Леонид Цхэ: "Я за искусство, которое задает вопросы"

Над интервью работала Юлия Крышевич

Фото предоставлены организаторами выставки

До 25 февраля в Московском музее современного искусства проходит выставка петербургского художника Леонида Цхэ. Проект «Постановки» продолжает тему, затронутую в выставке «Неопетербург» 2015 года, и представляет переосмысление стандартов академического рисунка в рамках современного искусства. Мы поговорили с Леонидом и узнали о том, как появился проект, чем он вдохновляется и чего он ждет от московских зрителей.

Юлия Кряшевич: Леонид, в 2015 году Ваша выставка в Namegallery в Петербурге имела большой успех. Критики пишут, что проект «Постановки» – это в некотором роде продолжение темы «Неопетербурга» Критики пишут, что проект «Постановки» -- это в некотором роде продолжение темы «Неопетербурга». На этот раз в Москве, в ММОМА. Что ждете от московского зрителя?

Леонид Цхэ: Надеюсь, будет интересно…

Ю.К.: Да, это точно. Теперь поговорим о Вашем проекте. Станислав Савицкий, куратор выставки «Постановки» пишет, что Вы «в своих работах пытаетесь сместить акцент на модель личности». Как в Вашем понимании выглядит соотношение внутреннего мира человека и внешней среды? 

Л.Ц.: Это сложный вопрос… В классическом искусстве, если говорить о Возрождении, тело представлялось как прекрасное, канон, обращение к античности. Изначальная задача постановки в академии (учебная), -выверенный рисунок, композиция, изображение фигуры в пространстве, правильные пропорции, как говорят в академии, даже несмотря на то, что конкретный человек может сильно отличаться от этих представлений. От этого он конечно не менее прекрасен. Мы со студентами и группой Север-7 экспериментируем в этой области, взяв за основу учебную постановку, переворачиваем идею, пытаемся найти для нее новые смыслы… Придумали для этого название «Перформативное позирование и активное рисование»

Сами по себе учебные постановки, как они есть, выглядят как следы идей прошлого. У всего же было вполне практическое назначение для своего времени, бывает очень интересно по ним отследить различные коды. Иконография очень отчетливо отслеживается от постановки к постановке - фигура в динамике, отсылающая к прекрасным, конечно, образцам классического рисунка. Или другой пример - в жизни вы не встретите людей, которые сидят в патетических позах с выпрямленными спинами в бутафорском пространстве, ритмически распределенных на стене цветных драпировок. Это условность, заданная когда-то давно, в связи с необходимостью создавать соответствующие образы во времена советского союза, так и осталась по инерции. Ну декоративно конечно, так как смыслы уже в прошлом.

Так вот, мы доводили это еще до более безумного абсурда, смешивали все что можно в свободной импровизации, из того что было под рукой - какие-то клеенки для ванной, платья со звездочками, в мастерской в академии что-то находили или на ее помойке. В постановках воспроизводили разные сценки из собственных, личных воспоминаний или классические сюжеты академических картин обставляли какими-то швабрами, гантелями, детские игрушки подкладывали в драпировки натурщикам, в роли которых мы сами друг для друга часто и были. Личный опыт, случайно организованная постановка - как случай в жизни, эпизод, встреча, смешивается с умением рисовать, данным не как инструмент для создания готового рисунка, а скорее, как способ переживания ситуации. Перформативность самого процесса - вот что интересно. 

Я за искусство, которое задает вопросы. Постановка - это имитация жизни, бутафория из нагромождения предметов, якобы означающих что-то, правила, которых нет. Или они абсурдны, их можно разыграть, расставить, как угодно. А внутри - человек, обнаженный, ожидает, когда время позирования кончится, можно будет снять с себя все эти странные вещи и уйти.   

Со Станиславом Савицким мы постарались выстроить экспозицию выставки «Постановки» так, чтобы показать процесс в развитии, с разных сторон в разных медиа. Вначале фотография постановки во дворе Академии с Олегом Добрыниным, натурщиком, который учится на специалиста IT и является постоянным участником наших постановок, далее сама постановка, включающая видео, антураж из различных предметов, перформанс Олега и серии рисунков, сделаные тут же с молодыми художниками, Лерой Кузнецовой и Даниилом Васильевым. И на втором этаже заканчивает выставку, затертая древесным углем и отпечатками кистей рук и стоп, проекция плана Академии Художеств, гравюра на меди, оттиск с оригинальной доски 19 века, найденной случайно в мастерских Академии. 

Ю.К.: Леонид, когда я смотрю на Ваши картины, мне, в первую очередь, бросается в глаза не обстановка, а сама фигура героя: его настроение, состояние. Как будто проникаю в его внутренний мир…

Л.Ц.: Я рисую себя, друзей, это можно заметить на выставке. Отчасти это дневник. Поиск собственной идентичности через рисование, раз за разом, я воспроизвожу тот или иной сюжет, сценку, но по итогам оказывается, что нарисовал я совсем другое, то что не проговорил, не пережил, фантом, как ошибка в академическом рисунке…     

Ю.К.: Ваши картины называют абстрактными порывистыми: в них чувствуется движение. Можно ли считать эту характеристику тенденцией, данью времени, в котором мы живем, или же это перманентная черта Вашего творчества?

Л.Ц.: Это интуитивный процесс, мне трудно объяснить, есть общая задумка или даже скорее повод, чтобы начать работу, а дальше я полагаюсь на случай, везение. Плюс моторика руки, форма сама подсказывает, или ведет к тому или иному результату. Мне кажется только так может получится решение, которое ты даже не ожидал получить. Бывает, что в одном холсте я последовательно накладываю один на другой несколько сюжетов, получаются слои… 

Ю.К.: Вы пишите с натуры, иногда со снимков из соц. сетей, из телерепортажей. Что Вам кажется из этого более простым, а что для Вас интересней?

Л.Ц.: Я никогда не рисую со снимков из социальных сетей и телерепортажей, совсем. Это не моя стратегия. Соцсети - это часть сегодняшней жизни, в том числе своего рода натура для художников. Я рисую всегда с натуры, главное в этом для меня оптика глазами интернет, соцсети я просто держу в уме. В прошлом проекте «Неопетербург» я использовал снимки, которые делал сам, в них тоже моя оптика, там фото - как техническое средство, дает возможность уловить то, что от меня может ускользнуть, находится в зоне периферийного зрения. С другой стороны, в нем есть такая «непредзаданность», нейтральность, я могу там выхватывать что-то, но это что-то формируется в голове, в самом рисунке фото уже нет, есть рисование формы, которое строится по другим принципам, отличным от fotobased. 

Ю.К.: Современное искусство сегодня понимает каждый по-своему. Много молодых художников пытаются выработать свой стиль, поднять в работах наиболее актуальные на их взгляд проблемы. Что бы Вы посоветовали тем, кто только начинает свой творческий путь?

Л.Ц.: Да я и сам в поиске… можно научиться рисовать, можно овладеть принципами стратегий в современном искусстве, важно, чтобы было что сказать, наверное, гореть этим. 

Ю.К.: Леонид, напоследок хочу задать вопрос, который актуален для каждого художника. Откуда вы черпаете вдохновение? И какое состояние духа помогает Вам настроиться на рабочий процесс? 

Л.Ц.: Мне нужен повод, провокация, личный опыт, выход из зоны комфорта, в том числе различные события. Причем совсем не обязательно их буквально рисовать, они могут обнаруживать себя в совершенно других сюжетах, рисунках. Вдохновляет общение с друзьями, взаимный обмен опытом, новые знания, хочется учиться, узнавать новое. Участие в замечательном проекте Сергея Хачатурова, который сейчас идет в музее-заповеднике «Царицыно», взаимодействие с художниками Егором Кошелевым, Егором Плотниковым, Евгенией Буравлевой - это очень важный и интересный опыт для меня, или проект «Форма как рассказ» об академическом рисовании, который мы делали с Павлом Герасименко, обращение к классическому рисунку под другим углом. И конечно, работа и взаимодействие со студентами - дают много новых художественных приключений, надеюсь и я им полезен.