международный резидент «Открытых студий» Нельсон Перниско;
Российский художник, теоретик, лауреат Премии Кандинского Анатолий Осмоловский;
Российская художница, участница «Открытых студий» Дарья Неретина;
Российский художник Александр Образумов;
Куратор Музея современного искусства «Гараж» Снежана Кръстева.
Модератор дискуссии — куратор, арт-критик Андрей Паршиков.
Лекция-дискуссия «История страны в фотографиях журнала «Огонек». Часть II»
17.04.2018, 19:30
ЦСИ Винзавод (Цех Красного)
Среди спикеров — фотокорреспонденты Марк Штейнбок и Юрий Феклистов, экс-фотодиректор «Огонька» Наталья Ударцева и Николай Рахманов, легендарный фотожурналист, чьи снимки публиковались в журнале на протяжении многих десятилетий. Участники дискуссии обсудят, каким был «Огонек» 80-х, 90-х и начала нулевых, и покажут снимки, ставшие хрестоматийными.
В эпоху перестройки «Огонек» стал главным рупором гласности и журналом для массового читателя. Популярность «Огонька» была настолько велика, что за свежим номером выстраивались длинные очереди, тираж вырос от 1,5 до 4, 5 миллионов экземпляров, а в редакцию приходили мешки писем от читателей.
Вход свободный, по регистрации.
Лекция Анны Познанской: "XIX век, каким мы его не знаем"
17.04.2018, 20:00
Каждый ценитель искусства знает, что XIX век славен подвигами импрессионистов. Нам неоднократно доводилось читать или слышать о том, как они боролись с консерватизмом и косностью Академии и Салона, как крепко они опирались на реалистов середины века и т. д. Мы привыкли смотреть на XIX век глазами века XX (и даже XXI), разделившего искусство предыдущего столетия на условно-модернистское и условно-«застойное». Кроме того, знания российского зрителя об этой эпохе неизбежно отягощены еще и влиянием советских авторов, вынужденно делавших упор на социальную проблематику, реализм и идейность. В XXI веке, отступив на полтора столетия от искомых событий, мы обнаружили, что реальная картина художественной жизни XIX века гораздо сложнее и многообразнее. Был ли Энгр оплотом академизма? Можно ли считать Домье и Милле реалистами? Откуда в Германии взялся романтизм? Действительно ли Прерафаэлиты опирались на итальянское искусство дорафаэлевской эпохи? Это и многое другое предлагаем обсудить во вторник вечером за бокалом вина.
Школа / Škola crew. Британская академическая музыка
21.04.2018, 19:00
21 апреля в Музее А.Н. Скрябина состоится концерт команды «Школа / Škola crew». Вечер будет полностью посвящен британской академической музыке: прозвучат произведения Уильяма Берда, Генри Персела, Рейфа Воана-Уильямса, Эдварда Эльгара и Бенджамина Бриттена.
По сложившейся традиции, перед каждым произведением музыканты расскажут о композиторе и дадут небольшой экскурс в историю Великобритании. Например, зрители узнают, во времена какого монарха жил Уильям Берд, как правильно произносить фамилию композитора - ПЁрсел или ПерсЕл, и почему Елизавете IIпришлось дважды торжественно открывать концертный зал в Альдебурге.
Произведения будут исполнены в сопровождении видеоарта в технике pixel art от художника waneella. Под этим псевдонимом работает русский художник Валерия Санчилло. Она сотрудничает с такими компаниями, как Viacom (Nikelodeon), WayForward, Союзмультфильм, участвует в крупном фешн-фестивале Premiere Vision Paris, и, как и Вивьен Вествуд, работает в помощь благотворительного фонда War Child.
Летний сад
19.04.2018-15.05.2018
Так уж повелось, что Летний сад – сакральное место Петербурга, он всегда отражал в своем облике изменения которые происходят в обществе. В восемнадцатом веке, в период моды на все французское это был регулярный французский сад, где одним из характерных приемов является глубина ландшафта и насыщенность садовыми сооружениями. В девятнадцатом он превратился в английский парк и таким соханился до последней реконструкции после которой стал более американским. Каждый посетитель Летнего сада надолго сохраняет в своих воспоминаниях плотную листву раскидистых деревьев, солнечные зайчики, прохладную свежесть алей. Как воссоздать ощущение летней прогулки, не перемещая человека во времени? Современные мультимедийные и печатные технологии на лентикулярной линзе дали возможность создать иллюзию прогулки по парку в солнечный летний день. Художник Ольга Тобрелутс – пионер медиа арта. Она давно и успешно эксперементирует с новыми технологиями. Ее выставка в галерее Веры Погодиной долгожданное событие. Серия картин выполненых в технике стерео варио на тему прогулки по Летнему саду поражает точностью передачи чувственных переживаний по средством двигающейся галографической картинки.
Михаил Ромадин. Солярис
12.04.2018 — 20.05.2018
12 апреля в День Космонавтики откроется выставка “Михаил Ромадин. Солярис”.
Михаил Ромадин (1940-2012) — культовый художник, живописец, график, художник-постановщик кино, театра, иллюстратор книг. Автор летательного аппарата для фильма “Андрей Рублев” (1966), художник-постановщик, создатель стиля фильма “Солярис” (1972) Андрея Тарковского. Удивительным образом День рождения художника совпадает с Днем космонавтики!
На выставке будут представлены работы разных жанров- эскизы к кинофильму “Солярис”, живописные работы, иллюстрации Ромадина к книгам о космосе в том числе Рэя Брэдбэрри. Взаимодействие человека и вселенной, преодоление силы земного притяжения, темы полётов и космоса — были одними из любимых в творчестве Михаила Ромадина. Геннадий Шпаликов написал своему другу М. Ромадину в День Рождения:
Бывают крылья у художников,
Портных и железнодорожников,
Но лишь художники открыли,
Как прорастают эти крылья.
А прорастают они так -
Из ничего и ниоткуда.
Нет объяснения у чуда.
И я на это не мастак.
-
