События 19-25 ноября
George Smith - перспективный художник
21.11.2018-5.12.2018
Галерея Vnutri (СПб)
21 ноября в галерее Vnutri откроется выставка Егора Кузнецова «George Smith - перспективный художник». George Smith — это псевдоним Егора, под которым он несколько лет работал в Нью-Йорке и Франции. Самоироничное название проекта резко контрастирует с серьезностью и глубиной живописных работ. Насмешливая ретроспектива неизвестного в Петербурге художника — это вызов не только для локального арт-мира, но и для самого себя.
Вместе с тем Егора Кузнецова сложно назвать хулиганом, он принадлежит тому типу людей или даже философов, которые обречены на поиски истины. Правдоискатели, честные перед собой и перед миром, не сворачивающие с пути собственных принципов, они доходят до искусства самостоятельно. Им не нужны проводники в виде учений, правил и академий, они руководствуется не профессионализмом и техничностью, а законами души. Честность - ключевая характеристика такого сорта искусства, где честность — это связь между внутренним миром, переживанием и художественным высказыванием.
Творчество художника отчасти литературоцентрично, Кузнецов часто обращается к поэзии, как проводнику в иные метафизические категории сознания. Гумилев, Бродский, Маяковский, Ахматова и даже собственные стихи служат почвой для размышлений и вдохновением одновременно. К примеру, произведение Libertatem написано к отрывку стихотворения Александра Сергеевича Пушкина.
Паситесь, мирные народы!
Вас не разбудит чести клич.
К чему стадам дары свободы?
Их должно резать или стричь.
Наследство их из рода в роды
Ярмо с гремушками да бич.
Размышляя над вечными вопросами вслед за поэтом, Кузнецов приходит к выводу, что свобода большинству не нужна, она для него опасна. Свобода вмиг превращается во вседозволенность, а отмена ограничений и морали порождает животную жестокость.
Также и работа «Нептун, чистящий Авгиевы конюшни» заставляет нас задуматься о том, что значит в наше время власть, когда цари стали выше богов, то есть неких высших законов и заставляют их лишь служить себе.
Настя Миро. INDIA
21.11.2018-25.12.2018
Какой вам представляется Индия, одна из самых таинственных и непознанных стран для европейца? Скорее всего, в сознании возникнет образ лоскутного одеяла: штаты, религии, касты, людские потоки, золото и нищета, буйство шума и красок – все существует на контрасте и образует философию жизни, где множественность становится единством. Но на холстах Насти Миро не отразились хаос и суета индийских городов. Напротив, в них будто замерло время, а персонажи – левитируют в воздухе, где не отмечен горизонт.
Цикл «Индия» — это попытка взглянуть на реальность глазами жителей этой страны, которых художник встретила на своем пути. У каждого из персонажей - своя история, будь то индийский мальчик из Варанаси или садху из непальского храма. У каждого читаются мысли, фантазии, воспоминания, эмоции, о которых мы можем лишь догадываться.
В работах Миро стирается грань между магией и реальностью, а в лицах ее героев отразилась вся поэзия Индии, ее легенды, мифы и традиции, передающиеся из поколения в поколение. Эзотерический смысл, вложенный в них, проявляется в метафорических образах и аллегориях: песочные часы, зеркала, в которых отображается прошлое, переплетающиеся крокодилы, образующие своими телами орнамент, отсутствие линии горизонта – все это позволяет провести параллели с изображениями на древних индийских миниатюрах.
Собранные в одном месте, картины из цикла несут в себе мощный заряд духовной энергии, способный погрузить даже самого невосприимчивого зрителя в недра индийской философии, а возможно и позвать в таинственное путешествие…
Михаил Шемякин. Метафизическая мастерская
21.11.2018-27.01.2019
ММОМА (Гоголевский бульвар, 10)
Быть художником, по утверждению Михаила Шемякина, значит быть тружеником и каждый день искать вдохновение во всем: будь то работы западных мастеров Пабло Пикассо, Жоржа Брака, Хаима Сутина или же обычные водяные брызги на листе бумаги. С первыми можно вступить в диалоги, а вторых превратить в персонажей — сельского учителя или причудливого сфинкса, подглядывающую русалку или башмачника с женой — и даже попробовать написать о каждом из них историю. Эксперименты Шемякина с формой, техникой, материалами — это, в первую очередь, способ расширить собственные границы и увидеть новые миры в привычном и бытовом.
«Михаил Шемякин. Метафизическая мастерская» в ММОМА — первая в Москве за долгие годы персональная выставка, репрезентирующая все грани художника. По замыслу Алексея Трегубова, часть музейных анфилад занимают так называемые лаборатории-мастерские Шемякина. Представленные в них архивные материалы, эскизы и рисунки, знакомят зрителя с процессом создания произведений, помогают проследить их взаимосвязь с временным контекстом. Кроме того, н выставке остались и классические демонстрационные залы, в пространстве которых можно увидеть «результат» работы в мастерских — легендарные серии «Тротуары Парижа», «Коконы», «Театр», «Гражданская война», знаменитые мета-бюсты. Последние были созданы автором под влиянием идеи «метафизического синтетизма», авторами которого являются сам Михаил Шемякин и философ Владимир Иванов. Характерный для этой серии художественный язык также был изобретен Шемякиным и группой его единомышленников еще в середине 60-х годов. Сочетание культур древней Африки, доколумбовой Америки, Египта, Океании, японского искусства, вплетение в структуру языка традиций написания русской иконы XIII — XV вв — все это помогло сформулировать особую пластику языка и открыть собственный магический символ, «напоминающий или средневековую икону, или некий знак, говорящий о запредельном». Вместе с этим, будут продемонстрированы серии иллюстраций, над которыми Шемякин работает последние несколько лет — «Загадки» и «Говоры». Представленные на выставке графические листы в будущем войдут в издания «Загадки русскАго народа» и «Русские народные говоры», которые художник готовит вместе с институтом изучения диалектов Санкт-Петербурга в ходе совместного многолетнего проекта по изучению и сохранению старорусских слов и выражений.
Digital disroption
20.11.2018 - 18.01.2019
Галерея «Файн Арт» впервые показывает выставку молодого художника Анастасии Копытцевой. Ее проект выполнен в классической технике, в основе его – картина, и любители пластических ценностей вполне смогут насладиться роскошной, искуснейшей живописью. В центре большинства работ – акула, либо серая, либо красная, динамичная, ее ракетообразное тело, кажется, несется вперед. Общий тон холстов темный, графитообразный, но, несмотря на это, возникает ощущение некоего свечения, зеркальности. Это впечатлен6ие усиливается тем, что на поле каждого холста имеется изображение, например, бесконечного числа «пи», арабских или римских цифр, двоичного кода, QR кода и т.д. вплоть до символа блокчейна.
В совокупности холсты Анастасии Копытцевой как в зеркале отражают основные открытия в истории цифрового развития мира. Однако это лишь один из множества смыслов в работах художника. В ее проекте неожиданно для зрителя художественное образное мышление сочетается с пониманием основных свойств бизнеса. Ее метафоры – холст как зеркало мировой истории значимых изобретений, акула – как символ передового человечества, быстро преобразующего бизнес и общество на основе новых открытий. Этот переход от «до» к «после» происходит не эволюционно, а скачкообразно. У Анастасии этот переход совершает красная акула, изображаемая перед плоскостью зеркала-холста, после состоявшегося открытия хищник теряет свой нарядный красный цвет. И вот мы уже видим ее серой в пространстве за зеркалом-холстом. Анастасия осуществила мечту многих – проникнуть в параллельный мир, в зазеркалье. Отметим, люди уже давно живут в двух параллельных реальностях – в окружающем мире и виртуальном, этот переход произошел мгновенно с изобретением интернета.
Все выше изложенное соответствует заявленной авторской концепции. Однако, разглядывая работы Анастасии Копытцевой, приходишь к мысли, это далеко не все. В ее работах отчетливо и ярко проявляются процессы, возможно, проходящие в подсознании автора и ворвавшиеся в холсты помимо воли художника. Красная акула лишь при отдаленном взгляде на нее кажется нарядной, она даже ассоциируется с золотой рыбкой. Вблизи же можно увидеть раны на теле акулы, струи и потеки крови. Автор объясняет это тем, что прогрессивный скачек не всегда комфортен для общества, но более верным кажется другой смысл. Акула – символ брутальной, хищной мужественности. Мужчина правит миром, но в борьбе с ним женщина иной раз жестоко ранит его. Раненая красная акула или поверженная серая и выброшенная в зазеркалье – символы мести женщин-феминисток мужчине. А может быть это месть девушки-художника вполне конкретному мужчине?
Анастасия создала свои магические зеркала на холстах, показала нам параллельное зазеркальное пространство. Интересно было бы осуществить старинный обряд гадания – в абсолютной темноте, при свечах. Кто или что явится нам из зазеркалья художника помимо отработавшей серой акулы? В этом направлении проводятся эксперименты, за картинами ведется наблюдение.
Ирина Филатова
Про кино
21.11.2018-16.12.2018
В Totibadze Gallery открывается выставка художника Константина Сутягина. Последователь традиционной московской школы живописи представит серию картин о Москве и Париже, выполненных в традиционной технике «холст и масло» под названием «Про кино / À propos du film».
Главные герои картин – Москва и Париж. Жители этих городов – то играют на фоне достопримечательностей, словно актеры кино, то расходятся по домам после сеанса из популярных старинных кинотеатров, таких как «Художественный» и «Победа».
На протяжении всей выставки происходит сопоставление автором таких направлений в искусстве, как «живопись» и «кино». По словам Константина Сутягина: «В отличие от кино, живопись никогда не кончается: она висит и висит на стене, не исчезает со словом «конец». Но кино оставляет о себе воспоминание, за это мы его и любим. Хорошее кино – это воспоминание о пространстве, в которое хочется вернуться, в котором хочется жить, в котором приятно жить, потому что обычно в кино всё хорошо кончается».
Параллельная тема выставки Константина Сутягина – осмысление понятия «счастье», через которое художник обращается ко всем единомышленникам. На выставке «Про кино» посетителям будет предложено стать героями «кино с хорошим концом», главная задача которого – «чтобы зритель просто порадовался жизни». Подводя итог своего сравнения «живописи» и «кино», художник заключает: «Хотелось бы писать такую живопись, чтобы как будто выходишь из кинотеатра, всё уже кончилось, «конец», но осталось смутное-радостное воспоминание – и чтобы продолжала звучать музыка».
Искусство и жизнь. К 90-летию советско – йеменского договора о дружбе
22.11.2018-16.12.2018
1 ноября 2018 г. исполняется 90 лет со дня подписания в столице Йемена первого российско-йеменского документа политического значения – советско-йеменского договора о дружбе и торговле. В Договоре, заключенном в далеком 1928 году, говорится о стремлении сторон развивать сотрудничество, а также положить начало экономическим связям на принципах взаимного равенства.
Выставка, посвященная 90-летию установления дружеских отношений между Россией и Йеменом, призвана приоткрыть для российского зрителя опоэтизированный традицией быт йеменцев и те новые элементы культуры, которые пришли в страну в XX-XXI вв.
На выставке будет экспонировано около пятидесяти музейных предметов: живопись, костюм и ювелирные украшения, предметы декоративно-прикладного искусства и предметы быта. К примеру, можно будет увидеть джамбию – кинжал, ставший своего рода символом Йемена. Джамбия – это непременная принадлежность мужского костюма и признак, по которому можно определить социальное положение йеменца. Будут представлены и уникальные мужские юбки – фута или шейдер – их повязывают по-разному в зависимости от того, с какой целью вышел из дома её хозяин. Женские украшения в Йемене в основном сделаны из серебра – йеменцы предпочитают «белый металл Луны» «желтому металлу Солнца» – золоту. Несколько десятилетий назад золото тоже вошло в моду, но традиционные ожерелья-обереги и пояса по-прежнему серебряные. Ароматы и благовония, натуральные масла, как и раньше, украшают быт йеменок: многие из них по мусульманскому обычаю выходят из дома в закрытых черных одеяниях, но не пренебрегают духами и натуральной косметикой, украшают руки и тело узорами, нанесенными хной.
Но современный Йемен – это не только царство обычая. Поэтика традиционного быта органично сочетается с веяниями изменчивой моды и новыми явлениями в искусстве. Таким молодым видом искусства остается в стране живопись, впервые получившая развитие в 1960-е гг., когда первые студенты вновь образованной Народной Демократической Республики Йемен были направлены на обучение в вузы социалистических стран, прежде всего в СССР.
На выставке будут показаны работы художников, завоевавших признание уже в 1970-80 гг., таких, например, как: Али Гаддаф, Лятиф Абдель и картины пока малоизвестных молодых йеменских авторов, предоставленные Посольством Республики Йемен. Эти художники представляют разные направления в современной живописи страны, среди их работ и реалистические картинки местной жизни, и абстрактные композиции. Разнообразна и тематика – от пейзажных полотен до сюжетной и полной символики композиций.
Границы пейзажа
20.11.2018-15.12.2018
ABRAMOVA GALLERY (СПб)
20 ноября в Abramova Gallery откроется выставка «Границы пейзажа». Экспозиция представит размышления российских современных художников о границах пейзажа и о пейзаже без границ, а также расскажет о многообразии опытов пейзажной живописи и ее месте в искусстве сегодня.
Пейзаж пережил не одно перевоплощение в XIX-XX вв., однако несмотря на все метаморфозы даже сегодня он остается самим собой, какими бы неожиданными не были его репрезентации. Пейзаж, как и любой другой жанр использует различные медиумы - будь это технологические эксперименты медиаарта, пространственные опыты инсталляций, рефлексия contemporary painting или возвращение к модернистским и постмодернистским практикам.
Серебряный век. Возвращение. Пейзажи Владимира Серебровского
22.11.2018-31.01.2018
Галерея Мамонтовых представляет масштабную выставку художника Владимира Серебровского (1937-2016). Это большое культурное событие для галереи более чем закономерно. Галерея Мамонтовых верна миссии, провозглашенной ее основателями: знакомить общество с работами художников первой половины ХХ века. Большинство из них относится к Серебряному веку или в той или иной степени связаны со стилем модерн. А Владимир Серебровский лучший, если не единственный, представитель неомодерна в живописи нашего века.
У Серебровского было много разножанровых персональных выставок, но Галерея Мамонтовых впервые показывает этого художника воспринявшим самую суть, почувствовавшим обращенность в будущее «нового стиля» эпохи Серебряного века, художника, в чьем творчестве органично возрождаются лучшие традиции, главные открытия и дух искусства Серебряного века. Художника, осознанно пришедшего к «своему», уникальному варианту модерна, к «неомодерну Владимира Серебровского». В экспозиции представлены основные этапы его творчества, прослеживается логика его внутреннего художественного развития.
Творческая биография В.Серебровского насыщенна и неординарна. Он, бесспорно, один из лучших театральных художников России, около 30 лет был главным художником МХАТ им. Горького. Оформил более 40 спектаклей и выступал прямым продолжателем русской традиции, заложенной классиками Серебряного века - А.Я. Головиным, И.Я. Билибиным, М.В. Добужинским, А.Н. Бенуа.
В. Серебровский - один из немногих художников, успешно сочетавших работу в театре и станковую живопись, и один из немногих, кто проделал путь от яркого абстракционизма (жил в Германии, писал холсты в духе мрачного готического сюрреализма) к фигуративной живописи.
Бесплатное тиражное искусство
19.11.2018-24.11.2018
Расписание сессий
19.11 - 12:00-20:00
20.11 - 12:00-20:00
21.11 - 12:00-20:00
22.11 - 12:00-20:00
23.11 - 12:00-19:00
24.11 - 14:00-20:00
Проект «Бесплатное тиражное искусство» – перформативный акт, в котором процесс создания предмета искусства сам становится центром художественного высказывания. Формально сохраняя структуру связей “автор-заказчик-объект-зритель”, художница перепрошивает традиционную логику товарно-денежных и производственных отношений – уникальное прячется под тиражным, вовлеченность притворяется отчуждением, заказ оказывается лишь предлогом для коммуникации.
В рамках сессии, которая продлится с 19 по 24 ноября, Александра Киселева будет вручную воспроизводить плакаты из серии «1-11 2». Зритель сможет бесплатно забрать или заказать по e-mail автора, оставленному в экспликации, любой понравившийся плакат. Сроки и качество изготовления работы будут зависеть от настроения и изменений физического состояния художницы.
Сны Москвы
21.11.2018-20.03.2019
С 21 ноября 2018 года в Музее Москвы откроется самая необычная выставка года – «Сны Москвы». Это будет своего рода иммерсивный театр, где главные роли сыграют музейные предметы. Вещи станут героями сюжетов, будут шутить и рассказывать о своей жизни, вовлекая в свои истории гостей. Для музея выставка станет большим творческим экспериментом, для посетителей – неожиданным путешествием на стыке истории и культуры в нереальный мир, наполненный знакомыми вещами.
«Коллекция Музея Москвы – особенная: в ней много предметов, показывающих московскую жизнь в разные эпохи – мебель, одежда, игрушки, инструменты, фотографии, документы и многое другое. Музей постоянно ищет способы их продемонстрировать, понимая, что современный зритель хочет получать объёмное, образное представление о прошлом. Выставка «Сны Москвы» – это воплощение творческого подхода к коллекции и эксперимент, к которому мы долго шли. На выставке вещи не будут показывать своё время и предназначение, а окажутся в новых обстоятельствах и контекстах, нереальных, как сны, где возможно всё», – говорит Алина Сапрыкина, директор Музея Москвы.
В пространстве выставки – 13 инсталляций, каждая со своим собственным сюжетом, опирающимся на законы снов, бессознательного и иногда даже телесериалов. На выставке зрителей ждут сон-детектив, сон-мелодрама, сон-дискотека, сон-дискуссия, сон для селфи. Можно будет узнать, какая песня крутится в голове у игрушечного крокодила из 1980-х или о чём мечтает кружевная сорочка начала XX века, как перенестись в 1960-е, просто сняв трубку в телефонной будке, или что думает о своей хозяйке старый кофейник.
Современный Катар: искусство и фотография
19.11.2018-10.12.2018
ЦВЗ Манеж (СПб)
Ведомство Музеев Катара представляют выставку «Современный Катар: искусство и фотография», приуроченную к Перекрестному Году культуры Катара и России 2018. Выставка проходит в Центральном выставочном зале «Манеж» в рамках VII Санкт-Петербургского международного культурного форума.
Выставка, организованная под патронажем председателя Ведомства Музеев Катара, Ее Превосходительства шейхи Аль–Маяссы бинт Хамад бин Халифа Аль–Тани, пройдет с 19 ноября по 10 декабря 2018 года. Мероприятие организовано при поддержке Киноинститута Дохи и Школы искусств Университета штата Вирджиния в Катаре.
Это самая крупная выставка, реализованная в рамках Перекрестного Года культуры Катара и России. Она состоит из двух частей: первая часть «Воплощая Видение: фотография из Катара» – это более 250 фотографий 60 фотографов, проживающих в Катаре и принадлежащих 28 различным национальностям. Кураторами выставки стали Ее Превосходительство шейха Марьям Аль-Тани и Доктор Жиль Хадсон. В рамках экспозиции впервые в России будет представлено 200 фото-шедевров из собраний Музеев Катара. Куратором второй части выставки – «Трансформации: уклады и образы» – стал Доктор Бахаа Абудайя. Этот раздел экспозиции покажет 100 современных работ от 46 катарских художников 13 национальностей.
Ее Превосходительство шейха Рим Аль-Тани, директор по выставочной деятельности Ведомства Музеев Катара: «Экспозиция рассказывает о прошлом, настоящем и будущем Катара. В последние годы в нашей стране происходят серьезные изменения, в результате которых мы получаем разноплановый опыт, перед нами открываются новые перспективы. Это честь – быть первыми, кто поделится нашими историями с публикой в России. Мы надеемся и в дальнейшем осуществлять культурный обмен между нашими странами».
ПОД ГИПНОЗОМ: Fashion Art Technology
22.11.2018-31.01.2019
Центр современного искусства МАРС
Fashion Art Technology – экспозиция-путешествие, которая открывает новые имена и представляет молодых талантливых дизайнеров из разных стран мира. Кругосветное путешествие выставки, представляемой в ЦСИ МАРС агентством «Carredor Monaco Ltd.», началось в Монте-Карло.
С 22 ноября 2018 по 31 января 2019 экспозицию можно будет увидеть в Москве, далее она проследует в Лондон, Токио, Барселону и другие мировые столицы моды.
На выставке будет представлено около 100 экспонатов fashion-арта (платья, инсталляции, украшения, головные уборы, обувь), многие из которых созданы с использованием авторских технологий обработки материалов.
Всех дизайнеров выставки объединяет глубокое знание искусства, талант и стремление насытить создаваемые ими fashion-образы художественным смыслом. Такое гипнотическое притяжение между Искусством и Модой стало веянием последнего времени, и получило свое название – «Fashion Art». ЦСИ МАРС расширяет возможности восприятия fashion art объектов для своих зрителей, используя для этого возможности VR-технологий.
Почетным участником выставки является известный в Европе художник, скульптор, дизайнер и кутюрье, автор перформансов, Джанни Моларо. Его работы находятся в престижных частных коллекциях, а также в ряде музеев. Софи Лорен, Илона Сталлер (Чикколина), Аманда Лир, Эми Стюарт – эти и многие другие знаменитости причисляют себя к почитателям Джанни и нередко становятся его музами.
На выставке представлено произведение «Сплетницы» – тканевый аналог одноименной fashion-скульптуры Джанни Моларо из серии, представленной в 1999 году в Капитолийских музеях Рима в период проведения общегородского fashion-перформанса.
Последний адрес / 5 лет
21.11.2018-16.12.2018
Государственный музей архитектуры имени А.В. Щусева
Пять лет назад независимый журналист Сергей Пархоменко и глава общества «Мемориал» Арсений Рогинский вместе с коллегами придумали проект «Последний адрес», увековечивающий память жертв репрессий. Сам знак – металлическую табличку размером чуть больше почтовой открытки, устанавливаемый на стену дома – спроектировал архитектор Александр Бродский во время воркшопа, который курировал Евгений Асс.
С тех пор установлено уже больше 800 знаков с именами – больше, чем в 40 городах и селах России, Украины, Молдовы и Грузии. И о каждом доме, который стал чьим-то последним адресом, о каждом человеке, чей это был адрес, – найдены сведения и выложены на сайт проекта.
«Последний адрес/5 лет»: лабиринт из видео, аудио и шрифтовой анимации деконструирующий, а затем снова собирающий воедино историю установки таблички. «Оболочка», придуманная Надей Корбут и Кириллом Ассом для документальных зарисовок, созданных Еленой Ваниной и Кириллом Кулагиным в Москве, Петербурге и Перми делает зрителя соучастником этого действия, которое – в этом нет сомнений – отражает то, насколько сегодня общество готово работать с памятью.
Алекс Хаткевич. Искусство, опыт, путь познания
22.11.2018-9.12.2018
Алекс Хаткевич — автор парадоксальных графических работ, созданных им за долгие годы изоляции в стенах закрытой психиатрической клиники. Выставочный проект позволяет выявить и продемонстрировать скрытую мифологию аутсайдера, заключенную в переходе от реального мира, через изначальное объяснение составных частей объектов к полностью виртуальному пространству символов.
Анализ мировидения Алекса Хаткевича обусловил характер и принципы построения выставочного пространства. Помимо оригинальной авторской графики, экспозицию дополняет видео-арт, созданный современными медиа-художниками Александрой Митлянской и Летой Добровольской, а также тексты — пояснительные записки художника, обнаруженные на обратной стороне его работ. Данные тексты представлены как в оригинале, так и в построчном переводе с латышского языка, осуществленном переводчиком Даной Пономаренко.
Включение в поле современного искусства творчества авторов с особенностями психического развития обычно трактуется односторонне, с позиции необходимости дестигматизации и легитимации последнего. И действительно, сегодня психопатологический акцент в подходе к «аутсайду» заметно сместился в сторону социокультурного и искусствоведческого. Однако не стоит забывать и об обратном влиянии данного творчества на современный художественный процесс. Очевидно, что обращение к «аутсайду» позволяет современному художнику подняться над профессиональной рутиной и существенно обогатить язык высокого искусства.
Цель выставочного проекта — не только познакомить широкого зрителя с уникальной графикой, но и продемонстрировать рефлексию современных художников, нашедших в творчестве Алекса Хаткевича мощный пластический потенциал и строительный материал для новой образности медиа-искусства.
Кураторы проекта: Александра Мигунова-Тиханюк, Андрей Епишин, Дарья Кротова, Алла Орлова.
Fading Beauty
21.11.2018-23.12.2018
Аптекарский огород. Главная оранжерея
Аптекарский огород и галерея «Триумф» представляют выставку «Fading Beauty» Веры Баркаловой и Екатерины Коваленко, которая пройдет в рамках программы «Молодые львы» в Главной оранжерее парка. В своем выставочном проекте художницы стремятся воплотить ускользающую красоту и зафиксировать эстетический рефлекс наблюдателя.
В пространстве оранжереи Вера Баркалова и Екатерина Коваленко представят фотографии и скульптуры, которые в деталях передают пластичность и выразительность человеческого тела. Художницы стремятся зафиксировать его едва уловимые движения и свойства, а также мгновение, когда оно переходит из одного состояния в другое. В своих фотоработах Вера Баркалова схватывает момент дисперсии образа, трансформации прекрасного в нечто другое. Скульптуры Екатерины Коваленко дают возможность рассмотреть объект в спектре его метаморфоз. Помещенные в прозрачные стеклянные коробы и украшенные цветами, эти скульптуры напоминают одновременно сказочную спящую красавицу и экспонаты кунсткамеры.
Восприятие телесности не может ограничиваться созерцанием существующего, потому что любая жизнь может быть определена и утверждена только через её противоположность – смерть, после которой тело продолжает существовать уже в преобразованном состоянии. Как и растения в саду, проходящие полный цикл от рождения до увядания и гибели. В этом отношении портретные скульптуры и фотографии, созданные художницами, напоминают изображения post mortem викторианской эпохи. И тогда ботанический сад превращается в место для смертной красоты – он становится прообразом райского сада. За счет этой трансформации происходит воссоединение человека с собственным природным началом, проявления которого часто вытесняются и подавляются современной культурой. Именно в этом движении от жизни к смерти и видится ускользающая красота, которая оказывается открытой для фиксирования художником и доступной для восприятия зрителем.
Природа магнетизма
23.11.2018-9.12.2018
С 23 ноября по 9 декабря 2018 года в Askeri Gallery будет проходить персональная выставка Ромена Фроке «Природа магнетизма».
Ромен Фроке — французский художник, абстракционист. Свой путь в искусстве Фроке начинал со стрит-арта, позднее перешел на создание рисунков, холстов и объектов, продолжая работать и в жанре мурала – настенной городской живописи.
В этом году в рамках проекта «Природа магнетизма» художник покажет графические работы – рисунки на бумаге.
«Рисунок – это начальный этап моего творчества. Именно с его помощью я исследую выразительные возможности образа, совершенствую свой жест. Мне нравится, как тушь ложится на бумагу. По сравнению с живописью, движения совершенно другие, но насыщенность и энергия линий сохраняется».
«Природа магентизма» - размышление о потоках энергии в нашем мире. Еще задолго до нашей эры, люди заметили, что некоторые камни притягивают металлические предметы. В последствии было сделано множество научных открытий, объясняющих, почему так происходит: магнитное поле существует благодаря определенному состоянию мельчайших частиц - электронов. Но ведь магнетизм – это не только физика, его природа лежит в основе более ощущаемых нами явлений: страсти и привязанности. Фроке воплощает в каллиграфических рисунках движение атомов, энергию, на которой держится все в мире: от нашего смартфона и гравитации до загадочного чувства любви.
-----
-
