События 6-12 ноября
Denkmal, Россия ‒ Москва 2017
8.11.2017-10.11.2017
Министерство культуры Российской Федерации в рамках участия в IV Международной выставке «Denkmal, Россия ‒ Москва 2017» представит с 8 по 10 ноября 2017 г. на коллективном стенде результаты работы лучших реставраторов России, реализованные за последние два года. В специальном проекте принимают участие 34 экспонента, подведомственных Минкультуры России. Специалисты обсудят деятельность художников-реставраторов из разных российских музеев, научных и образовательных центров. География участников охватывает многие города и регионы России – от двух столиц, Владимира, Ярославля, Саратова, Великого Новгорода до Карелии, Ростовской области и Мордовии.
Новый формат объединенной экспозиции учреждений, подведомственных Министерству культуры Российской Федерации, включает новую концепцию, а именно показ потенциала российского реставрационного сообщества: музейная реставрация, сегменты образовательных учреждений и специализированных научно-исследовательских центров, агентства, а также разделы проектирования и производства реставрационных работ.
В зоне мастер-классов на коллективном стенде Министерства культуры Российской Федерации в течение трех дней будут проходить различные занятия, где посетители смогут познакомиться с основными этапами исследований и реставрации произведений живописи, узнать об особенностях работы с предметами декоративно-прикладного искусства. Также на стенде пройдут презентации, посвященные новым аналитическим методам при исследовании исторических материалов, лекции о теории и практике современной реставрации памятников культуры, по определению фотографических техник и даже о принципах строительства северного дома и мн. др.
Специалисты обсудят лучшие примеры восстановления и использования памятников истории и культуры. В их числе процессы и результаты реставрации уникальных икон – к примеру, одним из успешных реализованных реставрационных проектов ВХНРЦ имени академика И. Э. Грабаря стала реставрация иконы XII века «Богоматерь Боголюбская» из Государственного Владимиро-Суздальского музея-заповедника. Длившаяся с перерывами почти столетие реставрация была завершена в начале 2016 г.
Современник. Антология советского фотопортрета. 1918-1989
9.11.2017-10.12.2017
Галерея Виктория (Самара)
Выставка посвящена теме «героя-современника» в отечественной фотографии и способам её раскрытия в разные периоды советской истории.
Прошло сто лет с тех пор, как в России произошла Великая Октябрьская революция, радикально изменившая все аспекты жизни в нашей стране: ее политику, экономику, науку, искусство и быт людей сверху донизу. Стремясь подвести итог семидесятилетней истории Советского Союза, мы часто обращаемся к его культурному наследию, вещам и образам, доставшимся нам. Фотография занимает в этом ряду особое место. Она — «мощное орудие бытостроительства» — писал журнал ЛЕФ в 1928 году. Советская фотография в понимании её теоретиков должна была не отражать настоящее, а «толковать» его, передавать не реальность, а идеологические модели, и этим она отличается от фотографии капиталистических стран и фотолюбительства.
Фигура «современника», «героя» стояла особняком в ряду художественных проблем эстетики того времени. Важный для советского искусства прием «типизации», при котором любой персонаж презентовал не себя, а свою профессию, своё поколение, свой класс, свою страну, делал особенной работу фотографа с моделью.
Соцреализм ещё в самом начале его формирования характеризовали как романтический, имея в виду, что его герои, вопреки своей социальной среде, обладают особой чувствительностью к чужой боли, несправедливости, внутренним протестом, даже строптивостью. «Современник» — это «лучший» человек, это человек «будущего». Перед фотографом стояла нелегкая задача найти мифического советского героя: жаждущего, мятущегося, нравственного — в реальности, среди живых людей.
Эта выставка призвана рассказать о том, как происходила «лепка» образа и как сменяли друг друга художественные, политические и нравственные ориентиры на протяжении более семидесяти лет. Пространство экспозиции условно поделено на шесть зон, каждая из которых соответствует важным вехам в истории СССР: «После революции», «Жить стало лучше», «Война», «Оттепель», «Застой» и «Перестройка».
"Годы странствий" Святослава Рихтера. Франция-Италия.
8.11.2017-29.01.2018
Мемориальная квартира Святослава Рихтера
Выставка из цикла «Годы странствий» в Мемориальной квартире Святослава Рихтера посвящена Франции и Италии – двум странам, которые знаменитый пианист называл своей «духовной родиной».
Начиная с 1961 года, отправляясь в длительные турне по Европе, Рихтер обязательно выступал с концертами в городах Италии и Франции. Он старался совместить гастроли с посещением музеев, театров и выставок, осмотром знаменитых памятников. Свой первый фестиваль «Музыкальные празднества в Турени» Рихтер организовал в 1964 году, на ферме XIII века недалеко от французского города Тур, приспособив для концертов средневековый амбар. В открытках друзьям он не уставал восхищаться: «Азоло (город Элеоноры Дузе) – моя слабость. Скажу прямо, более красивого места, по-моему, нет на Земле» (Софье Пилявской). Художнице Анне Трояновской писал из Арля: «Город изумительный. Кстати, из мостиков, которые писал Ван Гог, сохранился только один..?!»; ей же признавался: «Антибы — это одно из самых любимых мною мест на юге Франции. Город сохранил свое лицо и, может быть, тело…». Разнообразные маршруты путешествий Рихтера представлены на выставке коллекцией художественных открыток, которые пианист покупал во время турне и на отдыхе.
Рихтер обладал редким даром «видеть музыку». Ему были необходимы новые зрительные впечатления, прежде всего, от соприкосновения с произведениями искусства, часто вдохновлявшими музыкальные интерпретации. Не случайно во время длительных гастролей он встречался не только со знаменитыми музыкантами — Лорином Маазелем, Пьером Булезом, Надей Буланже, Луиджи Ноно и начинающим свою карьеру Риккардо Мути, но и выдающимися художниками-современниками. На выставке представлена работа Пабло Пикассо «Молодой человек в венке» (1962), и два его рисунка, подаренных великому пианисту; «Композиция» (1970) Александра Колдера с дарственной художника, графика Ренато Гуттузо «Бык» (1954), «Бегущая девушка» (1949), «Натюрморт с фьяской и бокалом» (1958), листы Фернана Леже из серии «Город». С большинством из этих прославленных мастеров Рихтер был хорошо знаком, поэтому работы художников дополнены редкими архивными материалами: фотографиями, письмами, кадрами кинохроники.
Яков Чернихов. Образы архитектуры
10.11.2017-4.02.2018
Государственный музей архитектуры имени А.В. Щусева
Яков Чернихов (1889-1951) – архитектор, график и педагог, яркий представитель архитектурной футурологии России раннего советского периода. Свои лучшие графические композиции он объединил в три книги архитектурных фантазий, изданные в Ленинграде (Санкт-Петербурге) на рубеже 1920-30- х годов. Уникальные по характеру и красоте, эти издания принесли ему мировую известность и определили репутацию Чернихова как блестящего композитора современной архитектуры.
Пристрастие Чернихова к рукотворному графическому искусству основывалось на его уверенности, что графическая грамотность не менее важна, чем письменная. Он был убежден, что в ХХ веке графика станет основным международным языком цивилизации, за десятилетия предвосхитив своими изысканиями появление оп-арта и компьютерной графики. Архитектурная графика стала в его интерпретации самостоятельной областью архитектурного творчества. Композиции Чернихова, их архитектоника, строгая изысканность, музыкальность и сегодня оказывают на зрителя магнетическое действие.
В экспозиции представлены основные циклы архитектурно-графических шедевров Якова Чернихова: «Эксприматика», «Аристография», «Основы современной архитектуры», «Конструкция архитектурных и машинных форм», «Архитектурные фантазии. 101 композиция», «Дворцы коммунизма», «Пантеоны Великой Отечественной войны» и «Архитектурные сказки». Наряду с графикой из фондов Музея архитектуры, архива-коллекции Фонда им. Я. Чернихова и частных собраний, на выставке можно будет увидеть личные инструменты, прижизненные издания книг, инсталляцию «Рабочий стол Якова Чернихова»; и более тридцати архитектурных моделей и макетов, изготовленных Фондом на основе его композиций. В том числе – макет Канатного цеха с водонапорной башней завода «Красный гвоздильщик», построенного по его проекту в 1930-1931 годы.
Нога судьбы
Ретроспектива творчества режиссера Сергея Соловьева
10.11.2017 — 11.02.2018
Музей Эрарта (СПб)
Сам Сергей Александрович утверждает, что выставка — это некий отчет о проделанной художественной (или не очень) работе за последние пять лет. А на вопрос, почему проект получил название «Нога судьбы», отвечает: «Так и есть, именно — нога судьбы. Конечно, всем привычнее «рука судьбы», но однажды на Тверской улице в Москве я увидел афишу, там был изображен Борис Гребенщиков, а рядом подпись — «нога судьбы». Вот тут я и понял, как прав мой прекрасный товарищ — конечно же, только нога, а не какая-нибудь там коварная рука».
Выставка не случайно проходит в Петербурге. «Я сам тоже из Питера, хотя 50, что ли, лет живу в Москве, но так получается, что до сих пор ощущаю себя питерским человеком, — признается Соловьев. — Особенно это «чувство Питера» связано с фильмом «2-Асса-2». Про него много говорили, но его почти никто не видел. С этой картиной, частью которой является и «Анна Каренина», будут связаны не только десятки авторских фотографий, но и костюмы, вещи, плакаты и даже скульптурные композиции».
Х
8.11.2017-3.12.2017
ММОМА (Петровка, 25)
Название выставки как обозначение декады собственного пути — отрезка внутреннего времени — отсылает к автономности художника по отношению к современности — настоящему художник предпочитает будущее, обращенное в прошлое. Внимание к традиции как проявление авангардности восходит к причастности Гинтовта к движению «новой серьезности» и еще раньше — к неоакадемизму Тимура Новикова. Наследуя от Новой Академии эстетику классических форм в сочетании с современным пониманием материала, Гинтовт облекает в нее высказывания на политические темы в ракурсе утопического проектирования, основанного на историческом контексте и литературной традиции. Образность Гинтовта сочетает футуристическое прогнозирование, отсылающее к проектам авангардистов и советской бумажной архитектуре, с пародированием государственной патриотической риторики и научной фантастикой в духе ретрофутуризма. Конструируя взгляд на государство будущего из прошлого, Гинтовт вскрывает настроения современности, о чем свидетельствует непрекращающаяся полемика вокруг политического уклона работ художника и его неоевразийских взглядов.
Games Not Games
11.11.2017-12.01.2018
С развитием и доступностью технологий производства, помимо крупных коммерческих студий, выпускающих игровые блокбастеры (вроде RockStar, Blizzard и т.д.), видеоигры стали предметом исследования многих независимых разработчиков – небольших студий или отдельных художников. В фокусе выставочного проекта – новые эксперименты в области языка и форм видеоигры. Участники проекта рассматривают видеоигру, как нечто выходящее за рамки привычной схемы, включающей победу или поражение, акцентируются на ее художественной части. Компьютерная игра – это синтез искусств, где игрок – полноценный участник и соавтор воплощения художественного замысла создателей. Выставка будет интересна широкому кругу посетителей.
Международный фестиваль видеоарта «Видеоформа-V»
7.11.2017-11.11.2017
ЦСИ им. Сергея Курёхина (СПб)
7-11 ноября в Центре современного искусства им. Сергея Курёхина при поддержке Комитета по культуре Санкт-Петербурга состоится V международный фестиваль видео-арта «Видеоформа». Тема этого года – «Футуровидение». Кураторы фестиваля Виктория Илюшкина и Олеся Туркина собрали работы современных медиа-художников из 10 стран, которые представляют художественное видение эпохи пост-правды и делятся своими идеями о будущем. В программе фестиваля – показы и выставка видеоарта, встреча с куратором «Сейчас&Потом» Мариной Фоменко и куратором Transmission Ниной Аделаидой Олчак, artist talk c Бьёрном Мельхусом и премьерный показ его работы «Луна над Данангом», беседа с художницей Сандрин Дюмье и презентация её нового проекта «Осуществимые мечты», лекция Антонио Джеуза «В будущее возьмут не всех» и встреча с художником Максимом Свищёвым.
«Видеоформа» не только обращает взгляд в будущее, но и производит ревизию представлений о нём. Критика осуществленной утопии – одна из основных тем фестиваля. Антон Гинзбург в новом фильме “Turo” исследует конструктивистскую архитектуру как свидетельство модернисткой утопии. Бьёрн Мельхус в работе «Луна над Данангом» пересматривает идею будущего, сопоставляя два одновременных события – высадку на Луну американских астронавтов и войну во Вьетнаме. Мечты о будущем, извлеченные из прошлого, становятся неузнаваемыми, как возникающая из мрамора статуя астронавта в Дананге. Онлайн-проект AUJIK, возникший в середине 2000-х, представляет работу «Пространственные тела», в которой визуализирует новый урбанизм самопорождающейся архитектуры. Максим Свищёв в своём «Цветасисе» населяет город фантастическими кинетическими существами. «Пластиковое дитя» Каролин Косс живет в пластиковой среде, образовавшейся после экологической катастрофы. Елена Артеменко в своём видео «Мягкое оружие» работает с объектами из мягкого силикона — искусственного материала, по тактильным свойствам максимально приближенного к человеческому телу. «Осуществимые мечты» Сандрин Дюмье — это сюрреалистический мир сновидений новых кибер-тел альтернативного человечества. Ксения Галкина в своём мокьюментари «Я – Голограмма» рассказывает о людях, которые избавились от телесной формы и стали полностью цифровым. Жюльен Прево в фильме «Что нам дальше делать?» исследует будущее, которое, по словам Уильяма Гибсона, «уже наступило, просто оно еще неравномерно распределено». Художник превращает запатентованные корпорациями жесты в язык перформанса.
Куратор московского фестиваля «Сейчас&Потом» Марина Фоменко представляет специальный показ работ таких художников как Лена Бергендаль, Брит Банкли, Мари-Франс Жирадо, Ник Джордан, Нуно Мануэль Перейра, Ана Б., Юнг Хи Сео, Яэль Торен.
Тема польского видео-фестиваля Transmission «В этом мы все вместе — Дорожная карта по художественному миру постправды» (Варшава-Кассель-Карлсруэ). Куратор фестиваля Нина Аделаида Олчак подготовила для «Футуровидения» специальную программу с работами победителей — Елены Артеменко, Ка-лун Льонга, Анука Шамбаза, Юлии Пашкевичуте, Сузанны Банасиньски, Каролин Косс.
Продюсер, влогер, видеохудожник и директор цифрового арт фестиваля Vidéoformes Габриэль Сушейер (Франция) покажет программу "In-between!", куда вошли произведения современных художников из Франции, Италии и Японии: Пьер-Жан Гилу, Юго Арсье, Жером Болб, Фредерик Бонпапа, Алессандро Амадуччи, Ален Эскалль. Работы посвящены урбанизму, жизни цифровых образов, взаимодействию между телом и технологией, а также синергии музыки и образа.
Дискуссия «Личная мифология как стратегия в современном искусстве»
9.11.2017, 19:30
ЦСИ Винзавод (Винтажный зал)
9 ноября в 19:30 в Винтажном зале ЦСИ ВИНЗАВОД пройдет открытая дискуссия «Личная мифология как стратегия в современном искусстве» Участники обсудят выставку Рубежи Вековъ «Рождая чудовищ», устройство и истоки придуманного художницей мира, ответят на вопрос, в чем уникальность ее повествования, а также поговорят о личной мифологии как о стратегии в современном искусстве.
Вера Трахтенберг, куратор проекта СТАРТ сезона 2017/2018 г.: «Создание личной мифологии всегда было особой и почти беспроигрышной стратегией в современном искусстве. Молодые художники часто работают в пространстве выдуманного ими мира. Выбирая этот путь, они могут получить независимость от художественной традиции и актуального контекста. Успеха в этом направлении, безусловно, добились Евгений Антуфьев и Таня Пёникер, первые персональные выставки которых прошли на площадке СТАРТ. Как сегодня развивается это направление? Какие медиа используют художники для создания личной мифологии? Насколько устарели такие формы, как ДПИ, коллажированная графика и объекты в виде кукол? Об этом мы поговорим в контексте выставки Рубежи Вековъ «Рождая чудовищ»».
Пух и Прах
7.11.2017-25.11.2017
Галерея Борей (СПб)
Представляем вашему вниманию выставку живописи Гавриила Лубнина «Пух и Прах». На выставке представлены живописные работы разных лет, ранее нигде не выставлявшиеся. Первоначально автор хотел назвать выставку скромно и непритязательно «Натюрморты». Сам художник, отвечая на вопрос «почему натюрморты», говорит, что обычно, когда на него нисходит творческий порыв, он хватает первые попавшиеся на глаза предметы. А потом включается воображение… И, таким образом, перед вами экспромт, изображение того, что появилось под рукой или же вовсе отсутствовало. Натюрморт подразумевает мертвую натуру, отсюда и новое шкодливое название выставки «Пух и прах», абсолютно в духе текстов поэта Гавриила Лубнина.
Еда, лес и поле
С 8.11.2017
«Ты тему моря взял!
И тему поля,
А тему гор!
Другой возьмет поэт!»
Николай Рубцов
Наличие темы, позволяющей объединить в одном культурном пространстве разные произведения искусства – очевидный и простой в реализации прием, избитый при изготовлении выставок. Выдернуть из всеобщего разнообразия искусства вещи, подходящие к случаю и создать из этого набора произведений «контекст» – любимая забава кураторов. Забава, повторяющаяся почти что на каждой крупной и мелкой выставке или биеннале современного искусства. Явления, существующие самостоятельно, художники, старающиеся работать разнообразно – часто сводятся в одну смысловую конструкцию. Им назначается тема, а их работы вставляются в общий контекст.
Странно подозревать в этом глобальный заговор, предназначенный чьей-то злой волей для упрощения картины мира. Скорее, это упрощение, с возмущением скажем мы, противоречит задачам самого искусства, служащего универсальным языком для описания «всего»… в прошлом, настоящем и будущем.
Выставляя в галерее Перелетного кабака несколько вещей, подобранных по принципу очевидного соответствия заявленной теме, мы не могли не думать о том, что сами произведения, хотя и несут в себе признаки, объединяющие их на простом уровне, все-таки в сути своей содержат разные интересные смыслы. Радость узнавания извечного сюжета позволит увидеть в глубине произведений все то настоящее, серьезное, трагическое, смешное, что оправдает само наличие «темы», которая станет только поводом, случаем весело и философски собраться здесь.
Максим Боксер, Владислав Ефимов
-----
-
