Дмитрий Аске: это всегда интригующе — находить связь своей жизни с искусством

В апреле на воротах ММОМА в рамках проекта «ARCA» появилась новая работа от современного художника Дмитрия Аске. Мы встретились с Дмитрием чтобы поговорить о развитии уличного искусства, студийных работах, современном искусстве и дальнейших творческих планах.

Текст: Виктория Закудрявская

Фото: Страница Дмитрия Аске Вконтакте

Дмитрий Аске, «Через тернии к звездам»

 -Работа «Через тернии к звёздам» появилась совсем недавно, и уже полюбилась зрителям. Расскажите о её сюжете, истории и образах.

Это такой оммаж одному из портретов Жанны Д’Арк. Я некоторое время назад отбирал для себя образы и произведения искусства, с которыми хотел поработать, и фигура Жанны Д’Арк была одной из них. Кроме того, я решил, что такая работа будет уместна на территории музея. С одной стороны, это история героизма. Я для себя и для зрителя ставлю вопросы: имеет ли вообще место героический поступок сегодня? Каким он может быть? Что каждый человек вкладывает в это понятие, и на что он готов ради какой-то цели? С другой стороны, этот образ посвящен огромной роли женщин в мире искусства. Я говорю об организаторах биеннале и кураторах выставок, владелицах галерей и фондов, директорах музеев современного искусства. По опыту я вижу, что все эти женщины делают огромную работу, которая продвигает искусство вперед. Композиция работы выстроена как раз так, чтобы показать зрителю, что это героический образ, но он существует в нашей действительности.

- Я думаю, что многие, увидев эту работу и прочитав описание к ней, свяжут историю героизма Жанны Д’Арк с нынешней напряженной ситуацией борьбы за свободу идей и слова. 

Кто-то может прочитать работу и в таком свете, но мне всегда интересно создавать несколько прочтений. Мне видится, что если у работы есть только единственное послание, то это скучно и напоминает плакатную живопись. Когда есть различные намеки и отсылки, которые интерпретируются людьми по-разному, – это гораздо интереснее. 

- По цветовым комбинациям работа очень гармонично сочетается с архитектурой здания музея. Вы всегда учитываете городской ландшафт?

Стараюсь, хотя обычно я использую более яркие цвета. Здесь при работе со зданием музея, мне не хотелось делать работу, которая бросалась бы в глаза, как наклейка или плакат, поэтому я подобрал более приглушенную и подходящую цветовую гамму. Хотя в процессе работы у меня был вариант с более яркими цветами, но уже на месте я сравнил и понял, что так будет лучше. 

Дмитрий Аске, «Через тернии к звездам»

- Сейчас вы современный художник и создаете студийные работы, а начинали как граффити-райтер. Не было внутренних противоречий, когда решили поменять формат работы? Как происходил переход?

В 2009 году я познакомился с украинскими художниками Aec и Waone, которые тоже начинали с граффити, но потом переключились на сюрреалистические сюжеты. После встречи с ними я понял, что буквы – это очень узконаправленная история, которую понимают либо райтеры, либо шрифтовые дизайнеры. Я начал параллельно рисовать шрифтовые композиции и цифровые иллюстрации с лицами, сюжетами и персонажами, а в 2012-2013 годах совсем оставил шрифты. Ещё одним важным событием стала работа на выставке «Faces&Laces» в 2011 году, где мне в голову пришла идея, что для создания работы можно напечатать контуры иллюстрации, приклеить их на фанеру, распилить, покрасить, склеить и получится картина, а потом добавить еще несколько слоёв. И вот около 10 лет я эту технику развиваю, совершенствую, и это мой главный формат студийных работ.

Дмитрий Аске в процессе создания работы. Фото: Екатерина Спехова

- Адреналин приливал, когда вы выходили рисовать на улицу?

Иногда, конечно, да. Но меня не адреналин привлекал, а результат того, что я нарисовал, сфотографировал и получил удовольствие. Я не искал приключений на свою голову. Мне было интересно заниматься творчеством, а не бегать от милиции и жителей района.

- То есть для вас уличное искусство стало таким этапом или переходом к студийным работам?

Это всё планомерно развивалось. Я в любом случае сейчас занимаюсь творчеством, и мне не важно, рисую я на улице или работаю в студии, читаю лекции или проектирую скульптуру на компьютере. Мне нравится, что у меня есть широкий спектр того, чем я занимаюсь. И мой творческий процесс не превращается в рутину, потому что у меня несколько разных сфер, где я его применяю.

Дмитрий Аске, «Невидимая граница»

- Институционализация уличного искусства носит только коммерческий характер, или есть другие причины?

И коммерческие тоже. Когда художник становится востребованным, он расставляет приоритеты: весомые и масштабные проекты, за которые платят гонорары, приобретают большую важность. Но, в целом, уличное искусство стало очень популярно в последние десятилетия, в том числе, из-за смены поколений. Те люди, кто вырос на этой культуре, продолжают следить за творчеством художников. И моё предположение, что искусство уличной волны нынешнему поколению ближе и понятнее.

- Вы не раз выступали куратором разных проектов уличного искусства. Вам нравится эта роль? Что это за опыт?

Я выступал как один из кураторов на Биеннале уличного искусства «Артмоссфера» в 2016 и 2018 годах. И был интересный опыт в 2019 году, когда я ездил во Владивосток, где в рамках фестиваля «V-ROX» в ЦСИ «Заря» курировал выставку. Я отбирал заявки художников, продумывал экспозицию, и это довольно увлекательно, когда ты встаёшь на противоположную сторону процесса. Такой опыт даёт возможность посмотреть на происходящее по-новому, переосмыслить некоторые моменты и позволяет расширить кругозор, в том числе с позиции художника.

Дмитрий Аске, «Добродетель»

- Еще одна важная часть творчества – это теоретизация уличного искусства. Вы выступаете с лекциями, проводите встречи, думаете над написанием книги. Почему для вас это важно?

В первую очередь, мне это интересно. Кроме того, у меня есть багаж знаний и опыт: около десяти лет я занимался трансляцией уличного искусства сначала в печатном журнале (Code Red), а позже в сетевом издании (Vltramarine). Теперь продолжается лекциями. И мне кажется, что книга или серия книг станет логическим развитием моей деятельности и позволит зафиксировать весь накопившийся объём знаний. Хочется изложить какую-то свою точку зрения на происходившие процессы, тем более что за двадцать с небольшим лет уже есть о чём писать в рамках российского уличного искусства. Для меня важно, чтобы это была книга не только для специалиста, но и для любого читающего человека.

Дмитрий Аске, «Хранитель» 

- Дмитрий, вы не раз отмечали, что на творчество большое влияние оказали компьютерные игры и конструктор Lego. Но, наверняка, со временем расширились «статьи» вдохновения. Откуда вы черпаете вдохновение для сюжетов работ?

С возрастом меня всё меньше что-то впечатляет с такой же силой, как прежде, и это нормальный процесс. Сегодня меня по-прежнему вдохновляют книги, какие-то истории вымышленные или настоящие, любопытная информация, которую я услышал или прочитал. Но, помимо этого, меня сильно вдохновляет сам процесс создания работы. Моя методика заключается в следующем: я собираю визуальный материал в огромный файл в Фотошопе с отдельными частями и кусочками. Это может быть набор фрагментов лица, фигуры, фона и т.д. Затем я уже, как из конструктора, собираю композицию. Пока играюсь с этими эскизами, мне приходят идеи работы или серии. Так, я собираю несколько сырых композиций, некоторое время обдумываю, что и как можно изменить и добавить. В результате за несколько таких мысленных проходов выкристализовывается финальная композиция, где я уже могу обозначить сюжет. Это такая компоновка, похожая на собирание Lego не по инструкции.

Дмитрий Аске, «За мгновение до рассвета»

- На прошедшей выставке «За мгновение до рассвета» я для себя определила ряд сюжетов, похожих на те социальные процессы, которые происходят в нашей стране. На вас оказывает влияние жизнь и позиция общества?

Мне хотелось бы, чтобы работы содержали какой-то намек на время, в которое мы живём, но без прямой отсылки к какому-то конкретному событию. Это банально даже связано с тем, чтобы произведение не устарело, когда все забудут, что происходило на прошлой неделе. 

Дмитрий Аске, «Дочери Софии»

- У вас очень поэтичные названия у картин. Вы можете проанализировать, откуда это? Это связано с багажом литературы или чем-то ещё?

Я всегда стараюсь называть работы так, чтобы они были ключом к пониманию произведения. Иногда названия приходят сами в голову, и я записываю их в телефон. У меня есть огромный список, куда я периодически заглядываю, чтобы найти нужное имя для работы. Когда ничего не подходит, то я просматриваю библиографию разных писателей, где могу позаимствовать название или натолкнуться на созвучные идеи. Бывает, что я вдохновляюсь содержанием книг. Так было с картиной «Знамя хлеба земного». Я, когда готовил выставку, слушал аудиокнигу «Братья Карамазовы» Ф.М. Достоевского. И в главе «Великий инквизитор» я как раз услышал это словосочетание, которое идеально подходило по смыслу к моей картине. Высказывание получилось с глубоким смыслом и отсылкой к классике, при этом идеально сочеталось с сюжетом. 

Дмитрий Аске, «Знамя хлеба земного»

- Если бы не фанера, вы могли бы работать маслом на холсте? Какой другой материал вы выбрали?

У меня есть несколько работ, сделанных на холсте, примерно 2011-2012 годов, но мне это не нравится, потому что, учитывая мою стилистику, я понимаю, что много времени уходит на прокрашивание плоскостей, и я затрачиваюсь не на творческий процесс, а на техническую реализацию. Мне нравится заниматься тиражной графикой, и скоро я как раз выпущу новую шелкографию. Кроме того, осваиваю 3D-печать, чтобы поглубже нырнуть в 3D-моделирование. Меня привлекает процесс создания чего-то необычного, выделяющегося из массы. И этот принцип я усвоил еще со времен граффити. Если ты отличаешься от остальных, и твой стиль узнают без подписи, – это один из залогов успеха.

Дмитрий Аске, «Безмолвный проводник», тиражная работа

- Каким вы видите сейчас своего настоящего и будущего зрителя? 

Это хороший вопрос. Было бы здорово, чтобы мои работы могли воспринимать совершенно разные люди, независимо от возраста, профессии, социального положения. По моим наблюдениям так и получается. Общаясь на своих выставках с разными людьми от детей до пенсионеров, я понимаю, что каждый находит в произведениях что-то своё. Более того, исходя из моего небольшого опыта выставок за рубежом, я понимаю, что механизмы считывания произведений работают как в России, так и в любом другом месте.  

- Искусство должно объединять людей или разъединять?

В идеале, конечно, объединять, потому что мы и так достаточно разъединились. Но другой вопрос, что это не просто сделать. Тем не менее, у каждого художника есть свой круг поклонников, и это уже их объединяет. Мне всегда приятно пообщаться с людьми, у кого примерно схожие взгляды и вкусы на искусство и творчество. И эти точки соприкосновения позволяют быстрее наладить контакт и создать приятное плодотворное общение. В целом, искусство имеет огромный потенциал к объединению, но оно должно быть ближе к зрителю. И возможно, не только усилиями самих зрителей, но кураторов и музейщиков.

Дмитрий Аске за работой в мастерской. Фото: Зоя Волкова

- Что является критерием современного искусства?

Это сложный вопрос, о котором много спорят, говорят, пишут, и вряд ли когда-то придут к общему мнению. Мне кажется, после Марселя Дюшана бесполезно создавать какие-то критерии, потому что искусством можно назвать всё, что угодно, и найдутся люди, которые будут отстаивать свою позицию. Лучше заниматься творчеством и делать то, что нравится, а дальше, как уже пойдет.

Дмитрий Аске, «Зачарованный» 

- Вы не раз говорили, что часто обращаетесь к истории искусства, и вас многое цепляет: от Ренессанса до нонконформизма. Если повоображать, в каком периоде вам хотелось оказаться и поработать?

Сложно сказать, я об этом не думал. Хотя, чем больше смотришь на произведения искусства, читаешь биографии художников, статьи о событиях, которые происходили в культуре, политике и так далее, тем меньше желания оказаться в этой эпохе или отрезке времени. Возьмём, к примеру, граффити. В подростковом возрасте многие из нас романтизировали Нью-Йорк 70-80-х годов, столько рисунков на стенах и поездах, такая свобода. Но, когда я прочёл книги граффити-райтеров об их детстве и рисовании в Нью-Йорке, я ужаснулся. Ведь Нью-Йорк расцвета граффити – это не очень приятное место, где подростки могут ходить с огнестрельным оружием, воровать краску и подвергать свою жизнь опасности. И, когда появляется возможность сравнить детство подростков из 80-х со своим, даже с учетом событий в России в 90-е годы, то осознаёшь, что моё детство в Москве было лучше. 

Дмитрий Аске, «День и ночь»

- Ваша цитата: «Когда я узнаю больше о том или ином художнике, то начинаю по-другому воспринимать его работы». Что должен знать зритель нынешний или будущий о художнике Дмитрии Аске?

Я думаю, что этому зрителю нужно больше и внимательнее смотреть на работы и расширять свой кругозор. Любой творческий человек пользуется наработками предшественников, поэтому, чем больше вы сможете погрузиться в искусство, историю искусства, современное искусство, тем больше отсылок и смыслов получится найти в моих работах. Это всегда интересно и интригующе узнавать что-то новое и находить связь своей жизни с искусством.