События 2-8 апреля
14:15, 02 апреля 2018
Эх, жизнь...
8.04.2018-26.04.2018
Бар-галерея "Перелетный кабак"
Сложно написать что-либо про художников, творческий метод которых так пластически убедителен сам по себе, что явно не требует анализа в виде лишних словесных интерпретаций и поисков дополнительных смыслов. Делать это не хочется и ввиду «очевидности» предъявленных на суд зрителей сюжетов, показывающих нам простые, брутальные в своей незамысловатости сценки из жизни «низовой», наполовину криминальной части общества, жителям России хорошо известной, иностранцев же привлекающей своей экзотичностью и якобы грубой витальностью. Дело совершенно не в сюжетах. Не в заманчивой возможности строить на их основе критику криминальной реальности, в которую мы погружены из поколения в поколение. Дело в любви. Само строение живописного языка, пластика материала говорят о трогательном чувстве сопричастности авторов к той жизни, которая не может обойтись без искреннего любования и сочувствия. Ведь иначе совсем не останется и малой надежда на возможность развития. Искусство подобного рода, не предъявляя претензий к человеку, любит его, любит всех нас и помогает вращению мира. Помогает без лишних слов, обнимает и приносит радость!
Владислав Ефимов
Эра фантастики
4.04.2018-21.04.2018
24 апреля 1927 года в Москве была открыта «Первая Мировая выставка межпланетных аппаратов и механизмов». Фактически это был первый шаг, сделанный общественностью к покорению космоса.
Организационный комитет конкурса «Эра фантастики» решил «перезагрузить» формат той выставки, на основе эволюции развития науки и техники взглянуть по-новому, придать импульс, втянуть в мечту и фантастику детей и молодежь.
Мы часто смотрим в небо и задаем себе вопрос: что там за этой бесконечной синевой, в пугающей пустоте вакуума и расстояний? Земля – есть уникальная совокупность планетарных факторов, позволяющих нам существовать на планете. Вселенная бесконечна, вокруг нас миллиарды звезд и, возможно, что где-то существуют миры, населенные другими существами. Кто они? Какие они? Как они выглядят? Что знают? Что умеют?
Выставка «Эра фантастики» – попытка собрать в одном месте, со всей страны, призеров конкурса детского рисунка, научно-технического творчества, работающих в фантастическом жанре. Проект является социально значимым и направлен на поддержку талантливых детей, увлеченных темой космоса.
Память и свет. Японская фотография, 1950-2000
6.04.2018-13.05.2018
В рамках «Фотобиеннале 2018» и Года Японии в России Мультимедиа Арт Музей, Москва представляет выставку «Память и свет. Японская фотография, 1950—2000. Дар Dai Nippon Printing Co. Ltd.» из собрания Европейского дома фотографии (Париж). В 1992 году крупная японская типография Dai Nippon Printing Co. Ltd. по инициативе своего президента Йоситоси Китаямы решила познакомить французскую публику с современной японской фотографией и презентовала Европейскому дому фотографии (Maison Européenne de la photographie) обширное собрание работ выдающихся японских фотографов 1950-х—1990-х годов. C 1994 по 2005 годы коллекция MEP ежегодно пополнялась лучшими фотографическими сериями японских мастеров и насчитывает сегодня 540 произведений. Это крупнейшее собрание японской фотографии в Европе, наглядно демонстрирующее важную роль японского искусства в истории мировой фотографии. На выставке в МАММ представлена часть этой коллекции, охватывающая период с конца 1950-х до начала 2000-х годов, включающая работы классиков послевоенной японской фотографии и звездных фотографов, известных сегодня во всем мире, среди них: Нобуёси Араки, Масахиса Фукасэ, Сэйити Фуруя, Наоя Хатакэяма, Хиро, Эйко Хосоэ, Ясухиро Исимото, Мияко Исиути, Ихэи Кимура, Таидзи Мацуэ, Рюдзи Миямото, Дайдо Морияма, Икко Нарахара, Хироси Сугимото, Кэйити Тахара, Хироми Цутида, Сёмэй Томацу, Сёдзи Уэда и Хироси Ямадзаки.
А я иду, шагаю по Москве...
6.04.2018-13.05.2018
В рамках программы «Классики российской фотографии» Мультимедиа Арт Музей, Москва представляет персональную выставку легендарного российского фотографа Виктора Ахломова (1938-2017), приуроченную к 80-летию со дня его рождения. МАММ сотрудничал с Виктором Ахломовым с момента основания музея в 1996 году, постоянно включая фотографии мастера в крупнейшие выставочные проекты, посвященные истории России. В 2001 и 2008 годах в музее «Московский Дом фотографии» с огромным успехом прошли большие ретроспективные выставки фотографа. Сегодня мы вновь обращаемся к его творчеству и показываем лучшие, знаковые работы Виктора Ахломова из собрания нашего музея и частных коллекций, отдавая дань памяти и признательности солнечному позитивному человеку и великолепному профессионалу. Коллеги называли Виктора Ахломова «фотографом хорошего настроения», это определение, невероятно точно характеризует его жизнь и отношение к профессии. Виктор Ахломов — классик российской фотографии, четырехкратный лауреат престижнейшего конкурса «World Press Photo», обладатель множества призов, премий и наград, с большим юмором относился к своим регалиям, главным для него было - сохранять и вызывать у зрителей интерес к жизни, пробуждать любопытство и азарт!
Масао Ямамото. Футляр Пустоты
6.04.2018-10.06.2018
В рамках «Фотобиеннале 2018» Мультимедиа Арт Музей, Москва представляет выставку знаменитого японского фотографа Масао Ямамото из собрания Etherton Gallery. Снимки Масао Ямамото часто сравнивают с хокку – короткими стихотворениями, яркими благодаря простым и точным образам, позаимствованным у природы. Ямамото работает в технике серебряно-желатиновой печати, он вручную состаривает и мягко тонирует снимки, стремясь подчеркнуть хрупкость и мимолетность создаваемых им образов. Последовательность и расположение снимков также имеют большое значение для художника, поэтому для музеев и галерей Ямамото специально создал несколько уникальных фотоинсталляций. На выставке в МАММ будут показаны серии: «Футляр Пустоты», «Наказора», «Шизука» (Очищение) и «Kaва» (Поток). Масао Ямамото родился в 1957 году в городе Гамагори (Префектура Айти), расположенном в центре крупнейшего японского острова Хонсю. Он изучал живопись, а с 1993 года полностью посвятил себя фотографии. Ямамото выпустил множество книг, последние из них – «Тори» (Radius Books, 2016) и «Стихотворения Сантока» (Galerie Vevais, 2016). Другие его издания: «Мелочи в молчании» (Editorial RM, 2014); «Kава=Поток» (Kochuten Books, 2011), «Омизуао» (Nazraeli Press, 2003), «Сантока» (Harunatsuakifuyu Sousho, Japan, 2003), «Пути зеленых листьев» (Nazraeli Press, 2002) и «Футляр пустоты» (Nazraeli Press, 1998). Снимки Ямамото выставлялись в музеях и галереях США, Европы, Японии, России и Бразилии. Его работы публиковались в «The New York Times», «The Los Angeles Times», «The Daily Telegraph», «The Guardian», «Photonews», «Black and White Magazine», «Unseen», и др.
Тихая жизнь Ю.К.
4.04.2018-15.04.2018
Я впервые увидел картины Юли Картошкиной в фейсбуке, тогда она ещё писала маслом на бумаге довольно крупных форматов. Я ничего не знал о ней, но сразу же договорился о покупке серии этих картин, и в ближайший приезд в Москву отправился к ней в мастерскую и купил их, а в виде бонуса получил в подарок пару рисунков. Было сразу понятно, что Картошкина скоро будет звездой московской живописи, и было приятно сознавать, что этого почти никто, кроме меня, не знает.
Вскоре у меня состоялась моя собственная выставка в Москве, на «Винзаводе»; Юля пришла на вернисаж с бумагой и фломастерами и весь вечер рисовала посетителей выставки. На подаренном мне рисунке я узнал себя и Веру Хлебникову.
Через некоторое время я договорился о поездке на пленэр в город Камышин, что находится на Волге между Саратовом и Волгоградом. Пригласил в качестве одного из участников Картошкину. Юля нарисовала картинок больше всех, быстрее всех и лучше всех. Отчётная выставка проходила в Саратове в доме-музее Павла Кузнецова. Все сотрудники музея полюбили Юлю, и у неё там скоро будет большая персональная выставка.
Незадолго до поездки в Камышин Картошкина перешла с масляных красок на гуашь, что очень ей идёт, в частности, сделала огромную серию свободных копий с русских и западноевропейских известных картин, а также портретов, пейзажей и натюрмортов.
Я стал регулярно приобретать её гуаши в свою коллекцию, и мне всё мало — из каждой новой серии я, как правило, покупаю одну-две-три картинки.
Постепенно через всё тот же фейсбук картинки Юли стали всё более популярными: например, кроме жителей Москвы и Санкт-Петербурга, её работы стал покупать коллекционер из Тбилиси, Давид Мушкудиани, — кажется, единственный грузинский коллекционер, собирающий, кроме грузинских авторов, ещё и современных русских художников.
Нынешняя выставка в замечательной галерее «Роза Азора» — логичный этап в жизни художника; даже несколько странно, что хорошие галереи заметили Картошкину так поздно. Все эти цветы, чайники и собаки прекрасны и удивительны, их надо скорее покупать и вешать на стену.
Александр Флоренский
Нулевая гравитация подсознательного
3.04.2018-30.06.2018
С 3 апреля по 30 июня в Государственном музее – культурном центре "Интеграция" имени Н.А. Островского пройдет выставка особенного художника Маркуса Мартиновича "Нулевая гравитация подсознательного" при информационной поддержке Фонда помощи детям "Обнаженные сердца". В экспозицию войдут картины, которые ранее не выставлялись ни в одном музее мира.
Маркус Мартинович – 11-летний художник c аутизмом. Он не имеет представления о тенденциях, рынке и даже об актуальных задачах современного искусства. Но ввиду того, что он не может выразить свои чувства вербальными средствами, он обращается к визуальному языку, создавая свое собственное наречие для общения со зрителем.
Ввиду тяжелой эпилепсии Маркус с рождения принимает множество препаратов. И на каждом новом препарате меняется не только средства его визуального самовыражения, но и поведение, предпочтения, черты характера. Это заставляет задать еще один вопрос: а есть ли в Маркусе что-то истинное, кроме подсознательного? Знает ли Маркус, кто он, если с каждым медикаментом он новый человек? Ответы вы найдете в его работах.
Центральные образы его картин – сам Маркус и его мама. Они плотный симбиоз и неразделимое целое его мира. Художник хотел бы населить свой мир и другими персонажами, но невидимые барьеры не дают ему это сделать. И тогда, Маркус сам перевоплощается в них: "Маркус в роли Энди Уорхола", "Маркус в роли Йозефа Бойса", "Маркус в роли медбрата из больницы". Только так, проходя через самого автора, посторонние люди могут стать частью его вселенной.
Работы, представленные на выставке, созданы в разные периоды жизни Маркуса. И все серии отличаются по технике. Делал ли он это сознательно? Скорее всего нет.
Маркус уже состоялся как явление современной культурной жизни и стал частью искусства XXI века. За его плечами несколько выставок** в России и в Германии. Его картины пользуются спросом в среде коллекционеров современного искусства. Многие работы нашли место в собраниях европейских ценителей живописи и были по достоинству оценены профессионалами.
Познакомившись с работами Маркуса, каждый сможет решить для себя, что это – безграничное одиночество или самодостаточность. Увидеть в работах часть своих внутренних переживаний, а также неведомые, чуждые обычному человеку чувства. Окунуться в безбрежный океан подсознательного и, возможно, увидеть на поверхности этого океана отражение себя.
Спектакль «Эффект пинг-понгового шарика»
3.04.3018,19:00
Еврейский музей и центр толерантности
3 апреля 2018 года в Еврейском музее и центре толерантности «Упсала-Цирк» покажет спектакль «Эффект пинг-понгового шарика». Спектакль рассказывает историю о том, как ничем не примечательная вещь вроде шарика для пинг-понга внезапно может оказаться центром, вокруг которого вертится весь мир. Или хотя бы мир отдельно взятого спектакля.
Эффект пинг-понгового шарика всегда непредсказуем, и это превращает спектакль в большой эксперимент. Начиная следить за движениями шарика, артисты подхватывают ритм, дополняя и усложняя его трюками, приемами акробатики и жонглирования. Звуки живой и электронной музыки, случайные шумы и голоса соединяются в одно целое, складываясь в уникальную музыкальную партитуру. Все вместе, такт за тактом, артисты, музыканты и зрители каждый раз создают новый уникальный рисунок спектакля. Повторений здесь быть не может — так же, как не бывает повторений в траектории движения шарика для пинг-понга.
Возраст: 6+
Я не робот
5.04.2018-1.06.2018
«Я не робот» — в этой фразе заключен ключевой парадокс личности, чья повседневная деятельность в большинстве случаев опосредована контактом с машиной. Согласно мнению философа Джорджо Агамбена, современное общество пребывает в состоянии чрезвычайного положения, а система настроена на умножение новых способов выявления и предотвращения потенциальных угроз. В таких условиях, чтобы продемонстрировать виртуальной сети свои намерения, человек вынужден доказывать машине свою человечность.
Проект посвящен изучению взаимодействий с артефактами памяти в цифровом мире, где граница между частным и публичным — неочевидна. Где биологическое и социальное тело человека воспринимается как набор данных, которые превращаются в средство обмена. Где вещи, попадая в пространство интернета, живут собственной жизнью. И сколько бы ни говорили о непредвзятом машинном разуме, ни один программный код, рассчитанный на взаимодействие с внешним миром, не обходится без решения этических дилемм. Противопоставление машинного и человеческого, виртуального и реального сегодня видится наивным — современность разворачивается на стыке этих понятий, одно является неотъемлемой частью другого.
Коммуникация между людьми в интернете оказывается вторична по отношению к взаимодействию с различными алгоритмами и интерфейсами. Человеку свойственно в новый механизм закладывать черты предшествовавших изобретений и строить системы по аналогии с органическим и социальным устройством. Нередко даже самая безобидная попытка подобного (буквального) перевода приводит к непредвиденным результатам. Одним из таких переводов, заставляющих задуматься об иллюзорных и фактических границах между машинным и человеческим восприятием, является попытка перенести артефакты памяти в виртуальное пространство.
Возможно ли воспринимать и описывать коммуникационные системы с участием как человеческих, так и нечеловеческих факторов, не прибегая к метафорическому сопоставлению биологического и технологического, не пытаясь конвертировать принципы и законы одного в другое? Это лишь один из немногих вопросов, появляющихся в связи с проблемой цифровой памяти. Трансформации самопрезентации, борьба за доступ к данным, граница между публичным и частным — каждый новый технологический инструмент предоставляет целое поле для анализа привычных понятий.
Задача этого проекта — предпринять попытку изучения и интерпретаций обозначенных вопросов.
Участники: Даня Васильев, Екатерина Васильева, Юлиана Голуб, Саша Литвинцева, Сильвио Лоруссо, Максим Месяц, Александр Минченко, Сара Кульманн, Людмила Калиниченко, Иван Петрокович, Даша Трофимова, Егор Цветков.
Куратор: Ольга Дерюгина
Арт-уикенд ARTIS Project. Групповая выставка: RED
7.04.2018-8.04.2010
ЦСИ Винзавод (Винтажный зал)
Красный – цвет, привлекающий к себе наибольшее внимание в палитре художника. Недаром именно этим цветом выделены все запрещающие и предупреждающие сигналы: он воспринимается человеческим зрением быстрее остальных. Психологи уверяют, что красный имеет наибольшую власть над нами, а младенцы начинают различать первым именно его. Красный – самый распространенный цвет, находящийся на национальных флагах и костюмах различных народов мира.
Этот цвет обладает одной из самых разнообразных и противоречивых символик. Трактовки его бесконечны и зависят от контекста: любовь или ненависть, смелость или опасность, власть или жертвенность…
В европейской традиции красный означает власть, силу, войну, право, храбрость, мужество, бунт, революцию. В восточной – цвет радости, праздника, тепла, чистоты и богатства.
Китайцы считают, что у добродушных и правдивых людей «красная душа». У славян красный – синоним красивого (красна девица, Красная площадь, лето красное). Красным углом называли самое святое и почетное место в избе у восточнославянских народов. «Красная книга» – книга об исчезающих животных, растениях и грибах. «Красный крест» – международная организация неотложной и бесплатной медицинской помощи. Именно красным были написаны древнейшие наскальные рисунки: изображения точек в Испании, буйвола во Франции и силуэт рук в Индонезии, ведь именно он одним из первых появился в человеческой культуре и по праву считается самым древним.
Во многих племенах Африки, Америки, Австралии воины перед боем красили в красный цвет лицо и тело. А у полинезийцев слово «красный» является синонимом слова «возлюбленный».
Ни один другой цвет не передает столько значений, а энергетика и магнетизм красного огромны.
Выставка RED, организованная ARTIS Project, является выражением интереса к этому цвету, своеобразным исследованием символики красного с помощью творчества художников.
Картины Романа Резницкого и Саши Ардабьева, выполненные в современном плакатном стиле, повествуют о культуре сегодняшнего дня, полной соблазнов и противоречий.
Красный в палитре Резницкого – цвет страсти, желания и порока, присущих современности.
У Ардабьева же красный – бессменный фон, на котором разворачиваются сцены из нашей повседневной жизни, дополненные виртуальным измерением – смайликами, смсками и эмоджи.
Асмик Мелконян и Надежда Винниченко представят на выставке более традиционные живописные работы. Мелконян в серии «De capo» работает с темой орнамента, который словно «красной линией» опоясывает происходящее на холстах, повторяя очертания белых теней.
Картины Надежды Винниченко – яркие экспрессивные пейзажи, выполненные в реалистичной технике, но порой так напоминающие абстрактные полотна. Красный у художницы – символ красоты и мощи природы, которая через этот цвет обращается к зрителю на языке эмоций и желаний.
Интерактивную часть выставки составят работы light-art художницы Анны Фобии и скульпторы Weld Queen. Посетители смогут поучаствовать в капиталистическом аттракционе «Всевластие» Анны Фобии, примерив на себя неоновые короны и поработать со своей самооценкой в инсталляции «Основа», подарив себе аплодисменты, активизирующие красные «лайки».
Королева сварки Weld Queen покажет несколько металлических скульптур из серии «Качалки», которые сможет привести в движение каждый желающий.
Наследие Великой степи: шедевры ювелирного искусства
4.04.2018-13.05.2018
С 4 апреля в Всероссийском музее декоративно-прикладного и народного искусства открывается уникальная выставка «Наследие Великой степи: шедевры ювелирного искусства», которая представит культуру и искусство кочевников из собрания Национального музея Республики Казахстан. На выставке будет представлен символ Республики Казахстан «Золотой человек».
В конце 1960-х — начале 1970-х годов в окрестностях Алматы произошла археологическая сенсация: в курганe Иссык, который исследовал выдающийся археолог Кемаль Акишев, были обнаружены останки сакского царя, — «Золотого человека», — ставшего впоследствии символом Казахстана. Бесценную находку окрестили «казахским Тутанхамоном» и признали открытием века. Золотые украшения из короны древнего правителя степей — крылатые кони-тулпары, — стали частью национального герба Республики Казахстан, а скульптура Золотого человека установлена на площади Независимости в Алматы.
На выставке во Всероссийском музее декоративно-прикладного и народного искусства можно увидеть реконструкцию Золотого человека в расшитой золотыми бляшками одежде, в головном уборе особой конической формы, который украшают золотые пластины в виде золотых стрел, снежных барсов, архаров, лошадей и птиц, и коллекцию археологических находок эпохи раннего железного века (V – IV вв. до н.э.), сопровождавших захоронение этого знатного сакского молодого воина (по мнению археологов его возраст 17 – 18 лет).
В Национальном музее Республики Казахстан хранится обширная коллекция (свыше тысячи предметов) по этнографии народов Центральной Азии и Северного Кавказа. Более шестидесяти образцов высокого ювелирного искусства из этих фондов привезены в Москву. Публике представлены ювелирные изделия XIX – середины XX веков, различные украшения, детали женского и мужского костюма, отдельные предметы бытовой культуры.
Выставка «Наследие Великой степи: шедевры ювелирного искусства» демонстрирует одну из самых ярких и впечатляющих традиций богатейшего наследия степной культуры Евразии.
Next big Nothing / Следующий большой ничего
4.04.2018-22.04.2018
Проект открывает для аудитории явление Нового коллекционирования: деятельность, ставшую возможной благодаря текущим и будущим достижениям современного и перспективного производства. Среди индивидуальных стратегий новых коллекционеров Виктор Коханюков выделяет базовые для их практик аспекты, такие как действие, структура, время и др. На выставке зрители увидят экспонаты, которые наглядно представляют многообразие Новых практик.
Новое коллекционирование пока проникло только в избранные области современной жизни, развернутые главным образом в городской среде. Это обусловлено особым характером предметов коллекционирования и способов существования самих собраний.
В отличие от традиционных коллекционеров, собиравших продукты промышленного производства, Новым интересна работа аффективной экономики с ее желаниями, опытом, и эстетикой. Вместе с тем потенциал предлагаемой эстетики еще предстоит оценить в свете настоящих и будущих конфликтов юрисдикций, оптик и архитектур.
Параллельная программа к выставке включает в себя круглые столы с участием художников и коллекционеров.
Пространство символов
4.04.2018-8.04.2018
Государственный музей архитектуры имени А.В. Щусева (Флигель "Руина")
Государственный музей архитектуры имени А.В. Щусева представляет выставку «Пространство символов», приуроченную к 90-летнему юбилею школы Согэцу. Экспозиция включает в себя материалы о развитии школы и о четырех президентах (Иемото) школы, а также работы членов Московского филиала икэбана Согэцу, которые будут посвящены темам весны, любви, жизни, пути и творчества.
Икэбана уходит корнями в древнюю историю Японии. С первых же дней своего развития это искусство связывается с символами, несущими в себе глубинные связи с природой. Символы могут быть вызваны ассоциациями, подсказаны природой, уникальными формами и качествами растений. Использование нетрадиционных материалов в икэбана позволяет глубже понять природу вещей. Однако, эстетика икэбана и её основополагающие принципы — это красота естественности, простота, бережное и внимательное отношение к природе. Они сохраняются на протяжении всей истории, делая её совершенно уникальным и неповторимым явлением в мире искусства.
Под влиянием авангардных течений в 1927 году Софу Тэсигахара создает инновационную школу икэбаны Согэцу, которая с успехом развивает творческие возможности икебаны в современном мире. Благодаря деятельности школы икэбана уже давно вышла за пределы классических интерьеров и заявила о себе как об одном из самых актуальных и смелых направлений в искусстве.
Согэцу — это мир богатой фантазии и смелых конструктивных решений, использование и сочетание самых разных материалов, в том числе неприродного происхождения, и подчас очень нестандартных. В объемно-пространственных композициях мастеров школы Согэцу оживают и приобретают новые свойства металл, пластик, бумага, ткань, что расширяет реализации творческих возможностей.
На выставке «Пространство символов» представлены работы, в основе которых лежат нестандартные решения. Эти эксперименты будоражат фантазию и заставляют присматриваться к окружающему миру внимательнее и относится более бережно: мы черпаем вдохновение у природы, даже если создаем самые нестандартные и смелые работы.
Термитники – 2
5.04.2010-29.04.2018
ЦТИ Фабрика (Оливье)
На открывающейся выставке, образ термитника, являющийся для художника, символом цивилизационного процесса, представлен в серии новых скульптур и видео мэппинге.
Методом этой серии, является цитирование элементов, прежде функциональных и декоративных построек, жилищного и промышленного назначения. Бывшие колонны, фасады и фундаменты, теперь оплыли и растворились в биоморфной массе, растущей на их месте. Эти нагромождение подобны деревья, захватывающим развалины забытых цивилизаций и разница в том, что теперь строительный и бытовой мусор, служит перегноем для их корней и щупальцев ростков. Жилища из переваренной древесины, пенопласта, земли и экскрементов, говорят о новом порядке жизнеустройства. Современные руины приобретают эпические формы, а природа становится главным потребителем отходов цивилизации.
Эмилио Амбас: от архитектуры к природе
4.04.2018-28.04.2018
Государственный музей архитектуры имени А.В. Щусева (Аптекарский приказ)
Государственный музей архитектуры имени А.В. Щусева представляет выставку «Эмилио Амбас: от архитектуры к природе». Экспозиция расскажет об инновационных работах выдающегося американского архитектора, промышленного дизайнера и куратора.
Амбас родился в 1943 году в городе Ресистенсия, Чако в Аргентине, учился в Принстонском университете, где за два года получил степени бакалавра и магистра архитектуры. Вместе с Питером Айзенманом он был сооснователем научно-исследовательского Института архитектуры и урбанизма, IAUS в Нью-Йорке (1967-84). Он был куратором отдела дизайна (1970-1976) Музея современного искусства в Нью-Йорке (МоМА), где организовал такие выставки, как «Италия: новый домашний ландшафт» в 1972 и «Архитектура Луиса Баррагана» в 1974. В 1976 Амбас основал в Нью-Йорке собственную архитектурную мастерскую. В том же году он представлял Соединенные Штаты на Венецианской Биеннале. Среди наград – Progressive Architecture Award (1976, 1980, 1985) и победа в конкурсе на генплан мировой Экспо в Севилье (1992). С 1980 Амбас является главным дизайнером компании Cummins Engine Co. Ему принадлежит множество дизайнерских патентов и он является изобретателем первого в мире эргономического кресла (1976).
Эмилио Амбас – один из пионеров экологической архитектуры, чьи проекты оригирально и поэтично интегрированы в природу. Архитектор проживает в Нью-Йорке и Болонье. До Москвы выставка прошла в Сингапуре, Пекине и Шанхае. Среди главных экспонатов – макет частного дома под Севильей (2004), фотографии, рисунки и фильмы.
3 апреля в рамках открытия выставки состоится лекция куратора и организатора выставки в Москве – Владимира Белоголовского.
-
