События 25 сентября - 1 октября
САЖА
27.09.2017-6.11.2017
ММОМА (Петровка, 25)
Проект «Сажа» выполнен в технике «копчения» – рисования огнем. Художники отходят от традиционных граффити-приемов, развивая и раскрывая суть граффити как проявления городской культуры и наиболее интересного направления современного искусства. Проект позволит зрителю увидеть в граффити не акт вандализма, а раскроет в нем самостоятельный жанр современного искусства, которое имеет право претендовать на музейную ценность.
Первые следы человека, дошедшие до нашего времени – наскальные изображения. Помимо высеченных изображений на камне, существуют рисунки, сделанные с помощью огня. Граффити, созданные тысячи лет назад, несут в себе энергетику своих создателей. Считается, что основная цель любого граффити художника – это «первобытное» желание оставить след своего присутствия в конкретном месте. Используя уличное пространство как холст, граффити художник создает актуальное искусство доступное каждому.
Проект «Сажа» станет своеобразным экспериментом: ГРИША и 0331с перенесут свои работы, сделанные в разных точках Москвы, в нехарактерное для граффити-искусства место – музейное пространство с классической архитектурой.
Conor Mccreedy
1.10.2017-30.10.2017
Конор Маккриди – родился в Йоханнесбурге (ЮАР) в 1987 году. Его текстурные монохромные масштабные работы пользуются огромной популярностью. Фирменный синий цвет художника известен под патентом Mccreedyblue. Художник исследует творческий жест, связь между собственными эмоциями и изобразительным материалом, стремясь к преодолению визуальных барьеров.
Некоторые из работ Маккриди намеренно оставляет без названия чтобы избежать возникновения лишних смыслов.
Детлеф Шлагхек и Леонид Харламов DAKK
26.09.2017-8.10.2017
КЦ Типография (Краснодар)
Краснодарский центр современного искусства “Типография” представляет проект немецких художников Детлефа Шлагхека и Леонида Харламова DAKK (Deutsche Akademie der Künste in Krasnodar) — вымышленную академию современного искусства, которая откроет свои двери для краснодарских художников и всех желающих. В академии будут два класса, в каждом — пять студентов, которых Шлагхек и Харламов отберут после серии вступительных испытаний. Занятия в классах будут проводиться на русском и английском языках.
Срок обучения в DAKK составит одну неделю, за время которой студенты успеют получить магистерскую степень, а также принять участие в отчётной выставке.
DAKK экспериментальным путём, формируя фикциональное пространство в конкретном российском городе, исследует образовательную систему, сложившуюся в Германии, а также создаёт платформу для коммуникации и обмена опытом между участниками разных художественных сообществ. Участники этого процесса, имитирующего все этапы академического художественного образования, также проблематизируют универсальные вопросы о том, что такое современное искусство и можно ли ему научить и научиться.
Проект проходит при поддержке Гёте-Института в Москве.
Творческая встреча с художником Александром Волковым и народным артистом СССР Владимиром Андреевым
27.09.2017, 18:00
Галерея ARTSTORY приглашает 27 сентября в 18.00 на творческую встречу в рамках выставки «Александр Волков. Согретый солнцем и землёй». Художник Александр Александрович Волков расскажет о семье и окружении, которое повлияло на его жизнь и творчество. Артистическая династия Волковых родом из Ташкента первой половины XX столетия, – который был «местом силы» и точкой притяжения для нескольких поколений русской интеллигенции.
На вечере в исполнении народного артиста СССР Владимира Андреева прозвучат стихи Александра Николаевича Волкова (старшего) из цикла «Дни кочевья» 1923 – 1926 г.г. В 20-ые годы стихи А.Н. Волкова высоко оценил Сергей Есенин, он же помог в 1923 году организовать в Москве выставку работ художника. В то время с литературным и живописным творчеством А. Н. Волкова познакомился и поэт Николай Тихонов, по инициативе которого уже в 1967 году состоялась первая масштабная выставка художника в Музее Востока. Свою статью об А.Н. Волкове поэт озаглавил «Мастер гранатовой чайханы», что впоследствии стало «фирменным знаком» художника. Тогда на выставке в Музее Востока состоялось возвращение не только живописи классика отечественной живописи XX века, одного из тех, кто создал современное изобразительное искусство на территории всей Средней Азии, – но и поэзии А.Н.Волкова. Символично, что 50 лет назад стихи Волкова прозвучали именно в исполнении В.А.Андреева, который удивительно точно передал ритмику поэзии.
Друзья галереи 2017
29.09.2017-11.11.2017
«Друзья галереи» - это ежегодный слет художников, с которыми нашу галерею связывает тесная дружба на протяжении всего времени своего существования. Открытием этой выставки мы начинаем добрую традицию ежегодно собирать друзей галереи, где они будут представить свои лучшие работы за прошедший год, делиться интересными находками, творческими впечатлениями и яркими идеями.
В экспозиции будут представлены работы таких совершенно не похожих друг на друга в своей манере творчества художников как Константин Лупанов, Сергей Брюханов, Александр Герасимов, Евгений Заремба, Юрий Герман, Игорь Ширшков, Андрей Черняев, Артур Ян, Андрей Кетиладзе, Тарас Левко.
Источником вдохновения для нового проекта послужило желание показать широкий спектр жанров, с которыми работают «наши авторы». В своей деятельности галерея Vsunio не ограничивается лишь одним стилем или направлением при отборе художников. Единственным критерием она ставит лишь выбор настоящего и только настоящего искусства, способного найти эмоциональный отклик в душе наших посетителей.
Каждый художник видит и чувствует мир по-своему. У каждого - свой подход к темам и их интерпретациям. Все авторы очень разные, как и их жанры и техники, все ведут повествование на своем собственном неповторимом языке, оперируя визуальными лексемами и фонемами цветовых сочетаний.
Наша команда надеется, что на выставке «Друзья галереи» в пространстве VSunio каждый посетитель сможет найти работу, созвучную именно ему.
Поверхностное натяжение
27.09.2017-29.10.2017
Галерея «Триумф» представляет выставку «Поверхностное натяжение» участника цикла «Отцы и дети» Дмитрия Булныгина. Архитектор по образованию, он одним из первых в России обратился к новым медиа в искусстве.
На выставке будут представлены работы последних лет – объекты и видеоинсталляции, посвященные городу и городской среде. Автор буквально разрушает архитектурные структуры - превращая строгие конструкции в аморфные свинцовые массы и растворяя привычный ритм окон ярким светом проекторов. Мягкие скульптуры и временные конструкции напоминают одновременно термитники и многоэтажки, грибную матрицу и транспортную систему. Помещая циркулирующую фауну на стерильные поверхности, художник тем самым противопоставляет природе неорганические структуры и системы, созданные людьми.
Руины
27.09.2017-29.10.2017
Галерея «Триумф» представляет первую сольную выставку художницы Ольги Круковской. Окончив МАРХИ, Ольга выбрала стезю графика, а не архитектора. Путешествуя по миру она создает серии архитектурных рисунков и объекты.
В выставке «Тени» автор представит работы из нескольких серий, в которых она исследует культурную память и историю. Архитектура в ее работах становится хрупкой и эфемерной субстанцией. Изображая разрушающиеся архитектурные памятники Москвы и тонущие палаццо Венеции, Ольга размышляет о ностальгии и памяти в городе. В своих работах Ольга сочетает экспериментальный и исследовательский подход к городской среде с тонкостью академического архитектурного рисунка. Она создает лирический портрет города в графических и акварельных работах.
Ниспадающий каскадами шелк перекликается со строительной сеткой, которой обтянуты аварийные памятники архитектуры: их материальность обманчива и тает на глазах, отражая их хрупкость в городской ткани. Работы на шелке размывают границу и являются переходным звеном между графикой и объектами Ольги. Архитектура, воплощение монументальности в традиционном понимании, превращается в воспоминание, в тень самой себя. Эти тени, всполохи сомнения и тревоги оказываются в центре внимания на работах художницы, представая во всей своей грации и беззащитности за секунду до того, как исчезнуть навсегда.
Страсть. Кровь. Вино. Женщина
28.09.2017-22.10.2017
Идейное ядро экспозиции - страсть как доминанта личности Пабло Пикассо. Известный пылким нравом, художник в своих работах исследовал страсть как явление, пытаясь ответить на вопрос о природе и сущности чувства, которое может вознести на неведомую высоту, а может довести до умопомрачения. Графические работы, представленные в галерее, - отражение рефлексии и интроспекции художника, одержимого женщинами и корридой.
Корридой юный Пикассо заболел на родине еще в детстве, в Малаге, когда отец впервые взял его с собой на шоу. Противостояние быка и тореро, кульминация жизни, воплощенной в натиске животного и смелости укротителя, искрящее всюду на стадионе дыхание смерти, истинная мужественность, предел напряжения и ощущение, что это может оборваться в любую секунду, - все это пленило Пикассо и как творца, и как человека. На корриде всегда проливается кровь - это ещё один мотив выставки и также дуальный символ: это и жизнь, и смерть, и, конечно, страсть либо её невозможность (например, портрет Ольги Хохловой 1917 года, на котором изображена холодная красавица, и этот холод так выводил из себя Пикассо).
Важный лейтмотив экспозиции, мост между корридой и женщиной, - вино. Напиток, разогревающий кровь, напиток, коим чествуют победителя, напиток богов и напиток любви. И, как и любовь и женщина, он может стать мучительной зависимостью, избавиться от которой можно, лишь сублимируя её в творчество.
Смех в зале
26.09.2017-29.10.2017
Галерея «Виктория» (Самара)
Выставка посвящена столкновению нескольких подходов к абстракции и смеху и охватывает период с 1950-х годов по наше время. Со второй половины 1950-х перед советскими людьми открылась панорама западной жизни и искусства. Однако абстрактное искусство, вновь вошедшее в моду после Второй мировой войны, стало объектом насмешек для советских карикатуристов.
В экспозицию вошли карикатуры 1950–1970-х годов и абстрактные работы, похожие на те вещи, которые вышучивают карикатуристы — живопись и графика Льва Кропивницкого, Ольги Потаповой, Лидии Мастерковой. Кроме того, на выставке будут представлены образцы концептуального использования карикатуры как материала для создания новых произведений — картины Юрия Альберта. Произведения Владислава Кручинского и Виктории Ломаско станут примером новой левой критики современного искусства, а в работах Александры Паперно, Ростана Тавасиева, Егора Кошелева, проблематика смеха и беспредметности проявится на уровне сюжета.
Land of Mirrors / Страна зеркал
28.09.2017– 18.11.2017
“Большинство образов в моих работах основано на собственном жизненном опыте. Бесчисленное множество воздействующих на меня переживаний, событий и встреч… все они становятся ключевыми моментами в моих работах”
К. Танаами
Кейичи Танаами – культовый японский художник, оставивший яркий след в развитии поп-арта и популяризации психоделического искусства в Японии послевоенных лет.
Танаами родился в 1936 году в Токио, где пережил всю войну и атаку города военно-воздушными силами США в 1945 году. Впечатления девятилетнего мальчика легли в основу всего творчества: темами работ Танаами стали война и бомбардировки, эротика и тема потребления, а в более поздний период – философские рассуждения на тему жизни и смерти.
Сюжеты его работ – мертвая золотая рыбка, переплетающиеся и завивающиеся в спирали деревья, рев американских самолетов, лучи прожекторов, охваченный огнем город, толпы бегущих людей, бомбы и взрывы – отражают образы из мира грёз и детских воспоминаний.
В начале своей карьеры Танаами уделял особое внимание авангардному кино («Прощайте Элвис и Америка!», 1971), участвовал в хеппенингах Йоко Оно, снимал видео с Нам Джун Пайком, а так же иллюстрировал модные журналы, создавал коллажи и традиционно писал маслом. В 1960-х годах, уже будучи успешным иллюстратором и графическим дизайнером, Танаами принимал активное участие в развитии неодадаизма (Neo-Dada) вместе с Ушио Шинохарой, Робертом Раушенбергом и Мишелем Тапи.
В 1967 Танаами впервые посетил Нью-Йорк, где вживую увидел работы Энди Уорхола, и был поражен возможностями, которые открывал для творчества мир дизайна и поп-арта, столь популярного в американском обществе потребления.
«Это было время, когда Уорхол из иллюстратора, делавшего рекламу, превращался в художника, и я не только стал свидетелем того, как он ворвался в мир искусства, но сам применял его метод. Мотивами его творчества становились современные идолы, он создавал композиции, совмещая кино, газеты и музыку рок-групп. Другими словами, опыт Уорхола помогал ему продавать свое творчество на «художественном рынке». Я был поражен, и он стал для меня настоящим образцом для подражания. Я решил, что, как и Уорхол, не стану ограничиваться только одним направлением, например, только изобразительным искусством или только дизайном, и вместо этого попробую себя в различных направлениях». – К. Танаами.
Переняв опыт Уорхола, Танаами стал создавать смешанные жанровые композиции. Его яркие красочные иллюстрации и дизайнерские объекты получили высокую оценку как в Японии, так и за рубежом и принесли художнику мировую славу. Художник создаёт обложки для альбомов легендарных групп The Monkees и Jefferson Airplane, а его плакат «No More War» в 1968 г. получил награду журнала Avant-Garge как лучший антивоенный плакат.
Благодаря серии эротических картин с участием голливудских актрис, выполненных в начале 1970-х годов, Танаами стал известен как художник с особым взглядом на американскую культуру. Эротизм у Танаами отражает национальную специфику, а образы молодых девушек с почти архитектурной точностью отражены в картинах, фильмах и скульптурах. В 1975 году Танаами стал первым арт-директором японского журнала Playboy, и чтобы посетить головной офис журнала, снова отправился в Нью-Йорк, где Энди Уорхол показал ему свою «Фабрику».
В 1991 году Танаами стал профессором Киотского университета искусства и дизайна и воспитал целое поколение современных японских художников. Творчество Танаами оказало значительное влияние на таких художников, как Такаси Мураками, Табаймо, KAWS и многих других.
26.09.2017-29.09.2017
Новая сессия профессиональной музыкальной программы Selector PRO 2017 является логичным продолжением музыкальных форумов Selector PRO в 2015 и 2016 годах в партнерстве с Институтом медиа, архитетуры и дизайна "Стрелка" — масштабных событий, объединявших российских и британских профессионалов, а также самую широкую аудиторию любителей британской музыки.
В 2017 году вектор проекта и цели остаются такими же, но Selector PRO обретает новый формат и представляет из себя серию краткосрочных программ профессионального развития на четыре темы, раскрывающие разные направления работы в музыкальной индустрии.
Идея Selector PRO когда-то выросла из одноименной лодонской музыкальной радиопрограммы SELECTOR, продюсируемой Британским Советом, которая охватывает аудиторию свыше трех миллионов слушателей в 40 странах мира.
В новом целенаправленном формате Selector PRO 2017 представляет собой конструктивную программу для создания связей между британскими и российскими музыкальными секторами культуры и предпринимательства, обучения и поддержки развивающихся российских музыкантов, менеджеров и журналистов, обмена опытом в области музыкальной индустрии и демонстрация новых талантов из Великобритании.
Подробная информация и расписание по ссылке.
Модернизм без манифеста. Часть 1. Собрание Романа Бабичева
27.09.2017-20.11.2017
ММОМА (Петровка, 25)
ММОМА продолжает знакомить широкую публику с важнейшими частными собраниями российских коллекционеров. Задача двухчастного проекта «Модернизм без манифеста» — не просто представить зрителю одну из крупнейших современных коллекций живописи, графики и скульптуры советского периода, но и продемонстрировать на этом материале новейший подход к истории отечественного искусства XX века (1910-1970-х гг.), начиная от самых истоков модернистской живописи в России. В экспозицию вошли работы 111 авторов, среди которых как звезды (Машков, Осмеркин, Купервассер, Лентулов), так и «невидимые» после 1932 года художники, пожертвовавшие связью со зрителем и продолжавшие свои пластические эксперименты.
-
