"В поле зрения": Андрей Монастырский

Art Узел открывает новый цикл интервью о самом веселом периоде отечественного искусства - последней четверти XX века. Мы познакомим Вас с теми, кто вершил исторический контекст того времени, с художниками и кураторами, входившими в состав таких объединений и групп как: "Клуб авангардистов (КЛАВА)", "Коллективные действия", "Мухоморы", "Чемпиионы мира", "Медицинская герменевтика", рок-группа "Среднерусская возвышенность", любительское объединение "Эрмитаж", "Детский сад"... Данный цикл приурочен к выставке "В поле зрения. Эпизоды художественной жизни 1986-1992" в Фонде культуры "ЕКАТЕРИНА".

Андрей Викторович Монастырский (наст. фамилия Сумнин; 28 октября 1949, п. Печенга Мурманской области, СССР) — поэт, писатель, художник, теоретик искусства, один из родоначальников московского концептуализма. Родился в 1949 году в посёлке Печенга Мурманской области. Наряду с Ильёй Кабаковым является одной из важнейших фигур московского концептуализма. Окончил филологический факультет Московского Государственного Университета. Работал в Государственном литературном музее. В 1973 году начал заниматься сериальными структурами и минималистскими звуковыми композициями. С 1975 года создает абсурдийские объекты и проводит художественные акции. Один из основателей группы "Коллективные Действия" и автор большинства ее акций. Автор-составитель большинства томов книги "Поездки за город"- документации деятельности КД. Участник выставок Апт-арта и "Клуба авангардистов (КЛАВА)" в Москве, а также многочисленных отечественных и зарубежных экспозиций. Автор теоретических статей по вопросам современного искусства в отечественных и зарубежных изданиях. 

Какие выставки того времени (1986-1992) Вы считаете самыми важными и интересными? И почему именно они имели такое значение?

Первые три выставки "Клуба авангардистов" 1987 года. "Дорогое искусство"- также важная экспозиция, как продолжение "Клуба авангардистов". И потом, думаю, основные выставки того времени во Франкфурте и в Дюссельдорфе.

Расскажите, пожалуйста, о КЛАВЕ. Как и почему Вы решили стать участником объединения?

Дело в том, что тогда это все выглядело по-другому, никаких "кругов КЛАВЫ" не было. Это было  частное предприятие нескольких друзей, решивших устроить клуб, поскольку появилась возможность устраивать выставки в муниципальном зале на Автозаводской. Когда точно все произошло, я уже совершенно не помню, поскольку не погружался в административные детали. У меня тоже была важная выставка в рамках Клуба авангардистов, "Особенные истории" с одним американским художником, Конрадом Аткинсоном, по-моему в 90-м году. Там было два организатора - "Клуб авангардистов" и "Рональд Фельдман Файн Арт". Куратором выступил Иосиф Бакштейн. Тогда же у меня была выставка "Окрестности галереи "Риджина арт", в старом помещении, еще на Краснобогатырской, в августе 1991 года. Куратором был Олег Кулик. Но это уже не в рамках КЛАВЫ.

Как Вы определяете круг КЛАВЫ и что это такое, на ваш взгляд?

Это скорее концептуалистский круг, который сложился к 80-му году на базе Московского архива нового искусства (МАНИ). На его же базе стали издаваться сборники "круга МАНИ". В выставках на Автозаводской также принимали участие "Чемпионы мира", но это был уже скорее "нью-вэйв", новая линия, не концептуальная. Показательно то, что выставка, которую сделал Бакштейн в рамках КЛАВЫ называлась именно "Перспективы концептуализма", потому что прежде всего концептуалисты входили в состав "Клуба авангардистов".

Какие Ваши самые яркие впечатления, характеризующие то время? Есть ли какое-то событие, которое, на Ваш взгляд, максимально точно описывает ситуацию тех лет?

Это было самое начало перестройки. Когда мы делали первую выставку КЛАВЫ, администрация выставочного зала требовала убрать из экспозиции две работы Николая Паниткова. Тогда все участники сказали, что в таком случае они тоже снимут все свои произведения. И это подействовало. Все осталось на своих местах. А прежде мы все зависели от всяких худсоветов. Так что это был важнейший прорыв с точки зрения художественной цензуры. Разрешенные пределы все время раздвигались, пока полностью не исчезли в 90-е годы.

Фото предоставлено Андреем Монастырским

Чем для Вас были объединения? Почему художники объединялись? Лично Вам интересней было работать индивидуально или в группе?

Я не воспринимал КЛАВУ, как серьезное объединение. Всякий авангард – это тяжелый военный модернизм. А у нас был "Клуб авангардистов" - легкое, дачное состояние. И само название "Клуб авангардистов" - это комическое сочетание, бредовое, понимаете? Это все была ирония, конечно. И мы не расценивали себя, как какую-то серьезную организацию, вроде МОСХа или Горкома графиков... Это было именно ироническое объединение, и больше ничего. И мы все общались сами по себе, друг с другом, как и раньше, и просто встречались на выставках Клуба. Но при этом каждый продолжал заниматься своей обычной деятельностью. У нас не было какого-то объединяющего бюрократического начала.

Была ли конкуренция в то время между художниками? Как складывались отношения в группах? Это было сотрудничество, сотворчество или соревнование?

Конкуренция возникла в 2000-х годах. В 90-х ее просто не было. Современных художников было просто мало. На Москву было самое большее- 50 человек, а реально действующих – вообще 15-20. Поэтому конкуренция среди такого крошечного количества художников – это даже странно. Более того,  наоборот, мы искали и очень приветствовали среди своего круга новых людей. Потому что МАНИ – это Московский архив нового искусства- необычного, неизвестного, непонятного. Момент инновации был для нас важен.

Насколько начало "коммерческого этапа" повлияло на ситуацию в художественном сообществе?

Дело в том, что я не писал картины, я не участвовал в этом процессе коммерческого становления нашего современного искусства. Я занимался акциями. Это было совершенно некоммерческое предприятие. Мне было нечего продавать, поэтому этот процесс коммерциализации прошел мимо меня.

Актуальный художник того времени - кто это? Что значило понятие "актуальное" в то время? И что значит сейчас?

Что значит "актуальный"? Этот термин довольно поздно появился, может быть, в конце 90-х. Понимаете, "актуальный художник" сейчас- это модный художник. Но ведь мода среди одного круга людей может быть одна, а в другом-  совершенно иная. Для энтомологов, например, актуальна своя тема - нашли насекомое редкое, для них это важно. А среди продавщиц каких-нибудь овощных магазинов актуально совершенно другое. Я бы так сказал: современное искусство все-таки ориентировано на академическую историю. А "актуальное" - это журналистское понятие, оно ориентировано на СМИ, на упоминаемость художника в медиа кругах. Это разные вещи. И сказать, кто был актуален в 80-х, достаточно сложно. Но какая разница между, скажем, Никасом Сафроновым, который был моден для широкого круга советских людей и все время показывался по телевизору, и Ильей Кабаковым, который был гораздо менее известен среди широких масс, но оказался гораздо важнее для мирового арт-процесса? Так что все относительно. Слово «актуальный» я никогда не приветствовал, хотя оно имеет место быть и нужно учитывать наличие этого термина.

Фото предоставлено Андреем Монастырским

Как Вы воспринимаете современную художественную ситуацию?

Есть интересные молодые художники, но меня интересует творчество лишь 10-15 из них.

А есть ли что-то похожее на те годы, в нынешней ситуации?

Дело в том, что тогда было по-другому. Инфраструктуру современного искусства создавали мы сами, в том числе "Клуб авангардистов" или разные издания МАНИ. Мы были институцией и членами этой институции, администраторами (хоть это носило игровой характер) и художниками одновременно. Начиная с конца 90-х начали возникать реальные инфраструктуры. Например, Институт проблем современного искусства И.Бакштейна, галереи, та же "Риджина", "Айдан", "XL" и т.п. Возникали уже реальные, объективные институции. И это совсем другая атмосфера. Тогда началась конкуренция, зарабатывание денег... Мы же не зарабатывали деньги современным искусством. Каждый из нас в 70-80-е работал в других областях, и деньги доставались совсем иначе, нежели продажей своих работ.

Какие советы молодым художникам вы могли бы дать с высоты своего опыта?

У каждого поколения своя целевая аудитория, к которой обращается художник. И художник сам выбирает своего "адресата". Современное искусство- это всегда нечто новое. Это не письмо икон по утвержденным канонам. Почему Джозеф Кошут назвал концептуализм "искусством после философии"? Потому что это инструмент понимания мира и самого себя в этом мире. Поэтому и фигура самого автора должна все-таки оставаться в центре процесса современного искусства.