События 5-18 февраля
РИСУНКИ СКУЛЬПТОРОВ. РОДЕН. МАЙОЛЬ. ДЕСПИО
16.02.2018-15.02.2018
Новая выставка в фонде IN ARTIBUS покажет, как работали три важнейших французских скульптора начала XX века – Огюст Роден, Аристид Майоль, и Шарль Деспио. В экспозицию войдут около 70 графических работ, дополненных скульптурой небольшого размера из собрания Инны Баженовой.
Рисунки скульпторов традиционно считаются вспомогательным продуктом творческого процесса, своего рода «кухней» художника. Выставка в фонде IN ARTIBUS на примере работ трех современников и соотечественников: Огюста Родена (1840–1917), Аристида Майоля (1861–1944), и Шарля Деспио (1874–1946) призвана показать, что графика скульпторов – самостоятельная область искусства, достойная почтительного внимания.
Выставка «Рисунки скульпторов» дает редкую возможность увидеть серию из 50 рисунков Аристида Майоля, выполненных за несколько дней 1916 года. Зрителям будут интересны и произведения Шарля Деспио, нечасто встречающиеся в экспозициях российских музеев.
Апология заблуждений
14.02.2018 - 29.03.2018
Новый проект Дмитрия Шорина «Апология заблуждений» состоит из 14 картин, на каждой из которых изображен лес – густой, беспросветный, безлюдный, либо напротив не частый, с дорогой, деревья – стройные сосны, либо кривые или прямые березы. Магический лес Дмитрия Шорина наполнен неожиданностями, и это не сказочные чудеса, не леший, не русалка на ветвях и тому подобное, это …. Впрочем подобно Улиссу отправимся в странствие по лесу Художника с ним самим в качестве нашего Вергилия. Но прежде взгляд назад. Последняя персональная выставка Дмитрия Шорина состоялась в октябре 2015. Отчего молчал этот позитивный мастер, создавший на своих холстах ярко-зрелищный чувственный мир с его естественной сексуальностью, жадностью к жизни. Вероятно, «земную жизнь пройдя до половины», он «оказался в сумрачном лесу» (Данте), остановился и задумался, стремясь философски осмыслить суть бытия и свое место во времени. Мы не знаем, нашел ли художник истину, но свои поиски, сомнения, озарения и т.д. он изобразил очень поэтично в образах блуждания по лесу в поисках выхода из него.
Известно, заблудившись в лесу, мы ходим по кругу, постоянно возвращаясь к исходной точке. Д. Шорин о своих блужданиях: «Какая странная береза! Кривая, как будто назло. Буквы в коре кто-то вырезал. Наверное, лучше направо. Там мох и кустарник, и что-то краснеет такое… Пойду посмотрю». Краснеет красное платье и девичьи колени («Утро в лесу»), художник бросается в чащу, но видение исчезает, обнаруживается лишь старый велосипед (“Picnik”). «Лесной мираж – это странно. За елью ведь был человек. Я только хотел бы поближе к нему подойти и спросить, как выйти отсюда быстрее, скорее к дороге назад. Казалось, был дом у дороги, но там его нет, это снова мираж». Дом у дороги – отражение в старинном зеркале окружающих его частых прямых сосновых стволов (“April”), создающих готический пейзаж. Артефакты буквально заполняют лес художника. «Странная это береза! Кривая, как колено, с вырезанными в коре буквами. В глазах потемнело. Была ведь надежда, что это другая береза. Лучше налево… Смотреть лучше вдаль, миражи собирать». Память художника обращена в прошлое. Вот ниоткуда возникают овцы на пустынной лесной дороге («Барашки»), создавая аллюзию с барбизонцами, одинокий мячик («Таня») на склоне лесной горы отсылает нас к детству художника и его поколений («Наша Таня горько плачет»…). Что ищет художник, что увидим мы? «Какая дорога? Ведь это береза! Кривая, как будто назло! И две эти странные буквы! Пойду теперь прямо! Еще не темно». И снова артефакт. Старинное кресло с розовой обивкой на фоне группы нежных красивых берез, мягкий летний день, неяркий свет заполняет пространство картины. Кресло манит – сядь на меня, рядом с ним в траве пламенеет волшебный аленький цветочек. Это ли конечная цель поисков – легкая жизнь с исполнением любых желаний, без мучительных сомнений и забот? Ответ в будущих проектах мастера. Однако основной лесной мираж художника – самолет Concorde хорошо виден из-за кривых стволов берез, такие обычно растут на болоте. Кого возьмет в будущее эта машина?
Ирина Филатова
Трансфигурация
17.02.2018-11.03.2018
Галерея «Триумф» и Галерея «Эритаж» представляют персональную выставку всемирно известной современной художницы Оксаны Мась, в которую войдут работы из серий «Mandala Dance», «Biomorphic Realism» а также часть нового проекта «Spiritual Cities», в конце 2017 года впервые представленного в Museo MA*GA museum (Италия). Мировое признание Мась получила благодаря проекту “Post-vs-Proto-Renaissance” (прототип инсталляции “Алтарь Наций”), представленному на 54-й Венецианской биеннале современного искусства, а также работе «Quantum Prayer», представленной в групповой выставке «Glasstress 2013» в рамках параллельной программы 55-й Венецианской биеннале. Художница работает в разнообразных медиа от живописи и графики до инсталляций, скульптуры и фото. Ее произведения ассоциируются с искусством нео-экспрессионизма, цифровым искусством и искусством взаимоотношений (relational art).
Оксана Мась перерабатывает и трансформирует колоссальные пласты человеческой истории и культуры в поисках единого культурного кода, обнаруживая его признаки во всякой области человеческого знания и деятельности. В выставку вошли работы из разных серий, созданных художницей в разное время. Она обнаруживает и выявляет архитектурные закономерности и создает на их основе масштабную инсталляцию «Spiritual Cities», объединяя в ней планы церквей, синагог, медресе, мечетей всего мира.
Фрактальные композиции «Mandala Dance» служат выражению космического ритма и символической проекцией вселенной. Такой устоявшийся ритуализированный шаблон проходит сквозной нитью через все мировые духовные практики. Живописные работы из серии «Biomorphic Realism» представляют собой реалистические по сути, но абсолютно абстрактные и универсальные по содержанию работы, наследующие большим мастерам XX века.
Кристина Краснянская: «Трансфигурация» — это проект, направленный на основные вехи в глобальном исследовании художником индивидуума и общества, а также их взаимосвязей. Мы все вовлечены в этот неотвратимый глобальный процесс, который развивается, двигается, меняя нас и устанавливая новые правила в сегодняшнем мире, и в рамках данной выставки можно оценить вектор этого движения через призму видения художника, задуматься о том, как каждый из нас оценивает себя в этой глобальной трансформации».
ВСЕВОЛОД ТАРАСЕВИЧ. РЕТРОСПЕКТИВА
9.02.2018-1.05.2018
Ретроспектива Всеволода Тарасевича (1919—1998) представляет творчество классика российской фотографии, которого смело можно поставить в один ряд с великими основоположниками гуманистической фотографии: Анри Картье-Брессоном, Робером Дуано, Марком Рибу.
Работы Тарасевича созвучны эстетике кино 1960-х годов. Внутренняя динамика, присущая каждому кадру, непроизвольно разворачивается в восприятии зрителя как киноистория. Поэтому невозможно смотреть на фотографии автора бегло и мельком. Они гипнотизируют. Встреча с работами Тарасевича – это возможность не просто узнать о нашей истории, но получить счастье живого переживания времени.
Принт на белом коне
15.02.2018-11.03.2018
Всероссийского музея декоративно-прикладного и народного искусства
«Принт на белом коне» - это выставка-диалог, представляющая результаты совместного творчества дизайнеров одежды и художников-графиков. Работы иллюстраторов и дизайнеров будут представлены в формате арт-инсталляций, объединяющих рисунки и готовые изделия.
В экспозиции будет «воссоздан» весь жизненный цикл орнамента – от зарождения эскизов на бумаге до принта на готовом изделии. Выставочное пространство позволит «заглянуть» в мастерскую художника-графика, проследить ход развития его мысли на всех этапах создания орнамента – от экспериментов до законченного образа, а затем увидеть плоды сотворчества дизайнеров и художников. Посетили увидят, как рисунок превращается в паттерн, как графическое изображение «ложится» на ткань, как оно «звучит» на глине.
Участники выставки – иллюстраторы Алена Белякова, Анна Рослякова, Дарья Ключникова, Татьяна Иванкова, Ирина Красильникова, Елена Булай, Ася Литвинова, Анастасия Мололкина, Митя Пахомов, Елена Гордеева и дизайнеры одежды Ольга Супрун, Маша Прасол, Нина Самохина, Мария Саввина, Анна Белова, Елена Денисова, Динара Хусаенова, Мария Русинова, Ольга Иванова.
Близость
6.02.2018-10.03.2018
В своем новом проекте «Близость» Александр Захаров, художник-хулиган, предстает в образе вуайериста - исследователя.
Крупноформатные стерео-варио произведения из серии «Неделька» (2017) скрывают нечто запретное, что можно увидеть только внимательно рассматривая, подобно натуралисту - экзотические растения при определенном угле зрения превращаются в эротические открытки.
Вторая серия «Пляжные этюды» - рисунки с натуры в привычной технике автора - живопись на деревянных досках.
Вуайеристский интерес Александра Захарова в проекте «Близость» - это ряд вопросов к себе и обществу о возможностях интимного в современном мире, где секс и нагота продают все; рассуждение о близости и границах близости, возможности их укрепления, удержания и тотального разрушения.
Двенадцать
7.02.2018-25.02.2018
Эта серия выставляется впервые. Она создана художником за год до смерти, и стала последней серией работ в творчестве Александра Лабаса.
В рисунках и акварелях «По мотивам поэмы "Двенадцать"» мастер вновь переживает события революции, события 1918 года. «Проживает» их вместе с Блоком.
В этой серии Александр Лабас пробует разные техники: кисть, жёсткий карандаш, перо, мелки, даже шариковую ручку. Техники самые быстрые, самые свободные, динамичные. Он ищет невероятных скоростей, беспощадного штриха. Внутри самого цикла также прослеживаются поиски. Есть рисунки лёгкие, акварельные. Есть — усиленные тяжёлой графитной пружиной, безумным контурным напором, растушёвкой. Спустя более чем шестьдесят лет после написания поэмы «Двенадцать» художник сопереживает поэту, парящему над бездной, — дерзкий поступок в пересчёте на собственный возраст автора и формат исторических событий начала 1980-х.
Кроме рисунков и акварельных листов, на выставке будет представлено коллекционное (12 экземпляров) издание — папка, заключающая в себе 12 репродукций, по числу глав поэмы «Двенадцать», и сам её текст. Художник книги Ирина Тарханова даёт своё прочтение Блока-Лабаса. Рисунки, заключённые в чёрную шёлковую папку, крупнокегельный набор самой поэмы настраивают на трагический характер графики. На обложке папки — ключевой рисунок — взволнованный юноша на фоне летящего под красным флагом броневика с победившими повстанцами. В юноше прочитывается автопортрет художника, очевидца и участника событий.
Экспозиция, архитектура выставки задумана известным московским скульптором Георгием Франгуляном. Она передаёт главное в творчестве Лабаса — характерную для его работ перспективу, построение пространства, то наступающего на зрителя, то захватывающего его в свою бесконечную глубину.
В дни проведения выставки будут проходить поэтические вечера, организованные совместно с интернет-изданием COLTA.
VIII Международный Фестиваль видеоарта «Сейчас и Потом»
7.02.2018-16.02.2018
В новом сезоне Фестиваль представит зрителям лучшие из присланных на открытый конкурс работы. Участники проекта - видеохудожники из разных стран мира, которых ежегодно отбирает компетентное жюри. В этот раз эксперты выбирали лучшие видеоработы из 952 присланных заявок. Свои проекты для участия в конкурсе прислали художники из более 72 стран мира, включая Непал, Новую Зеландию, Израиль, ЮАР, Австралию, Аргентину, Иран, Бразилию, Польшу, Индию, Австрию, Китай, Тайвань, Японию, Италию, Испанию, Францию, США, Россию и др.
Организаторы VIII выпуска Фестиваля предлагают художникам отправиться на поиски автономной реальности. Где они найдут ее? В системе научного познания мира или в фантомной области иллюзий и слов? В цифровой мире, соблазняющем виртуальной реальностью, или в сокрытой от посторонних вселенной памяти? В поглощающем все Интернете или в живущем для себя мире политической конъюнктуры? В семье, большой и маленькой, или в замкнутых на себе социальных группах и саморазвивающихся субкультурах? Об этом все желающие смогут узнать на выставке в Артплее, где будет представлено более 40 работ, выбранных экспертами Фестиваля.
Помимо основной программы Фестиваля, которая в течение десяти дней будет представлена в Малом зале Центра Artplay как многоканальная видеоинсталляция, Сейчас&Потом'18 представит обширную специальную программу: лекции и дискуссии, встречи с художниками и кураторами, экскурсии и перформансы. Будут показаны программы видеоарта фестивалей из Франции, Испании, Аргентины, Германии и др.
Специальные гости Сейчас&Потом'18 – Томаш Венланд из Польши, директор Mediations Biennale и Габриэль Сушер, директор Videoformes Digital Arts Festival, Франция. Гости покажут программы видеоарта и расскажут о развитии медиаискусства в Польше и Франции.
Двоегорск
13.02.2018-18.03.2018
ММОМА (Петровка, 25)
Московский музей современного искусства совместно с Галереей современного искусства 11.12 и Фондом Марджани представляет персональную выставку Рината Волигамси «Двоегорск».
Ретроспектива объединит работы художника последних десяти лет. Картины-ребусы и объекты воссоздают хронику жизни Двоегорска, вымышленного города, брата-близнеца Twin Peaks. Экспозиция реконструирует типовые образы из газет и плакатов СССР и воспоминания Рината Волигамси из детства, переосмысляя утопии советского прошлого и наших дней.
В художественную «хронику» Двоегорска вошло 119 объектов и полотен, уже ставших известными зрителю как в России, так и за рубежом, среди которых - видоизмененные «кремлевские» звезды и стальные бараки-дома, картины «Пятиэтажка», «Деревня», «Волна-пейзаж», серия «В условиях зимы», работы «Молоко и нефть», «Трубач», «В штабе» и другие. Также на выставке в ММОМА будут представлены фотоколлажи с использованием графики из «Неофициального альбома», посвященные вымышленной жизни Владимира Ленина и его семьи.
Венец земного цвета
17.02.2017-22.04.2018
17 февраля 2018 года в музейно-выставочном комплексе «Новый Иерусалим» откроется выставка работ Бориса Кустодиева «Венец земного цвета», которая представит более 60-ти полотен великого русского художника из тринадцати российских музеев и частных коллекций.
Выставочный проект организован музеем «Новый Иерусалим» при поддержке и значительном участии Государственного Русского музея, который является одним из главных хранителей великого творческого наследия Кустодиева. На выставке будут собраны произведения из коллекций более десяти ведущих музеев старны – из Казани, Воронежа, Костромы, Владимира, Иванова, Краснодара, Саратова, Нижнего Новгорода, Чебоксар и Москвы. Санкт-Петербург на выставке наряду с Государственным Русским музеем представят ГМЗ Петергоф и Научно-исследовательский музей при Российской академии художеств (НИМ РАХ). Кроме того, часть произведений для выставки предоставят частные коллекционеры, рекомендованные аукционным домом Sotheby`s .
Предстоящая выставка приурочена к 140-летию со дня рождения Б.М. Кустодиева – мастера, чье имя неразрывно связанно с традициями русской культуры и открывает целый ряд мероприятий, посвященных юбилею. Поэтому главный акцент будущей экспозиции сделан на картины, посвященные русскому купечеству, бытовым сценам и праздничным гуляниям. По мнению автора идеи проекта, заместителя генерального директора музея «Новый Иерусалим» Дарьи Миловановой, эмоционально выставка призвана передать атмосферу широкого русского праздника, настроение которого создает яркая колористка и выразительность образов, созданных гением Б.М. Кустодиева. Не случайно открытие состоится на масленичной неделе и совпадает с традиционными народными проводами Русской зимы.
Шкафы Москвы
1.02.2018-25.03.2018
Мне нравится заниматься шитьём, и занимаюсь я этим искусством уже лет двадцать, при этом никоим образом не соревнуюсь ни с какими домами моды. Я не просто шью, хотя могу пошить лучше любой дамы: я переосмысливаю. Например, у меня есть много роскошных шинелей. А это особая тема.
Белинский, а потом и Чехов, говорил, что «все мы вышли из гоголевской «Шинели», потому что шинель – это гораздо больше, чем просто наряд милитари. Вся наша интеллигенция – это шинели, все наши проблемы – это шинели. И потом, шинель – это вообще наиболее характерная российская одежда. Ну, какая в русских грязях может быть Коко Шанель? Это разве только на обложку журнала посмотреть. А в шинели можно переночевать, ею можно накрыться, ходить в ней на работу, охранять супермаркет, поле пахать. Удобно, практично, патриотично и архетипично.
Искусство, чем я занимаюсь, это такой странный диалог с вещью. Это не только одежда, здесь много мелкой пластики: фрукты, табакерки, ордена, оружие, какие-то странные «человечки»…
У искусства есть своя среда обитания и хранения… Этой средой, по крайней мере для того, чем занимаюсь я, оказался шкаф. Очень интересно то, что лежит в этих московских шкафах, ведь Москва очень разная. В шкафах на Арбате и в шкафах в Люберцах лежат вещи совершенно различные и своим содержанием, и формой, и тем, зачем они вообще там лежат и кто их хозяин?
Шкаф — это отдельный мир. В нём есть очень интересные вещи: «скелеты», доносы, библиотеки, одежда, деньги, оружие… Это особый культурный слой, который можно рассматривать, утилизировать каким-то образом. Там могут обнаружиться уникальные срезы того, чем люди живы, и это поистине красиво. В этом для меня заключается сопричастность к чужим судьбам, к их историям:
«Онегин шкафы отворил:
В одном нашел тетрадь расхода,
В другом наливок целый строй,
Кувшины с яблочной водой
И календарь осьмого года:
Старик, имея много дел,
В иные книги не глядел».
Передо мной не стоит дилемма, искусство, чем я занимаюсь или нет. Это просто глупо — делить искусство на высшее и прикладное. Хорошего искусства мало во всех областях. Рафаэль всю жизнь расписывал сундуки для приданого, его просто пёрло от этого, ему это нравилось. А Менделеев клеил чемоданы. Никто не знает, где живет искусство. Искусство – это необычайно трепетная вещь, очень обидчивая. Когда она приходит и когда уходит – абсолютнейшая тайна.
Кошмарный сон искусствоведа
6.02.2018-17.02.2018
Галерея Борей (СПб)
Гротеск – эмоция, состояние, подвижность и непредсказуемость жизни, всякое явление в которой, даже самое незначительное и бытовое, может восприниматься как карнавал.
Выставка Елизаветы Бенк «Кошмарный сон искусствоведа» ставит вопрос роли гротеска, иронии и фантазии в современном искусстве, иллюстрирует их влияние на нашу современную жизнь. Этот прием хорош тем, что он убирает декоративность в живописи – наносные элементы, которые создаются художниками на протяжении многих тысяч лет, чтобы сделать форму более привлекательной и совершенной, и очаровать зрителей ложной многозначительностью и ложной красотой. Елизавета Бенк не приукрашает действительность, а наоборот, отсекает все лишнее и наносное, оставляя один единственный, важнейший элемент – чистую эмоцию, ощущение внутреннего состояния, гипертрофированного художником и перенесенного на холст.
На выставке представлены автопортреты, портреты друзей и знакомых, изображения реальных и вымышленных персонажей, героев сказок и фильмов, а также произведения классического искусства, помещенные в разные, как бытовые, привычные, так и неординарные, абсурдистские ситуации. Через самоиронию и высмеивание художник показывает зрителю жизнь во всей её подвижности, изменчивости, во всех её проявлениях, небезосновательно полагая, что именно через гротеск и иронию может раскрыться подлинная наша сущность.
Елизавета Бенк не следует каким бы то ни было канонам и правилам, скорее ее работы созданы под влиянием концепции любимого ею Йозефа Бойса, утверждавшего, что «каждый человек – художник».
Chairoscuro
4.02.2018-28.02.2018
Бар-галерея "Перелетный кабак"
Высшие эстетические цели, о которых говорит Иоганн Гёте, предполагают, согласно его учению, большую радость, так как глаз сам способен производить цвета и испытывает приятные ощущения в случае, когда извне приходит нечто, сообразное его природе. То есть цвет подобен изначально присущему нам нравственному чувству, и душа откликается на цвета особыми тонкими состояниями, замечая соответствия «внутреннего» и «внешнего» цвета. Для полного ощущения и усиления этих взаимоотношений Гёте дает совет окружать глаз одним цветом, например, смотреть сквозь цветное стекло и находиться в одноцветной комнате. Советует настраивать глаз и ум на одну чувственную волну.
Идеалистичное отождествление глаза с каким-либо одним цветом возможно лишь на мгновение и только в целях опыта по проявлению чувственных отношений цвета внутри нас и цвета снаружи, которыми здесь услаждается душа романтика, полностью отрицая физику цвета Исаака Ньютона.
Пренебрежительное отбрасывание математического аппарата Ньютона, изобретенного за сто лет до рассуждений Гёте, указывает на возникшую вдруг необходимость поэтического и художественного описания мира языком, включающем в себя таинственные образы, чувственные колебания души, гармонию коловращения выдуманных миров и Человека, носителя не менее значимого космоса, чем тот, что окружает его. То есть почти весь языковой аппарат романтика состоит из отброшенных наукой понятий, не пригодных для строгого описания физических процессов.
Ситуация эта знакома и нам, так как по прошествии более чем двух столетий разрыв между художественным описанием мира и научным к нему подходом ничуть не уменьшился, но стал еще более заметен в свете новых открытий и развития философии физики. То есть искусство и сейчас находится в странной зависимости от языка, никогда не позволяющего достигнуть точности, то есть от архаического, «чувственного» и якобы «живого» свободного высказывания!
Короткий период авангарда показал, что накопившиеся вопросы так и не были решены окончательно, и последующее после его кризиса развитие искусства пошло в сторону тоски по интуитивному и человечному пути. Недаром в моде сейчас вещи, комфортно отсылающие нас к XIX веку, веку собирания коллекций и веры во взаимосвязанность предметов и явлений.
Отношения с цветом особенно сложны, так как художественные теории его строения не освободили нас от вопросов про его изначальную необходимость. Наоборот, цвет нечувствительно встал на пути художественного высказывания, увеличивая расстояние между изначальным «ничто» и последующим готовым произведением, то есть вещью, появившейся в мире с заданной идеей реалистичного к нему подхода.
Возможность избежать ошибок, связанных с интуитивным построением цветного пространства, порождает, на первый взгляд, мрачные черно-белые образы, которые тем не менее освобождают нас от лишних интерпретаций и тем самым приближаются к чистому описанию, то есть к более полному отражению реальности. Конечно же, подобные подходы к построению изображения предполагают более механическое, «оптическое» видение. Наш мир становится все менее и менее интуитивным, и произведение, казалось бы появившееся из глубины чувственного переживания автора, всё равно постоянно нуждается в объяснении для утверждения своей реальности. Отсутствие цвета здесь может быть временной мерой, шагом «назад» на пути построения художественного объяснения вещей и явлений!
Любить
9.02.2018-19.03.2018
Центр Гильяровского (Музей Москвы)
В преддверии праздников, так любимых сегодняшними жителями Москвы - 14 февраля, 23 февраля и 8 марта – в новом филиале Музея Москвы откроется экспозиция, посвященная романтическим чувствам москвичей XIX-XX века.
В основу выставки «Любить» легли рекламные плакаты товарищества «Брокар», хрустальные флаконы, фотографии, запахи прошлого века. Гости Центра Гиляровского познакомятся с особенностями дореволюционной парфюмерной индустрии, когда, например, выпускался необычный запах «Свежее сено».
Владимир Гиляровский был одним из самых знаменитых москвичей и уж точно самым известным по части своей любви к городу. Центр Гиляровского, открывшийся в декабре прошлого года, начинает год современным прочтением наследия выдающейся личности дяди Гиляя – выставкой «Любить». Центр напомнит своим посетителям, каким интересным и самобытным городом была Москва во времена последних российских императоров.
Посетители выставки будут окружены звуками начала прошлого века, похрустыванием только что выпавшего снега, трамвайными звонками. Шумовой фон той эпохи тоже является своеобразной частью наследия, в чем был уверен известный учёный, блестящий знаток Москвы А.Ч. Козаржевский.
Серебряный век подталкивал влюбленных писать длинные и витиеватые письма, следить за новинками парфюмерии, с чувством интереса гулять по старому городу. «Когда я пытаюсь найти надлежащее определение для той эпохи, что предшествовала Первой мировой войне и в которую я вырос, мне кажется, что точнее всего было бы сказать так: это был золотой век надежности», – писал Стефае Цвейг.
Выставка организована совместно с коллекционером Георгием Ташкером.
POZOR!
10.02.2018-17.02.2018
Бар-галерея "Перелетный кабак"
Выставка «Внимание!» объединяет работы студентов 1-го курса Школы Родченко набора 2017-го года. Для большинства участников эта выставка окажется первой, что, несомненно, накладывает на зрителя дополнительную ответственность.
Публичный показ произведения - краеугольный камень художественной деятельности, но одновременно с этим - щекотливый и рискованный процесс для самого автора. Страх провала, стыда, чувство неуверенности в себе и своих работах связаны в первую очередь с фигурой Зрителя, обладающего странной властью над художником, но одновременного капитулирующим перед Автором.
Неоднозначность этих отношений заключается в проницаемости и подвижности ролей и позиций, которые принимают художник и зритель. Зритель влюбляется, разбирается, преклоняется, понимает, наслаждается и одновременно осуждает, критикует, может быть безразличным и невнимательным. Художник в свою очередь преподносит, показывает, участвует, выносит на суд, но и одновременно с этим поучает, наставляет, высмеивает.
Скольжение и взаимопроникновение властных и подчиненных ролей в этих отношениях несомненно напоминает также и отношения любовные, в которых влюбленные схожим образом одновременно и властвуют, и подчиняются. Но возможно и обратное сходство: первый публичный показ произведения похож на первое признание в любви.
Щекотливость ситуации дебютной выставки вне стен Школы требует от художников смелости и решительности, а от зрителя деликатности и тактичности. И конечно же внимания.
Алексей Корси
Участники: Антон Адриенко, Макар Артемьев, Екатерина Балабан, Ксения Башмакова, Даня Берковский, Елизавета Вдовина, Габбилен Г., Иван Гайдель, Андрей Глушко, Андрей Головин, Настя Гришина, Максим Змеев, Наталия Зотикова, Илья Колесников, Света Холлис, Даша Макарова, Герман Орехов, Евгения Панина, Борис Поспелов, Анастасия Разманова, Елизавета Сазонова, Саша Салман, Настя Сафонова, Мария Свиридова, Александра Синягина, Анна Сопова, Наталья Сухова, Анна Усякина, Диана Хаджи, Антон Яценевичус, Альбина Торопова
Координаторы: Ксения Башмакова, Даша Макарова, Наталья Сухова
Граждане Тимирязевцы!
14.02.2018-1.04.2018
Государственный выставочный зал «Ковчег»
Государственный выставочный зал «Ковчег» открывает новый сезон 2018 года выставочным проектом «Граждане Тимирязевцы!». Эта выставка – полноценный исследовательский проект, в основе которого лежат принципы социоурбанистики. Жители Тимирязевского района представят разнообразие пластических и смысловых подходов в воплощении образов района, где находится выставочный зал «Ковчег», и затронут психологические, социальные, экологические стороны городской жизни.
Город можно рассматривать как самостоятельный организм, который раскрывается через свою историю, архитектуру, природу. Однако изучение города через его жителя позволяет проникнуть в сакральные слои метафизики территории и увидеть характер, лицо, тело города. Каждый район имеет свой словарь терминов ориентирования на местности, свои особые тропы, места, людей. Выставочный проект исследует городскую структуру через «граждан» территории, позволяя постороннему зрителю стать «своим», приоткрыть тайну и вступить в беседу с городом.
Тимирязевский район занимается вполне определенное место не только в географическом пространстве города Москвы, но и в смысловом. История Тимирязевского района велика: уникальный дачный поселок «Соломенная сторожка», где родился Константин Мельников; паровичок, на котором работал кондуктором Константин Паустовский; старейший аграрный вуз сельскохозяйственная академия, в парке которой проходили некоторые события, описанные в романе Ф.М. Достоевского «Бесы». Портрет Тимирязевского района, его уникальную историю можно будет увидеть и почувствовать через живопись, графику, фотографии, инсталляции, скульптуры художников - жителей Тимирязевского района.
Выставочный проект «Граждане Тимирязевцы!» сопровождается параллельной программой, где лекторами, экскурсоводами, исполнителями выступят жители Тимирязевского района:
13 февраля 19:00 Открытие выставки
18 февраля 16:00 Виртуальная экскурсия «Тимирязевский район в контексте культурологического наследия»
24 февраля 18:00 Концерт Музыка эпохи барокко. Андрей Спиридонов (виолончель)
25 февраля 14:00 Экскурсия «Прогулки по парку Дубки с жителем Тимирязевского района»
Russian Art Park
8.02.2018-28.02.2018
ARTPLAY, галерея «Дом на крыше»
Осенью 2017 года впервые в Москве стартовал уникальный проект «Russian Art Park», охватывающий творчество современных российских художников и посвященный искусству и жизни в Большом Городе. В сентябре 2017 года проект открылся выставкой современного искусства «Мегаполис: ПЕРЕСТРОЙКА» в пространстве Московского завода «Кристалл». Второй сезон амбициозного проекта прошел при поддержке Посольства России на Кубе в главном музее Гаваны - Музее Революции. Жители и гости Острова Свободы в течение трех недель могли знакомиться с творчеством современных русских художников.
Третий сезон Russian Art Park откроет свои двери 08 февраля экспозицией «Здоровый образ», где художники размышляют на тему не только выбора образа жизни в целом, но и здорового образа мыслей, взглядов, принципов, творчества, отношения к окружающим людям и миру. В наш век высоких технологий и информационной доступности так сложно сохранить ясность мысли, внутреннюю свободу и открытость миру. Зачастую виртуальная жизнь заменяет реальное общение, и столько интересных, живых событий проходят мимо…
Выставка "Здоровый Образ" пройдет в самом необычном месте Центра дизайна и архитектуры ARTPLAY. «Дом на крыше» был возведен в 2012 году, в качестве офиса и шоу-хауса известной строительной компании NORVEX. Особенность этого оригинального пространства в том, что конструкция из клееного бруса и стекла располагается прямо на крыше бомбоубежища. Архитектурные формы здания навеяны мотивами бионики – симбиоза природы и технологий, а также принципами современного искусства.
В выставке примут участие российские художники из разных городов, а именно: Мария Шестакова, Яна Файзутдинова, Светлана Бояркина, Аделя Зяббарова, Ирина Шумская, Александр Костерин, Надя Ковба, Инна Николаева, Олеся Господинова, Алексей Бурмистров, Юлия Федотова, Светлана Липень, Анастасия Бодрова, Айнура Гасанова, Наталья Наполова, Анна Шкуртова, Варвара Ракутова, Елена Сорока, Александра Шулятикова, Евгения Ерохина, Вячеслав Тишин, Александр Кравцов и др.
Круглый стол в рамках выставки "Встречи на нейтральной полосе или Аварийное включение"
12.02.2018, 20:00
ЦТИ Фабрика, зал Артхаус
Проект был задуман как намерение инспирировать новый опыт альтернативного искусства через понимание забытых в контексте актуального искусства изобразительных практик.
Поскольку многие составляющие «кухни художника», остаются во многом закрытыми для человека, не державшего в руке кисти, целью проекта стала попытка творческой группы расширить опыт концептуализма и дополнить работу со смыслами, контекстами и содержанием, языком пластической информации, а также проследить взаимодействие средств вербального и визуального дискурсов.
Качалки
15.02.2018-25.02.2018
Зверевский центр современного искусства
С 14 по 25 февраля 2018 года в Москве, в Зверевском Центре современного искусства, пройдет авторская выставка Weld Queen. Это первый персональный проект молодой художницы, собравший в едином пространстве серию скульптурных арт-объектов, созданных за последние два года.
Выставка открывает весьма привычную тему любви с непривычного ракурса, проводя параллель между человеческими взаимоотношениями и образом вечных качелей. Качание выступает синонимом жизни, приводящим в движение самую загадочную и мощную силу во вселенной – любовь. Любовь разнообразна и необозрима, её невозможно описать одним словом, образом или действием. Именно поэтому каждая скульптура оказывается лишь маленьким отражением необъятного любовного универсума.
Экспозиция даст возможность каждому зрителю непосредственно познакомиться с «Казановой» - самым харизматичным и известным любовником европейской истории, «Мадонной» - идеализированной женщиной-совершенством, вместившей в себя все прекрасные и страшные качества слабого пола, и даже с «Парой ненормальных» - неразделимыми любовниками, осознавшими свою несвободу друг от друга и поэтому придерживающихся весьма свободных взглядов на окружающий мир. Моральными ориентирами человеческим героям выступят скульптуры двух божеств, символизирующих две полярности: чистую любовь («Волшебный Единокот») и невоздержанность порока («Змей-Сисиныч»).
Программным произведением вернисажа станет сварочный перформанс «В НАТУРЕ» - ода неисчерпаемому творческому потенциалу Человека. Weld Queen, моделируя демиургический акт, c помощью сварки в реальном времени создаст «собственного Казанову». Для этой цели художница использует формально самый «сильный» в художественной практике материал – металл.
Смех и ирония – всегда актуальные «нейтрализующие инструменты», позволяющие Weld Queen избегать излишнего пафоса в беседе на столь непростую и, зачастую, чрезвычайно интимную тему. Выставка «Качалки» - многоуровневая игра-размышление, предлагающее каждому зрителю стать участником «драмы мировой любви» и смело «покачаться на волнах» её захватывающего действия.
-----
-
